Projazz

El sábado 16 de marzo llega a Providencia una nueva edición del Festival Las Urbinas, una gran fiesta que tendrá emprendedores locales, buena gastronomía y música bailable. ¿Lo mejor? Es totalmente gratis.Seguro ya has escuchado del Festival Las Urbinas (FLU), ese gran evento familiar que se hace todos los años en el barrio del mismo nombre en Providencia.

Todo se hará en plena calle, donde se reunirán locales de diseño nacional, gastronomía, música en vivo y entretención para toda la familia. Ideal para vitrinear y pasarlo bien con puras actividades al aire libre.

Este sábado 16 de marzo podrás pasear en una feria con 14 stands, donde emprendedores locales expondrán sus productos, como artesanías, bisutería, ropa, calzados, entre otros.

Además, habrá un mercado orgánico, donde se instalarán puestos con frutas y verduras, todo bien natural y saludable.

Por supuesto la comida no faltará, porque los restaurantes y bares del sector se unirán con promociones y descuentos para que puedas comer rico y a buen precio.

Ojo, que van a celebrar por adelantado el día de St. Patrick’, por lo que habrá concursos y sorpresas cerveceras para todos los asistentes.

Para los amantes de los libros, en la Librería Catalonia se hará una firmacon 4 autores nacionales, que estarán todo el día recibiendo al público de FLU.

¿Un ejemplo? Alejandra Costamagna, la periodista y escritora chilena, estará firmando El Sistema del Tacto, el libro que lanzó a fines del 2018.

Música en vivo

Y ojo, que también podrás disfrutar de buena música. Son 7 los cantantes y Dj’s nacionales que le pondrán ritmo a la versión número 12 del Festival Las Urbinas.

Makumba Roots sonará desde las 6 PM, con todo el sonido reggae para amenizar el ambiente. Más tarde, podrás escuchar a Bryan Blues, el dúo de guitarra y armónica que le pondrá el sonido del blues al evento.

Pasada las 8 PM comenzarán los beats de Dj Byte, el campeón mundial del RedBull Thre3style en 2015, una competencia que enfrenta a los mejores Dj’s del mundo.

Ojo, todo el evento es gratuito y desde las 2 PM podrás llegar a la calle Las Urbinas a disfrutar de este excelente panorama al aire libre.

Diseñadora de guitarras, directora de cortos, productora y una talentosa multiinstrumentista, son algunas de las facetas que ha desarrollado la compositora estadounidense. Hoy, encumbrada como uno de los nombres ineludibles del indie, también ha tomado posición en la lucha por la igualdad de las mujeres.

La noche del 10 de febrero, St.Vincent junto a Dua Lipa protagonizaron una de las presentaciones más comentadas en la entrega de los premios Grammy. Vestidas de negro, luciendo sus breves melenas y con mucha actitud, las intérpretes ofrecieron un mix de sus sencillos “Masseduction” y “One Kiss”, en una performance que solo con gestos y miradas destilaba tensión sexual. “Esas canciones son dos caras de la misma moneda. Se trata de la seducción y el sexo y todas esas cosas”, dijo la primera a Rolling Stone.

Con una carrera de cinco discos en solitario, tres EP y algunas colaboraciones, la guitarrista ha construido una carrera en que ha explorado diferentes universos sonoros; desde las composiciones de cuerdas al estilo Disney en Actor (2009) hasta la contundencia musical y emocional de su último álbum Masseduction (2017). No en vano en 2015 se llevó a su casa el Grammy a Mejor Álbum de Música Alternativa por su disco homónimo, convirtiéndose en la primera mujer en lograr el reconocimiento desde que se instauró en 1991, cuando fue rechazado por Sinead O’Connor.

Desde entonces su carrera y su figuración pública han ido en alza al ampliarse hacia otros intereses. Condujo un programa de radio -Mixtape Delivery Service- en Radio Beat 1; fue la primera en diseñar una guitarra signature adaptada al cuerpo femenino para la marca Ernie Ball; debutó como directora en un corto de terror –XX se tituló- y se dio el gusto de unirse a los sobrevivientes de Nirvana, una de sus bandas favoritas, para tocar “Lihitum” en la introducción de los de Seattle en el Salón de la fama del rock ‘n’ roll.

Nacida en Tulsa, Oklahoma, como Anne Erin Clark, desde pequeña fue criada como católica romana. Sus padres se divorciaron cuando tenía tres años y junto a su madre se fue a vivir a Dallas, Texas. A los 12 alucinó con los riffs incendiarios de Jimi Hendrix que suenan en la OST de la película Forrest Gump, y gracias al padre de un amigo que tenía una vieja stratocaster, se hizo de su primera guitarra eléctrica. Pronto comenzó a dominarla y con los años descolló con su habilidad.

El talento de Clark con las seis cuerdas le permitió iniciar su carrera en la banda The Polyphonic Spee. Tras abandonar el Berklee College of Music, al tercer año, comenzó su búsqueda de rodaje musical. Un día vio el anuncio en que la agrupación buscaba a un guitarrista. Anne se presentó a la audición con una maleta llena de pedales de efectos y todas las canciones del grupo aprendidas a la perfección. Al poco tiempo fue descubierta cuando el conjunto teloneó a Sufjan Stevens. En su disco debut, Marry Me (2007) tocó nada menos que 13 instrumentos diferentes.

Su nombre artístico es un homenaje al poeta Dylan Thomas, uno de sus favoritos. El vate murió en 1953 en el Saint Vincent’s Catholic Medical Center. Ese dato hizo volar la imaginación de la compositora pues le pareció una elegante referencia. Contenía una historia y hacía menos obvio su género.

En 2012 salió a las tiendas uno de sus proyectos más ambiciosos. El álbum Love this giant, compuesto en colaboración con David Byrne. Ambos se conocieron en 2009 durante un show benéfico para Radio City Music Hall. Originalmente proyectaron hacer una presentación en conjunto, pero al crear arreglos de bronces, comprendieron que podían hacer un largaduración. Durante tres años se enviaron correos con letras y melodías que dieron origen al material. “Simplemente jodíamos con las partes y piezas del otro y era bueno trabajarlo de esa manera. Ninguno de los dos estaba molesto por eso, así que solo podíamos cortar las cosas”, contó Clark a Rolling Stone ese año.

Más mujeres en la mesa

En los últimos años, Clark se ha sumado a las campañas en pro de la igualdad de derechos de la mujer y en múltiples entrevistas se ha referido al desigual trato que reciben las creadoras en la industria. “Tal como funcionan todos los sistemas de poder, necesitas un asiento en la mesa. Si no estás ahí, estás en el menú. Entonces, se trata de tener más mujeres en posiciones de poder para darle a las personas la oportunidad de que, por razones de desafortunado sexismo sistémico en este caso, no hayan tenido la oportunidad”, señaló a Rolling Stone en febrero de este año.

Por esa razón, también ha reflexionado en torno a la forma en que ella presenta sus shows. “El género es performativo. Y creo que es muy importante tener cuidado con las formas en que inconscientemente realizas el género. Especialmente si los axiomas que se te han transmitido a través de la cultura patriarcal no satisfacen tu poder”, dijo a The line of best fit.

Ello explica que esté colaborando con más mujeres, por ejemplo, como productora en el nuevo trabajo de la banda de rock alternativo Sleater-Kinney, integrada sólo por féminas. “Estoy en una posición en la que puedo contratar personas”, dijo a Rolling Stone. “En los últimos dos años la campaña de este álbum [Masseduction], ha sido muy centrada en las mujeres. Desde las directoras de espectáculos, hasta el contenido y las personas con que trabajo en el tour, siento que tengo mucha suerte de poder emplear mujeres, porque soy una mujer”, agregó.

St.Vincent se presentará en Lollapalooza Chile el domingo 31 de marzo. Anteriormente, en la edición 2015, ofreció un celebrado show que pasó a segundo plano por un incidente que no quedó del todo claro, pero que acabó con la estadounidense destrozando los cuadros que la artista chilena Constanza Ragal facilitó para decorar su camarín. Esta exigió una compensación de US$4500 lo que obligó a Clark a permanecer unos días en el país mientras se arreglaba la situación. Finalmente las partes llegaron a un acuerdo y la intérprete de “Digital Witness” pudo dejar la angosta franja de tierra.

Fuente / Foto: http://culto.latercera.com/2019/03/14/st-vincent-mujer-rock-alternativo/

Ayer fue el reggaetón, hoy es el trap y mañana será el electro hashtag zumba, imaginamos. Como sea, siempre el Festival de Viña del Mar alza sus antenas hacia lo que se está escuchando y lo da en generosas raciones. Hace tres décadas, en los estertores de la dictadura, el «rock latino» ocuparía un espacio destacado, frente a la mirada cautelosa de las autoridades que aceptaron a regañadientes un poco de maquillaje, letras sospechosas y raros peinados nuevos.

Pónganse en los zapatos de Eddie y verán que no fue fácil. O en su algo apretada chaqueta, si no es suficiente. Puntualmente exitoso a fines de los 70s, el estadounidense Eddie Money vivía una inesperada resurrección en 1986 con su single “Take me home tonight”, acompañado de la leyenda Ronnie Spector en los coros. Y como las estrategias de los managers son insondables, Febrero del año posterior lo encontraba en un lugar exótico como Chile, específicamente en el Festival de Viña del Mar, transformado en uno de los números internacionales.

Eran tiempos en que los extranjeros actuaban dos veces en la Quinta Vergara, lo que permitía medir el impacto sobre la marcha. Luego de un primer día tibio, Eddie, alguna vez estrella importante, salió confiado al escenario, pero se encontró nuevamente con la abulia general. Algún aplauso aislado, dentro de la expectativa masiva frente a la segunda actuación de la banda más famosa del momento: los argentinos Soda Stereo. Algo molesto, el norteamericano tuvo palabras de desprecio hacia sus compañeros de jornada. La prensa, en una época con sensibilidades diversas, aludiría a su excesivamente saludable contextura física, como respuesta. “Representante del rock guatón”, decidieron llamarlo.

En todo caso, nada que pudiese hacer Eddie, ni ningún otro en aquellos momentos. Luego de un año y medio de difusión masiva en los medios nacionales, el “rock latino” vivía su apogeo máximo. Con el impulso primero de Charly García y su mítico concierto en el Teatro Gran Palace en 1984, la fértil cantera de músicos “modernos” trasandinos (Virus, G.I.T, Miguel Mateos) daba material abundante, que se sumaba al incipiente movimiento local. Por ello, lo más lógico era la invitación a la Quinta Vergara a algunas de esas figuras. Siempre bajo la atenta mirada de la censura gubernamental, por cierto.

En el verano de 1987, Soda Stereo acumulaba tres discos en su carrera, logrando evolucionar musicalmente, mientras aumentaba el impacto comercial y crítico. Signos (CBS, 1986) había vencido las resistencias de la prensa frente a la primera etapa “divertida” de la banda, mientras que los rankings recibían nuevos éxitos como “Profugos” o “Persiana Americana”. Si en Argentina comenzaba tranquilamente la consolidación, en Chile aquello se llamaba Sodamanía, con una cobertura tan enorme que alcanzaba incluso al músico de apoyo, el tecladista Fabian Von Quintiero, quien compartía posters y entrevistas con los titulares Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti.

Las macizas presentaciones de Soda Stereo, extrañamente, no fueron coronadas con el máximo de premios posible. Quizás la frialdad de Cerati al recibir la Antorcha de Plata en la primera noche (sin desmayarse, ni prometer descendencia con nombre de la ciudad) impidió el visto bueno final requerido de la alcaldesa Eugenia Garrido en la segunda jornada. Mejor suerte en este circo romano tuvieron los otros invitados trasandinos, los curtidos en muchas batallas, G.I.T.

Reunidos como banda de acompañamiento de Charly García entre 1983 y 1985, Pablo Guyot, Willy Iturri y Alfredo Toth, acumulaban un historial previo de peso (Los Gatos, Raúl Porchetto, Miguel Mateos) al momento de unir fuerzas y escuchar atentamente los discos de The Police. Una engañosa simplicidad (excelentes instrumentistas todos), el poco pudor de repetir estribillos cual mantras (dirigirse a “Siempre fuiste mi amor” o “Aire de todos” para comprobarlo) y aquel sonido de batería de cocina, cortesía del productor Gustavo Santaolalla; los transformaron en otro de los grandes nombres de aquellos años y carta fija en la Quinta Vergara.

Con dos shows concisos y obviando un par de letras políticas que tenían en el repertorio como “Toque de queda” o “Aventura Nocturna”, G.I.T lograron las dos antorchas posibles y permitieron que los medios fantasearan con una (ficticia) batalla a muerte por el cariño chileno con Soda Stereo. Un año más tarde, quienes repetirían impacto y buenas maneras serían los mendocinos Enanitos Verdes, que tocaron en vivo buena parte del repertorio de las fiestas de la época, ya fuesen los rápidos “La muralla verde” o “Te ví en un tren”, o el lento “Tus viejas cartas”. Un poco de tranquilidad para la misma alcaldesa, quien veía como a meses del Plebiscito se enviaban desde el escenario saludos de solidaridad con amenazados políticos, cortesía de Richard Page, vocalista de Mr Mister.

Creemos que lo queremos

“Super Rock” se llamaba y comenzó como una extensión de la revista “Vea” para transformarse en el canal oficial del “rock latino” en Chile. En formato pequeño, casi siempre en blanco y negro, y con escasísimos medios económicos, como contaba su director Eduardo Sepúlveda en el sitio Museo de Revistas Chilenas; llegó a vender 60 mil unidades en su mejor momento. Si bien alguna vez se entrometió alguna nota a The Smiths o The Cure en sus páginas, lo central siempre fue el movimiento, en un amplio espectro que incluía desde sesudos análisis a los discos de las bandas hasta, por qué no, el color de pelo y ojos de Charly Alberti.

A pesar de las limitaciones de producción, la revista permitió difundir a bandas chilenas que no contaban con el apoyo de los medios oficiales, sobre todo al grupo más importante, Los Prisioneros. Ellos, aun con el antecedente de las ventas históricas de sus dos primeros cassettes, no fueron invitados a Viña 87. Sus letras, el apoyo popular y la imprevisibilidad de Jorge González eran un coctel que la alcaldesa no se quería tomar meses después del atentado a Pinochet, con la represión social reactivada fuertemente. En cambio, se optó por dos números nacionales: primero, una incorporación reciente al sello EMI que presentaba ventas en ascenso y segundo, una banda efectivamente conocida, sin complejidades políticas a la vista.

El homónimo disco de Upa! de 1986 y el sucesor Que nos devuelvan la emoción (EMI, 1988), deben de estar entre los mejores trabajos de aquellos años y contienen varios clásicos del rock nacional. Pero nada de ello era de conocimiento público en Febrero de 1987 cuando pisaron la Quinta Vergara, con la carga de ser los “reemplazantes de Los Prisioneros” y se enfrentaron a una audiencia que los miro con desgano. Todo podría haber sido peor para una banda con sólo un par de singles en las radios. Pero también mejor, qué duda cabe, si los hubiesen invitado algunos años después.

Por su parte, Cinema, con su uniforme de jardineras, proclamaron felicidad y locura rayada al ritmo de varios hits radiales que acumulaban en su par de años de existencia. Nada, eso sí, que convenciera del todo a su vocalista Alvaro Scaramelli, quien disolvería la banda tan rápida y eficientemente, que el año posterior lo encontraría en el mismo escenario tocando los temas de su primer disco solista Mi Tiempo Interior (Musicavisión, 1987).

También en 1988 actuarían los jovencísimos Nadie, que con el aval de hits como “Creo que te quiero” o “Ausencia”, entregaron un espectáculo correcto, que consiguió Antorcha, pero que estuvo minado por un claro nerviosismo que los llevó a acelerar el repertorio más de la cuenta. Quienes, por su parte, sufrirían los primeros indicios de la muerte del movimiento serían Pancho Puelma y Los Socios, ya que no sólo fueron cambiados de fecha de presentación algunos días antes, sino que entraron a escena luego de las 3 de la mañana, siendo cortados rápidamente de la transmisión televisiva.

Y de Los Prisioneros, ni rastro, hasta 1991 en una suerte de “reivindicación” en años de incipiente democracia. Pero Jorge González, que siempre ha sido, por suerte, muy parecido a sí mismo, no cayó en ninguna arenga política en tiempos más dedicados a problemáticas del corazón. También en aquel festival llegaría con algo de atraso el argentino Miguel Mateos, quien abducido por Miami, se orientaba a las discotecas con su “Obsesión”.

En 2007, con el término “rock latino” ya albergado más en el recuerdo emocional que en las enciclopedias musicales, Gustavo Cerati diría “hace 20 años estuve aquí mismo y tocábamos este tema” antes de arremeter con unas de las pocas concesiones a su pasado lejano, “Juego de Seducción”. Alguna lágrima escarmenada y con mocasines debe de haber salido entre el público en ese momento.

Fuente / Foto: http://culto.latercera.com/2019/02/28/rock-latino-festival-vina/#

Peter Frampton, el músico reconocido internacionalmente por clásicos como «Baby, I love your way» y «Do you feel like I do», enfrenta a sus 68 años una extraña enfermedad inflamatoria llamada miositis por cuerpos de inclusión (MCI).

El ícono del rock setentero sufrió hace ocho años atrás los primeros síntomas del MCI, presentando un notorio debilitamiento en sus tobillos. En un principio, el cantante creía que los dolores sólo eran «achaques de la edad», contó a Rolling Stones. Sin embargo, el agotamiento muscular también comenzó a propagarse por sus piernas.

Cuatro años más tarde, la preocupación por su salud incrementó en uno de sus conciertos, cuando lanzaron desde el público un balón de playa y el cantante se desplomó en el escenario tratando de patearla.

«Mis piernas simplemente se rindieron», contó el protagonista de «Frampton Comes Alive!», uno de los discos más vendidos en la historia del rock.

Con estos antecedentes, el compositor de «Show me the way» visitó de urgencia un neurólogo, quien confirmó su diagnóstico y advirtió que tarde o temprano, la enfermedad también afectaría sus brazos y los flexores de sus dedos. «Eso fue lo más preocupante, obviamente», expresó el guitarrista.

El músico que formó la banda «The little Ravens» junto al legendario David Bowie, actualmente sufre al realizar cualquier tipo de actividad cotidiana, como subir y bajar escaleras o levantar objetos, dificultando cada vez más su pasión por crear música.

“En octubre hemos hecho como 33 pistas nuevas (…). Sólo quiero grabar todo lo que pueda, ya sabes, por razones obvias”, expresó el cantante que decidió dejar los escenarios.

En este contexto, el guitarrista hará una gira de despedida por Estados Unidos y también participará de dos festivales en Canadá y España.

Fuente / Foto: https://www.elmostrador.cl/dia/2019/02/28/peter-fampton-se-retira-de-la-musica-por-una-extrana-enfermedad-sin-cura/

Los encargados de abrir la penúltima jornada del Festival de Viña del Mar fueron los Backstreet Boys, quienes en su segunda visita a la Quinta Vergara volvieron a conquistar a todos sus fanáticos.

El conjunto estadounidense con 25 años de trayectoria, cautivó al “monstruo” con algunos de sus clásicos sencillos como  «Quit Playing Games”, “Get Down”, “Everybody (Backstreet’s Back)” y “As long as you love me».

Sin duda, el quinteto fue uno de los platos más fuertes del certamen viñamarino, donde el público se rindió ante su simpatía y espontaneidad. Como era de esperar, el grupo se llevó los máximos galardones del espectáculo más importante de latinoamérica en el mundo.

Mauricio Palma tuvo el difícil desafío de hacer reír a una Quinta Vergara que siguió con ganas de escuchar a los estadounidenses, sin embargo, superó con creces las expectativas. El psicólogo de profesión, hizo reír a carcajadas al «Monstruo» con un completo repertorio que incluyó temas políticos, de desastres naturales y eventualidades de la vida cotidiana.

Con 15 años de trayectoria, Mauricio se consolida como uno de los comediantes revelación en la edición número 60 del Festival de Viña 2019, con un espectáculo que mostró su gran vocación de hacer reír y entretener.

Finalmente, el psicólogo interpretó su papel de «Violento Parra», personaje que lo hizo triunfar en el certamen viñamarino, llevándose los máximos galardones: la Gaviota de plata y de oro.

Camila Gallardo debutó en la edición número 60 del Festival de Viña del Mar, logrando emocionar a un público que cayó rendido a sus pies ante su primera canción “Un poco más de frío”.

Con una hora de presentación, la ex participante de The Voice cautivó con sencillos de su álbum “Rosa”, que hasta ahora se ha convertido en uno de los más escuchados. “Mi ruego”, “Más de la mitad”, “Mi querida Rosa ”, “Pa callar tus penas” fueron algunos de los éxitos que cantó Gallardo con su particular destreza vocal.

La artista nacional, con más de 595 mil oyentes mensuales en Spotify solo en Santiago, se llevó los máximos galardones del certamen, consolidándose como una de las grandes promesas musicales latinoamericanas.

Fuente / Foto: http://www.t13.cl/noticia/tendencias/vina-2019/La-musica-pop-reino-en-la-quinta-jornada-del-Festival-de-Vina-del-Mar-2019

La película A Star is Born, que fue protagonista en los Oscars, volverá a los cines con una reedición de la misma con imágenes no vistas.

Una de las películas del 2018 fue A Star is Born, protagonizada por Lady Gaga y Bradley Cooper. Pese a que en los Oscars no logró ninguno de los grandes premios además de Mejor Canción Original, es innegable su éxito.

Ante esto, NME reporta que una versión extendida de la película será estrenada en cines el 1 de marzo en Estados Unidos, pero que no se ha anunciado un estreno fuera de ese país.

Así mismo, se sabe que este reestreno de A Star is Born mostrará cosas muy interesantes que no pudieron ser parte del metraje final. Por ejemplo, incluyendo interpretaciones extendidas de canciones como Black Eyes y Alibi, además de un tema inédito llamado Clover.

Fuente: https://www.rockandpop.cl/2019/02/version-extendida-a-star-is-born/

Años más tarde volverían en 1999 con el inicio de una trilogía de precuelas. Cuando se pensó que ese era el fin, en 2015 se continuaron los hechos de El Retorno del Jedi, además de dos spin-off. Este año incluso, es el fin de la tercera trilogía.

Todo eso es Star Wars. Una de las historias que forman parte de nuestra cultura pop y que el actor Topher Grace (Venom en Spider-Man 3) ha concentrado en un sólo video de 5 minutos. Star Wars Always es su nombre y créeme, vas a terminar emocionado. Una previa al Episodio IX.

¡Mira todo Star Wars en 5 minutos!

Locales que marcaron hitos importantes para la historia musical.

1-CBGB

Local en el que debutaron The Ramones, la legendaria Patti Smith y Blondie, además de otros íconos de la escena punk y new wave de Nueva York. Dejó de funcionar en 2006, y era muy apreciado por la gama de anécdotas transcurridas en su interior, baños en mal estado y una amplia gamas de shows musicales inolvidables.

2. Dancetería

El local pionero a la Hacienda. Con la programación de Ruth Polski, fue un local dinámico en el que mezclaba sonidos discotequeros y art rock en plena Nueva York.

3. Rockola

Punto de encuentro madrileño muy concurrido entre 1981 y 1985, por su apuesta alternativa internacional como Siouxie, Lords of the New Church, entre otros. Se comenta que Dinarama se presentó por primera vez junto a la icónica Alaska. Desgraciadamente, luego de una pela que dio por muerta a una persona, el recinto cerró por siempre.

4. Paradise Garage

Nuevamente la movida neoyorquina haciendo de las suyas. Tocaban música disco y el surgimiento del house. Esto dio cabida a un público diverso, con amplia presencia gay y el reconocimiento de su Dj Larry Levan, uno de los pioneros de la fusión entre el funk y la música electrónica.

5. Blitz

De acuerdo a lo expresado por El Periódico de España, Blitz era “la cuna del La cuna del movimiento new romantic, empezó a funcionar en 1978 con Rusty Egan ejerciendo como dj e imponiendo en Londres el cruce entre electrónica, glam, punk y música disco”.  También, fue un local valioso para en la trayectoria de David Bowie.

Cómo Jim Lang (66) paso de hacer tours con Pointer Sisters a componer el soundtrack de un programa de Nickelodeon acerca de el «cabeza de balón».

“Recuerdo, mientras hacíamos la transición de la segunda a la tercera temporada, que pensé ‘Voy a hacer algo tan raro como pueda‘», dice el compositor Jim Lang, hablando desde su casa al norte de San Francisco. «‘Voy a inyectar un poco del post-bebop del Art Ensemble of Chicago en esto’. Fue muy divertido trabajar con esa libertad«.

El programa del que está hablando no es un ejercicio avant-garde de Twin Peaks: The Return o Ibiza Weekender —como podrías pensar por la referencia al colectivo de jazz fundamental, discordante y complejo—, sino Hey Arnold!, la serie animada melancólica de Nickelodeon que relataba la vida sombría y a veces problemática de un grupo de prepubertos con extrañas proporciones que vivían en la ciudad ficticia Hillwood.

No sabemos si Lang logró convencer a alguien en su audiencia de pagar por álbumes como Les Stances a Sophie, Non-Cognitive Aspects of the City o A Jackson in Your House. Lo que sí sabemos es que, durante el transcurso de cinco temporadas de televisión y dos películas —la segunda, Hey Arnold!: The Jungle Movie, fue muy bien recibida en 2017 —, introdujo de manera sutil a una generación de niños confundidos al jazz como una idea, el jazz como una textura, el jazz como algo que existe y puede escucharse, sentirse y abrazarse, incluso si todo lo que haces es balancear tu cuerpo a un metro del sofá, comer dulces y tratar de ignorar la sensación extraña que te produce ver a Helga Pataki en pantalla, como si tu estómago diera saltos mortales.

Las caricaturas que vemos cuando somos niños nos siguen tanto en la adolescencia como en la adultez, como gigantes benévolos de un paisaje interior y esto sucede, porque llegan en un punto de nuestras vidas en que nuestra inocencia es igual que nuestra capacidad de hacer ósmosis. El niño es una esponja. Eventualmente, la esponja se encuentra infundida de hormonas, mientras la pubertad lanza una bola de boliche de obsidiana por el corredor del ser y todo se va al carajo. Pero antes de eso, y después del envolvente infantilismo de la propia infancia, existe un punto precioso donde el mundo de la estimulación es todo lo que hay. Y es en ese precioso instante que las caricaturas importan.

Como forma artística, las caricaturas, desde Fantasia hasta Family Guy, se revelan en lo ilusorio. Es irreal obviamente —los gallos no pueden hablar, los gatos no pueden soportar múltiples golpes en la cabeza con una sartén y los ciudadanos de Springfield no son amarillos—, pero también es el resultado de una cantidad inconmensurable de trabajo humano. Al ofrecer un espacio que mezcla la realidad y lo irreal con tanta fluidez, las caricaturas son casi ilimitadas en su espectro. Pueden ser adultas y cotidianas ( King of the Hill), optimistas en niveles cursis ( The Jetsons) o dolorosamente tristes al evocar el amor y la pérdida, como sentirían los dinosaurios ( The Land Before Time).

“Los personajes de ese programa experimentaban cosas incómodas», dice Lang, sobre el programa gracias al cual creó su nombre. «Tenían momentos tristes. No vivían en un mundo perfecto». Eso podría explicar por qué el tema deHey Arnold! es ahora, 20 años después de la transmisión original, casi un objeto proustiano, infundiendo una sensación tanto de calma —casi a un estado embriónico antes de las responsabilidades y las aplicaciones del banco— como de inquietud, en recuerdo de la extraña vida del personaje principal. Una vida compartida con un abuelo sin dientes y dos bolas en la barbilla; una vida ocupada en evitar a los bullies; una vida más extrañamente promedio en su rectitud inexacta de lo que quisiéramos admitir.

Pero, ¿cómo es que Lang consiguió el trabajo como compositor de Hey Arnold!? El antiguo miembro de Pointer Sisters, colaborador de Todd Rundgren, arreglista y compositor tuvo que cambiar la vida de los escenarios por la vida en televisión a mediados de los 80. Después de acordar con su esposa que pasar la mayor parte de su vida laboral en tours no iba a generar una relación marital duradera y sana, el hombre de 66 años tuvo que buscar nuevos horizontes musicales.

Un amigo de Lang estaba produciendo lo que llaman “visitor videos” [videos para visitantes]para varias ciudades pequeñas de Estados Unidos. Estas presentaciones locales se realizaban en cuartos de hotel, son esquemas de información para que los empresarios frustrados aguanten mientras esperan a que llamen a la puerta. «Pregunté qué hacían por la música en esos eventos y dijo: ‘Ah, usamos bibliotecas de música’. Pagaban unos cientos de dólares por cada video. Entonces dije que yo lo haría por 150.»

Esto lo llevó a trabajar en los soundtracks promocionales para General Motors, lo cual a su vez lo condujo a establecer contacto con el animador Craig Bartlett. Bartlett crearía Hey Arnold!, pero en esa época tenía preocupaciones más apremiantes. “Craig estaba encerrado en una bodega en Osaka tratando de programar robots industriales para hacerlos bailar”. Esto, explica Lang, no era por razones meramente recreativas, ya que Bartlett se encontraba recluido en las profundidades de Japón por mandato del gigante de electrónicos Toshiba.

Sin embargo, algunos años después terminó editando la querida serie animadaRugrats. Inmediatamente después, presentó la idea de Hey Arnold! a Nickelodeon en 1993 y se ordenó el primer piloto para el año siguiente. Entonces, Bartlett contactó a su colaborador musical y le pidió ayuda. Con el piloto hecho, el programa fue puesto en marcha, se envió a producción y se estrenó ocho meses después. “Eso”, dice Jim Lang con una sonrisa en los labios, “fue muy fortuito”.

Lo que no fue fortuito es que dos décadas luego de que el programa fuera transmitido, los lectores de Noisey con cierta edad serán capaces de tararear el tema con jazz vivaz de la serie. Las trompetas ondulantes, la percusión aleatoria y los gritos ocasionales de “HEY…ARNOLD”, son tan fáciles de escuchar como comer un sándwich de jamón sin costra u oler vómito en una alberca de pelotas. De hecho, toneladas de composiciones incidentales que Lang escribió para el programa son, en su propia manera sutil, un curso rápido y digerible de jazz. Es evidente después de hablar con él que su interés en la forma, y más importante querer interesar a otra generación de jóvenes maleables, surge de su propia infancia.

“Había muchos discos de jazz en la casa, aún cuando mi padre no los ponía muy seguido”, me cuenta. Un encuentro accidental con Rhapsody in Blue de George Gershwin de 1924, la cual quizá recuerdes por la película de Woody AllenManhattan, fue el principio de un amor de por vida.

La sensación de posibilidad es importante cuando estás considerando cómo un medio como la televisión puede explotar otros espacios culturales. Por supuesto, el jazz no es fácil de vender para muchos adultos, no digamos niños que están más acostumbrados a Dave Benson Philips que a Dave Brubeck. “Algunos aficionados al jazz son muy orgullosos, porque sienten que tienen un mejor entendimiento de los aspectos más extremos y oscuros de la forma”, dice. “Es lo que llamamos jazzholes”.

A pesar de no considerarse como un músico de jazz —»los jazzistas son dedicados y estudiosos, practican tremendamente y saben mucho sobre su oficio, mientras que yo sólo soy un autodidacta que apenas toca”—, es innegable que su soundtrack funciona, inspirado por personas como Wes Montgomery, Oliver Nelson y Astrud Gilberto, ha hecho que el jazz sea accesible a millones de espectadores.

Más que eso, era el soundtrack perfecto para un programa de televisión que se atrevió a tratar a su joven audiencia de manera honesta, seria y con respeto. “Para mí, fue una oportunidad de escribir música muy emocional y aquellos momentos resuenan con la gente de tiempo en tiempo”, dice Lang. “Hicimos un especial de Navidad en el que el señor Hyunh, uno de los inquilinos de la casa de huéspedes, encuentra a su hija perdida, de quien se separó cuando evacuaron Saigón. Son temas muy profundos y oscuros para un programa de caricaturas infantil, ¿no?”.

Daniel el Travieso, no lo era.

Fuente: https://noisey.vice.com/es/article/mbp5ba/una-charla-con-el-compositor-de-hey-arnold-que-llevo-el-jazz-a-nuestra-infancia?utm_campaign=sharebutton&fbclid=IwAR344lt1o4Zh_GZrPDOv-_NS-kDCD7N3Z8JeErA_5ezvT-GjakiCLwjpi4c