Este año, el Festival Internacional Bio Bio Cine reunirá trabajos de 15 países en las categorías de largometraje ficción, cortometraje ficción y documental. Un espacio único que busca impulsar la difusión de realizaciones nacionales e internacionales dentro de la Región del Bío Bío.
Ya está todo dispuesto para la sexta versión del Festival Internacional BioBioCine, que se realizará desde el 17 al 21 de abril y que contará con la exhibición de 32 obras en su competencia oficial. Países como Tailandia, Rumania, México y Francia estarán presentes llenando de historias las cuatro salas que dispondrá para su programación, incluyendo dentro de ellas el nuevo Teatro Regional del BioBío, con el mejor nivel de proyección, sonido e imagen.
Para este año fueron más de 1.150 películas que atendieron el llamado a participar de festival, reuniendo trabajos de diversos lugares del mundo. Según explicó el director del evento, Francisco Toro, “BioBioCine busca potenciar un diálogo y conexión con nuestra audiencia, por tanto este año hemos seleccionado películas que creemos son importantes para crear un mismo espíritu e identidad, y que busque generar un impacto en la memoria colectiva de Concepción“.
Una de las categorías más esperadas es la selección de documentales internacionales, sumando un total de siete obras aclamadas por la crítica especializada y que además han obtenido diversos premios y reconocimientos en distinto festivales de cine del mundo.
Uno de ellos es El Pacto de Adriana de la realizadora chilena Lissette Orozco, un registro imperdible que narra la vida de la propia directora y su tía Adriana Rivas, y cómo en 2007 se enteró, a través de una denuncia, de la participación de su tía en torturas durante los años que trabajó como secretaria del jefe de la DINA, Manuel Contreras.
“El pacto de Adriana”
Para la competencia de largometraje ficción se exhibirán cinco títulos, todos con importantes temáticas sociales. Uno de ellos es La casa Rosada, la última obra del destacado director peruano Palito Ortega Matute, quien falleció debido a un cáncer antes de poder estrenar su película. Ortega era uno de los mayores exponentes del cine regional de Perú, con ocho largometrajes que lo respaldan.
“La casa rosada” | BioBioCine
En el caso de la competencia de cortometraje, este año se sumaron 20 títulos de diez países. La selección incluye en su mayoría realizaciones chilenas como Peón de Ignacio Ruiz; Sin derecho de Valentina Osorio y Fletas, sucias pero ni tan malas, entre otras.
La competencia internacional se llevará a cabo en distintas salas de Concepción, siendo estas el Aula Magna, Alianza Francesa, el auditorio de Artes y Humanidades de la Universidad de Concepción y el Teatro Regional del BioBío. Todas las funciones son gratuitas y los horarios pueden ser revisados dentro de los próximos días en las redes sociales del festival o en este link.
Con tan solo 11 años aprendió a tocar el piano de forma autodidacta. Tener autismo no le ha impedido a este adolescente británico soñar y convertirse en un auténtico prodigio en aquello que mejor le ayuda a expresarse: la música.Su relación con la música fue excepcional desde que era muy pequeño.
Michael Fullers, de 17 años, tiene una forma leve de autismo que le hace ver el mundo a través de los sonidos, lo que le permite crear melodías a partir de los ruidos que escucha en la calle.
Para él es mucho más normal y fácil hacer música que interactuar con otras personas.
Desde los 11 años es capaz de interpretar a Mozart de oído. Aprendió a tocar el piano solo, simplemente con una aplicación para celular.
Él describe su habilidad como si consiguiese «descargarse de la cabeza» las canciones.
Nadine, su madre, recuerda que cuando Michael aún era un niño, se giraba y le decía: «Compuse una sinfonía».
Descubrimiento fortuito
El talento de este joven fue descubierto por casualidad. Su profesora de música lo escuchó cantar para él mismo en el pasillo y se ofreció a formarle para limar su talento natural.
A día de hoy sigue dándole clases para que reciba su diploma oficial en estudios de música en el Instituto Richmond, cerca de Londres (Reino Unido).
La genialidad de Michael se extiende también a los instrumentos.
La primera vez que tocó un piano se dio cuenta de que lograba rápidamente interpretar piezas complejas, de memoria.
«Me gustaba lo que oía así que empecé a buscar más música y estudiarla a través de Google y YouTube. Era algo muy natural, la escuchaba en profundidad y después era como si se implantara en mi mente«, recuerda.
«Después podía tocarla directamente en el piano».
Composición
Poco después de aprender a tocar el piano, ya de adolescente, empezó a componer sus propias sinfonías.
Él describe el proceso como «hacer música con la mente» y asegura que «la música le ayuda a expresarse y a estar tranquilo».
Michael interpretando al piano una pieza propia.BBC
«Cualquier tipo de sonido me fascina, un simple cling y me pongo a componer», explica.
La composición le ha ayudado también expresar sus emociones, algo que a las personas con autismo les resulta especialmente difícil.
Este adolescente británico dice que deja que la música le entre en «un momento de inspiración».
«Dejo que la música me posea, no lo planeo, simplemente ocurre».
La diferencia entre su forma de componer y la de otros, asegura, es que la música «proviene de él mismo y tiene vida propia».
Futuro ambicioso
Michael con su madre Nadine que recuerda lo mucho que sufrió su hijo en la escuela por ser diferente.BBC
Actualmente ya tiene una serie de canciones con letra que escribió él mismo,pero este joven prodigio tiene altas expectativas.
Michael quiere convertirse en un artista moderno de música clásica. Quiere controlar más su proceso creativo y no hacer como los compositores de hoy en día que, según él, «escriben cualquier cosa en una página, se la entregan a los músicos y enseguida se quedan en un segundo plano».
Él quiere ser el centro de atención.
«Puedo escribir, componer, cantar. La gente se puede sorprender pero soy bastante ambicioso».
Autismo y habilidades especiales
No se sabe muy bien el por qué, pero la gente con autismo a veces desarrolla habilidades especiales.
Algunos apuntan que se debe a:
Interactuar con otros puede ser un problema, así que tienen intereses que disfrutan en solitario.
A las personas con autismo les cuesta adaptarse a los cambios de rutina así que valoran realizar una actividad que pueden predecir.
La gente con autismo es generalmente buena en cuestiones que requieren mucha concentración y puede realizar una tarea durante un largo periodo de tiempo, llegando a ser muy buena en esa actividad.
Fuente: Dimensions, asociación con sede en Reino Unido para personas con autismo y necesidades especiales
La Oficina de la UNESCO en Santiago y la Asociación Cultural Amigos de Orion Lion, en colaboración con el Berklee Global Jazz Institute, el Instituto Profesional Escuela Moderna de Música y Danza y la Fundación Danilo Pérez, Artista por la Paz de la UNESCO, hacen una amplia invitación a participar en la tercera edición del Festival Chile Jazz por la Paz, evento que tendrá lugar entre el 12 y el 14 de abril de 2018 en Santiago de Chile. La celebración forma parte de las actividades conmemorativas del Día Internacional del Jazz celebrado cada 30 de abril en todo el mundo.
El Festival ChileJazz por la Paz se realiza cada 2 años. Es una celebración que reúne a artistas y docentes internacionales del Berklee College of Music, una de las más influyentes escuelas de artes en Estados Unidos. En esta edición estará nuevamente presente la Fundación Danilo Pérez, liderada por el jazzista homónimo y Artista por la Paz de la UNESCO. La fundación brinda programas de difusión de música a niños que viven en la pobreza extrema en Panamá.
La nueva versión del festival celebra la música como catalizador de cambios en la sociedad. Como parte de las actividades del Día Internacional del Jazz el festival tiene también como objetivo sensibilizar sobre las virtudes de la música jazz como herramienta educativa y motor para la paz, la unidad, el diálogo y el refuerzo de la cooperación entre pueblos. Porque el jazz no es sólo un estilo de música, sino que también contribuye a la construcción de sociedades más inclusivas.
Inscríbase en las actividades académicas del festival
Durante los tres días, el Instituto Profesional Escuela Moderna de Música y Danza será el epicentro de las actividades académicas del festival, que comprenden seis master class gratuitas y abiertas a la comunidad, las que se llevarán a cabo en Luis Pasteur 5303, Vitacura, Santiago de Chile. Las clases están dirigidas a todo estudiante o músico que quiera participar de los ensambles con los maestros de la Fundación Danilo Pérez. Para inscribirse, llene el formulario en el sitio web del festival Chile Jazz por la Paz: www.chilejazzporlapaz.com.
Las clases comenzarán el jueves 12 de abril a las 12:30 con la ponencia “Gestión Cultural Internacional”, que dictará el destacado músico nacional y ex maestro de la Escuela Moderna, Orion Morales. Posteriormente, a las 14:30, será el turno del artista estadounidense Aaron Holthus con su clase “Walking Jazz Bass”, que cerrará las exposiciones de la primera jornada.
El viernes 13 de abril, a las 12:30, la maestra Patricia Zárate, chilena radicada en Estados Unidos y directora del Festival de Jazz de Panamá, iniciará el día con la charla “Music Performance Therapy”. Después, a las 14:30, el baterista polaco Sebastian Kuchczynski dictará la clase “Percussion Dissociation”.
El sábado 14 de abril serán los embajadores del Berklee Global Jazz Institute los encargados de iniciar el ciclo de charlas con la master class “Improvisation – Zero Gravity”, que comenzará a las 12:30. Por su parte, la artista polaca Malwina Masternak, también de Berklee, cerrará las exposiciones a las 14:30 con la charla “Voice Melody”.
Conciertos (abiertos y gratuitos)
Se realizarán tres conciertos dobles en los cuales se pondrá en práctica el trabajo desarrollado en los tres días de docencia.
Concierto de inauguración
Jueves 12 de abril, 20 h.
Patricia Zárate & Ensamble por la Paz, Ensamble Escuela Moderna.
Lugar: Auditorio Citerior, Marcoleta 659, Metro Santa Lucía
Concierto de gala
Viernes 13 de abril, 20 h.
Orion Lion y Orquesta, Marco Pignataro (Italia) y Berklee Global Jazz
Lugar: Aula Magna Policía de Investigaciones de Chile, Av. Gladys Marín 5783, Estación Central
Concierto de cierre
Sábado 14 de abril, 19 h.
Luis Carlos Pérez Ensamble (Panamá), Carlos Agrazal Ensamble (Panamá), Alix Goffic Ensamble (Guayana Francesa – Francia).
Lugar: Patio Bellavista, Barrio Bellavista
En marzo de 2014 se realizó la Primera edición del Festival ChileJazz por la Paz organizada por la Asociación Cultural Amigos de Orion Lion y apoyada por OREALC/UNESCO Santiago, llegando a un público estimado de 3800 personas.
En este Festival se realizaron actividades gratuitas e itinerantes en diferentes comunas de Santiago desarrollando el concepto “Música como agente de cambio”. Participaron el Pianista panameño ganador del Grammy Danilo Pérez junto a Berklee Global Jazz Institute de Boston-USA.
En la segunda edición del Festival ChileJazz por la Paz, realizado en mayo de 2016, participaron artistas de Estados Unidos, Israel, Panamá y Chile.
La popular cinta protagonizada por Michael Keaton y Winona Ryder fue adaptada como una obra, y tendrá su estreno en el National Theatre de Washington, para luego trasladarse a Broadway.
Por años, la popular cinta Beetlejuice (1988) ha estado rodeada de rumores sobre su regreso a la pantalla grande. Incluso los protagonistas, Michael Keaton y Winona Ryder, han manifestado sus deseos de participar en una secuela.
Pero hasta ahora, lo más concreto relacionado al clásico filme del cineasta Tim Burton es una adaptación como musical, que acaba de confirmar su debut en Estados Unidos.
La obra se estrenará en octubre de este año en el National Theatre de Washington, y luego desembarcará en Broadway, publicó The New York Times.
Beetlejuice: The Musical llevará a las tablas la famosa historia de la joven Lydia Deetz (Winona Ryder), que junto a su familia es acosada por un muerto llamado Beetlejuice (Michael Keaton), quien en su trabajo como “bioexorcista”, intenta sacarlos de su nuevo hogar a petición de los difuntos Adam (Alec Baldwin) y Bárbara (Geena Davis), dueños de esa casa en vida.
La obra fue escrita por Scott Brown y Anthony King a partir de la historia original que crearon Michael McDowell y Larry Wilson.
Según el New York Times, este proyecto se ha estado preparando por largos ocho años, a cargo de la división teatral de Warner Bros.. Su transformación a un musical cuenta con la dirección del destacado Alex Timbers, famoso por llevar a Broadway obras como Rocky y Peter and the Starcatcher, mientras que la música está en manos del artista Eddie Perfect, quien en paralelo trabaja en una adaptación musical de King Kong.
Al mismo tiempo, la compañía está trabajando en el desarrollo de otras atractivas adaptaciones teatrales, como la de A Star is Born, con Bill Condon (Dioses y monstruos,La bella y la bestia) en la dirección; Dog Day Afternoon y 17 otra vez.
Pese a su buen momento, el cine chileno está todavía lejos de ser una industria y sus mujeres, minoritarias, luchan por hacerse un hueco en un universo masculino que a menudo las discrimina, destacaron algunas de ellas en Toulouse.De los 46 filmes de ficción y documentales chilenos que salieron en salas el año pasado, solamente 10 estaban dirigidos por mujeres.
Pero sus largometrajes están encontrando cabida en festivales como Cannes (“Los perros”, de Marcela Said) y San Sebastián (“Princesita”, de Marialy Rivas).
Said, la también directora Claudia Huaiquimilla (“Mala junta”), la actriz Paulina García (“Gloria”) y la montadora Andrea Chignoli (“La novia del desierto”) explicaron este jueves por la noche en el marco del festival de Cinelatino de Toulouse cómo lograron dedicarse al cine en un país donde las escuelas especializadas empezaron a crearse recién en los años 1990 y de qué manera se puede avanzar hacia la igualdad.
Marcela Said
“Crecí en una familia muy machista. No fui a la escuela de cine porque mi padre se oponía”.
Por eso estudió sin entusiasmo literatura inglesa y luego filosofía estética, donde descubrió obras maestras como las de Roman Polanski y Wim Wenders.
“Quería irme del país, Chile era muy conservador y yo no me ceñía a las convenciones”. Como asistente de fotografía llegó a París y “se enamoró” de la ciudad.
Ahí empezó con documentales. “Tenía mucha rabia dentro y me interesaba la política”, explicó Said.
“Antes me avergonzaba de no haber hecho una escuela, ahora sé que eso me da una libertad total”. Instalada en Francia, Said exige una igualdad de sueldos y que no se cuestione su capacidad para rodar “películas de acción” por ser mujer.
Marcela Said | 35milimetros.org
Claudia Huaiquimilla
Huaiquimilla, cuyo padre es mapuche, creció con “dos visiones del mundo muy distintas”.
Su madre la envió a un “colegio de monjas cristianas para señoritas”, donde los cursos de historia eran muy diferentes a lo que se enseñaban en casa.
Ella le traía las películas “pirateadas” que habían ganado en Cannes y la Berlinale. Contrajo una gran deuda para estudiar cine, “algo que no fue muy bien recibido” por su familia.
Allí, contó con el espaldarazo de su profesor de ficción para convertirse en directora. “Aunque no se dice abiertamente, las escuelas de cine no alientan a las mujeres a serlo”.
Aboga por “educar” a los hombres que trabajan en los estudios de grabación, donde “un director que repite mucho las cosas es perfeccionista, pero si es una directora no sabe lo que está buscando”.
Claudia Huaiquimilla | Twitter
Paulina García
Mientras cursaba artes plásticas, para “lo que no servía”, según contó, organizó con sus amigos un “café concierto”, donde inventó un personaje, “Pamelita”, para la que cada vez escribía más historias.
“Un día un amigo me dijo ‘ahora tomátelo en serio y ponte a estudiar actuación»”.
Quedó quinta en el examen de ingreso y desde entonces “supo que ese era el lenguaje que debería haber aprendido siempre”.
Asegura no tener conocimiento de historias de acoso sexual en el cine chileno – “sí en el teatro” -, y subraya que ha rechazado papeles porque menoscababan a la mujer.
Gloria
Andrea Chignoli
Empezó de manera autodidacta, como muchos profesionales del cine que evolucionaron en un “espíritu de colaboración” entre documental y ficción y que existe todavía en Chile, donde hay pocos técnicos.
Estudió luego en Estados Unidos, donde muchos le preguntaban porqué en el cine latinoamericano siempre había prostitutas y la mujer tenía un segundo rol. Pero, afortunadamente, ahora “hasta los hombres han cambiado en cuanto a las temáticas”.
La cantante suiza Lys Assia, la que fuera la primera ganadora del festival Eurovisión en 1956, falleció el sábado a los 94 años, informó la organización en un comunicado.Nacida como Rosa Mina Schärer en 1924 en Rupperswil, en el norte de Suiza, la artista que se conocería después como Lys Assia comenzó su carrera como bailarina, pero pronto se dedicó al mundo de la canción, alcanzando su mayor éxito en 1950 con «O Mein Papa» (oh mi papá)
Durante su larga carrera, Assia actuó para la reina Isabel II, el rey egipcio Faruk y para Eva Perón, y también se implicó en proyectos solidarios en todo el mundo.
También tuvo algunos papeles como actriz, pero a Assia se le recuerda más por haber ganado el primer certamen de Eurovisión en 1956, celebrado en Lugano (Suiza).
La suiza interpretó en aquella edición dos canciones, y la segunda, «Refrain», ganó el concurso.
La artista volvió a competir en Eurovisión en otras dos ocasiones: en 1967 cuando trató de manera infructuosa repetir su gran éxito con el mismo equipo del año anterior, y en 1958 con «Girogio», pieza con la que logró el segundo puesto.
Lys Assia siempre mantuvo los vínculos con el certamen, ya sea como invitada de honor o demostrando su apoyo en el 30 y 50 aniversario de Eurovisión en 1985 y 2005, respectivamente o iniciando la votación en 2008 en Belgrado.
En 2011 decidió regresar a los escenarios de Eurovisión como artista y se presentó como candidata a la selección nacional en 2012 en Suiza para poder competir por su país.
Con la canción «C’était Ma Vie» (Era mi vida), escrita por los conocidos compositores del certamen Ralph Siegel y Jean-Paul Cara, se convirtió en la favorita de los aficionados suizos del certamen, pero finalmente no fue escogida como representante de su país.
Lo intentó de nuevo un año más tarde, pero no llegó a la final del proceso de selección en Suiza con su canción «All In Your Head» (todo en tu cabeza) que interpretó con el grupo New Jack.
En los últimos años, Lys Assia vivía en la llamada costa de oro de Zúrich donde luchaba contra varios problemas de salud.
En el papel, el showcase de los Billboard Latin Music en Santiago prometía espectacularidad garantizada.
Lunes. Escena 1. Expectativa. Horacio Cerutti, productor general del primer showcase de Billboard Latin Music en Santiago, promete por radio Bío Bío “una puesta en escena estilo hollywoodense, algo nunca visto en Chile”. Dice que la idea es “romper esquemas” en cuatro horas de música urbana y que “llegamos para quedarnos”, adelantando futuros eventos de la legendaria marca estadounidense sobre rankings musicales. La producción trabaja con Madis, empresa asociada al Festival de Viña del Mar. En el papel, espectacularidad garantizada.
Viernes. Escena 2. Realidad. Falta gente en el Movistar Arena. Restan cinco minutos para el inicio del evento pactado a las 21 horas con un cronograma que considera a una decena de artistas locales e internacionales. Menos de 2 mil entradas vendidas y se regalaron 8 mil. Mega, originalmente a cargo del streaming, ya no figura por falta de acuerdo.
A las 21:12 aparece el ex chico reality y panelista de Mucho Gusto, Joaquín Méndez. Lleva el pelo como Tweek, el histérico personaje de South Park. “¡Está scheno!”, exclama mirando hacia las butacas vacías y presenta a la ex miss Chile Camila Recabarren. De inmediato Méndez comienza a llamar al animador del evento, Karol Lucero. Es su primer espectáculo internacional.
“¡Espérate que están arreglando los cables!”, replica la inconfundible voz cansina del conductor y el Movistar ríe cómplice. Méndez lanza chistes sobre la estatura de su compañero, y el aludido aparece con polera blanca y camisa celeste con los faldones sueltos. El concepto showcase implica sets cortos y, según el cronograma, a esta hora Augusto Schuster ya debería estar cantando. Pero no. El Billboard Latin Music en Chile es un spin off del matinal de Mega. Tallas van, tallas vienen. Lucero exige un beso entre el trasandino y la reina de belleza; se escucha a todo parlante el “Tuta tutá” de Los Auténticos decadentes; se arma un concurso de besos entre el público con el premio de llegar a primera fila, y el animador alude al clásico entre el Colo y la U.
Hollywood dónde estás.
El chileno Rodrigo Campos, conocido como El Calle Latina, aparece con 31 minutos de retraso. Pide saltos y pocos responden. La voz a veces se escucha, otras no. No importa. Está todo pisteado.
21:43. Un reloj al fondo del escenario marca una cuenta regresiva. 21:45 y Karol Lucero a escena luciendo chaqueta negra con bordados plateados. Su rostro brilla. Saludos de rigor y luego anuncia al “actor que estuvo en el Festival de Viña y la rompió”. Augusto Schuster irrumpe en spanglish. Su imagen combina a Justin Bieber y Justin Timberlake, mientras el montaje que incluye banda y coreografías, exuda recursos. Canta seguro, con propiedad, tiene voz. Solo falta el carisma.
El ritmo vertiginoso que define a estos espectáculos se chileniza. Schuster termina y Karol Lucero lo aborda en una mezcla de Rafa Araneda en Viña y cuña de backstage. El espectáculo se enfría, aparece Cata Palacios. Está emocionadísima y pide un aplauso “a la trayectoria” del animador. El libreto divaga. Karol Lucero asegura que “en Chile, como en todo el mundo, mandan las mujeres”. Luego -recién- explica de qué trata Billboard. Acto seguido, baila La colita.
El venezolano Nacho se toma el escenario a las 22:14 con 13 minutos de retraso según la programación original, a estas alturas completamente desdibujada. El primer tema es un caos de percusiones sobrantes. Cuando concluye le entregan un reconocimiento “por el cariño del público”. Selfie de rigor y diálogos entre Karol y Cata sobre la singularidad de la mujer chilena. Adelantemos: un ceacheí, bromas sobre la supuesta fellatio a Lucero en radio, Cata anuncia su cuenta de Instagram.
Turno de Yandel y por primera vez este debut del Billboard Latin Music en Chile se asemeja a un show internacional, gracias al oficio del astro puertorriqueño.
Para el periodista Roberto Herrscher, el arte es una conversación sin final. Los textos de su libro “El arte de escuchar” invitan al lector a conocer y compartir todo lo que existe alrededor de la música que nos emociona. Él es música, periodismo y docencia.
A quienes les gusta el fútbol “sin límite y medida” no les alcanza con ver el partido, también están atentos a las conferencias de prensa, las entrevistas, los comentarios de cada gol, las estadísticas, el análisis después del partido, el pasado, presente y futuro del juego, dice Roberto Herrscher (Buenos Aires, 1962). Pero este artículo no es de fútbol sino de música clásica. La pasión hacia el deporte es el ejemplo perfecto que utiliza este periodista en la introducción de su libro, El arte de escuchar (Edicions de la Universitat de Barcelona, 2015), para explicar que “el arte es una conversación sin final”; y en su caso es una sobre música.
El libro comienza en Bogotá, junto a un grupo de alumnos de un curso de periodismo musical que él fue a dictar a la Universidad de los Andes en 2015. Allí viajó en Transmilenio, le dio dinero a un músico que con un arpa tocaba El pájaro chogüí, una melodía paraguaya, y después de dos horas de recorrido llegó al Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. El objetivo era asistir con sus estudiantes a un concierto del director de orquesta Gustavo Dudamel —Sinfonías 1 y 2 de Beethoven—. Disfrutar, sentir la música y pensar en cómo transmitirla.
Del concierto dijo: “Las cuerdas suenan robustas y flexibles; las maderas, dulces y precisas; los metales vigorosos”. Una descripción que me suena a la de un vino, pienso; qué bueno haber podido hacer ese curso. Él actualmente vive en Chile y es profesor y director del Diplomado de Narrativa de No Ficción de la Universidad Alberto Hurtado, cronista y crítico de ópera. Mientras se programa otro de sus talleres podemos escuchar una clase suya en los podcasts de Conversaciones 070 y leer algunos de sus textos en su blog de El Boomeran(g).
Herrscher me cuenta por escrito que es hincha de dos equipos de fútbol por afectos cercanos, que nada tienen que ver idearios territoriales o grupos de amigos: “Soy del River, en Argentina, porque mi papá es del River y me llevó a la cancha de chico. Y soy del Barça por mi hijo, que encontró en el club de su ciudad de adopción la forma de ser barcelonés y pertenecer con sus amigos y compañeros. A mí, personalmente, no me afecta si ganan o pierden. Me importa la alegría o tristeza de mi papá y mi hijo”.
Entonces llegan a la memoria las imágenes que aparecen en la introducción de El arte de escuchar. Herrscher es un niño y está en el carro de su padre, en donde no se contagió de fútbol pero sí de música clásica. Allí, en un Chevy celeste, escuchaban a Bach, Mozart, Beethoven y Schubert en Radio Nacional. En ellos encontró “la armonía, la paz, la idea de que el mundo tenía un sentido”. También oían folclor argentino, a Atahualpa Yupanqui, a Mercedes Sosa: él solo llegó al tango; después, con sus amigos, al rock, a la música brasileña, al jazz, a la ópera. Sobre músicos colombianos me dice que resalta a dos que lo emocionan y lo impactan: el clavecinista Rafael Puyana, por su música grabada, y de la generación actual, el director de orquesta Andrés Orozco.
Al día siguiente, después del concierto al que asistió junto con sus alumnos en Bogotá, leyeron un perfil de Dudamel escrito por Julio Villanueva Chang y una crítica de Juan Ángel Vela del Campo, y surgió la pregunta más importante del curso: “¿Para qué escribir sobre música?, ¿tiene sentido decir algo más, después de ver una obra que nos conmueve y nos transforma?”. Herrscher dice al respecto que sucede igual con la literatura, teatro, pintura, cine, y se plantea si quizás bastaría con un “vayan a verla”, o confiar en el criterio de críticos especializados cuando digan todo lo contrario. Concluye que si no queremos leer sobre lo que vamos a escuchar o lo que acabamos de ver es porque fue un menor y banal entretenimiento, pues “el arte bueno debe dar de qué hablar”.
La vida del artista nos ayuda a entender mejor su música, y en su libro leemos, por ejemplo, sobre Plácido Domingo, Calixto Bieito, Jordi Savall, Piazzolla. También utiliza el viaje como forma de conocimiento y vamos con él al festival wagneriano de Bayreuth, a Cuenca, a Sevilla, a La Coruña. Conocemos la historia del incendio del Liceu de Barcelona y asistimos a conciertos de los pianistas Maurizio Pollini y Lang Lang, y estos son sólo algunos ejemplos del contenido del libro.
Es cierto que lo que queremos hacer después de disfrutar de algo que nos gusta mucho es no quedarnos con esto adentro, sino todo lo contrario, contar lo que pensamos sobre el tema, discutir, aprender, vivir. Entender a quiénes y cómo lo hicieron.
Entonces tiene todo el sentido escribir sobre música, y más aún leer sobre ella. Disfrutar de El arte de escuchar y compartir este libro porque la conversación apenas comienza.
Este fin de semana, en la última jornada del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, Chile fue presentado oficialmente como “País Invitado de Honor” de la versión 2019 de este certamen, el evento fílmico más importante de Latinoamérica y uno de los más relevantes del circuito internacional, que cada año reúne a cientos de directores, productores, actores y actrices de la región y el mundo.
“Esta invitación viene a confirmar el reconocimiento y consolidación que la industria y producción de cine chileno está teniendo a nivel regional y global, lo que se traduce en su presencia cada vez más destacada en festivales internacionales y la proliferación de nuevos realizadores.
La invitación se enmarca en la excelente relación que se ha ido forjando a lo largo de los años, entre los creadores de Chile y México y expresa el fortalecimiento de las relaciones bilaterales, que en marzo de 2019 celebran 20 años de Tratado del Libre Comercio.
Sin duda, una coincidencia feliz y una oportunidad que nos invita a seguir avanzando y cosechando éxitos”, dijo el canciller Roberto Ampuero.
El anuncio fue realizado por el director del festival, Iván Trujillo, quien señaló que “esta invitación es un reconocimiento a la trayectoria, desarrollo y calidad del cine chileno y al vínculo que este festival ha cultivado desde 1999 con nuestro país, a través de diversas instituciones como el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Corfo y la Cancillería, por medio de la Dirección de Asuntos Culturales (Dirac) y ProChile”.
Por su parte, la ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Alejandra Pérez, celebró la noticia: “El Festival de Guadalajara es uno de los más importantes de Latinoamérica y además cultiva desde hace muchos años una relación de gran cercanía con el cine chileno.
Además, el mercado de cine de Guadalajara es apoyado desde hace años por el Programa de Asistencia a Mercados Internacionales del Fondo de Fomento Audiovisual. Por todo esto, convertirnos en el país invitado 2019 nos motiva a generar las mejores condiciones para tener una presencia inolvidable en este prestigioso evento.”
La invitación coincide con uno de los mejores momentos de la industria audiovisual y cinematográfica de Chile, tras el triunfo de “Una Mujer Fantástica”, de Sebastián Lelio, como Mejor Película Extranjera en la nonagésima edición de los premios Oscar y el Oscar al Mejor Corto Animado que obtuvo “Historia de un Oso”, de Gabriel Osorio y Patricio Escala, en 2016.
La versión 2019, donde Chile será el actor protagónico de la programación de esta importante vitrina para reconocer y destacar el trabajo de artistas consolidados, también es una excelente plataforma para visibilizar el talento de los nuevos creadores nacionales.
La invitación fue recibida, en representación de la Cancillería, por el encargado de negocios de Chile en México, Fernando Velasco, quien fue acompañado por Ivy Chávez, representante comercial de ProChile en Guadalajara, institución que desde hace 12 años ha apoyado en forma constante la participación de las empresas chilenas con un stand en el área de mercado de cine de este festival, y desde hace nueve años a través de su marca sectorial CinemaChile.
Este trabajo en conjunto que además incluye eventos de networking en la sección Industria ha permitido que Chile pasara de contar con una delegación de cinco productores y tres realizadores seleccionados por el Festival en 2005, a una comitiva de 50 profesionales que participan hoy en día en las distintas secciones del certamen mexicano.
Tras cinco versiones, este 2018 el Festival Teatro Container llega nuevamente a ofrecer al público porteño una invitación a participar de su puesta en ciudad. La programación del festival, incluye 15 obras y procesos artísticos, además de diversas actividades que durante 10 días se desplegarán en 11 puntos de la ciudad de Valparaíso. En el Parque Italia se anclará la Villa Container -corazón del festival-, enlazando la programación con distintos cerros, calles, plazas y muelles.
Nicolás Eyzaguirre, director artístico del Festival Teatro Container, destacó que “en estos diez años el festival ha invitado a la ciudad a reflexionarse y pensarse a sí misma, siendo el contendor marítimo el principal escenario”. Además, agregó que “la programación de esta versión se construye a partir de la consolidación de sus tres líneas curatoriales: ciudad, comunidad e intimidad, que responden a una reflexión construida a lo largo del trabajo realizado durante todos estos años”.
La sexta versión del festival se inaugurará el próximo viernes 23 de marzo a las 21:30 horas y contará con la colaboración de los directores de la compañía francesa Generik Vapeur. Desde la Plaza Simón Bolívar (a un costado de la Plaza Victoria) comenzará el desplazamiento de un contenedor, tirado por la fuerza de un hombre, hasta Parque Italia, interpelando -en su recorrido- a la ciudad en relación al mar, los movimientos migratorios y la relación con el equilibrio ambiental. El vínculo de Valparaíso con el mar, es el asunto público que atiende de manera particular esta versión del festival, que se verá reflejado en todas las acciones del festival, que este año incluyen la creación de una obra por parte del artista Gonzalo Ilabaca, el Museo de la memoria y la amnesia del mar. A través de un activismo amoroso, intentará que la ciudad vuelva a estrechar la relación que tiene con el mar.
Además, la programación incluirá una retrospectiva de obras, a propósito de su edición aniversario, en donde participarán Háblame como la lluvia, estrenada el año 2007 por la compañía Teatro Contenedor; El Contagio de Marcos Guzmán y Francisca Márquez, creada para la versión inaugural del Festival el año 2008, y Sabe el mundo que me habla, de la compañía francesa KTHA estrenada el 2009 para la segunda edición del festival, y que por primera vez cuenta con un elenco chileno. También habrá una obra invitada, El Golpe, un relato de Memoria de la compañía La Maulina. Todas estas propuestas pertenecen a la línea de intimidad.
En esta versión, también participan tres proyectos teatrales seleccionados a través de una convocatoria local. El resultado de las residencias de experimentación escénica, que están realizando previo al inicio del festival, será compartido con el público. Estos son, Darle voz a un árbol del joven dramaturgo José Antonio Luer, Et sorores un trabajo biográfico de Soledad Torres y Manifiestos en el aire de Stefani Duarte, proceso creativo llevado a cabo en Laguna Verde.
En la línea que compete a comunidad, se presentarán trabajos realizados en procesos colaborativos con distintas localidades del país. Es el caso de la video instalación El lugar de mis cuerpos por Andrés Eyzaguirre, realizada con comunidades de Teodoro Schmidt en la Región de la Araucanía, en el marco de las Residencias Artísticas del programa Red Cultura del Ministerio de las Artes, las Culturas y el Patrimonio. El otro es, el Museo del Pueblo de Tralca Mahuida, proceso colectivo de investigación creación y difusión artística entre los habitantes de Talcamávida, Teatro Container y el colectivo Museo Temporal. También el Festival trabajará coordinadamente con otras instituciones como es el caso de la Universidad de Valparaíso, en donde se realizará un proceso de experimentación dentro de un container.
Esta edición contará además con la presencia internacional de la inglesa Ali Pretty, directora artística de Kinetika quien liderará un proceso colectivo, con distintas comunidades invitadas de Valparaíso y distintas localidades de Chile, para la creación de más de 50 banderas de seda pintada con la técnica India Batik.
Para participar de las actividades se requiere retirar previamente entradas desde la boletería en Villa Container. Habrán obras de acceso liberado y otras pagadas (línea intimidad) que tendrá un valor de $2.000. La información detallada de la programación la pueden encontrar en el sitio web www.teatrocontainer.cl
El festival es organizado por el Centro Cultural Teatro Container y cuenta con el patrocinio de la Ilustre Municipalidad de Valparaíso y es cofinanciado por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, a través de un Fondart Nacional, convocatoria 2018.
La música nacional está de duelo tras la muerte del maestro Irwin Hoffman, quien fuera el director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile entre 1995 y 1997.
El reconocido director murió en su hogar en Costa Rica a los 93 años de edad tras arrastrar problemas de salud, según informó el Centro de Extensión Artística y Cultura de la Universidad de Chile.
Bajo su dirección, la Sinfónica Nacional marcó un gran hito al convertirse en la primera orquesta chilena en actuar en Europa (1995), realizando una gira a España con éxito de crítica y de público
Hoffman, oriundo de Estados Unidos, es ampliamente recordado por su aporte a distintas Orquestas a lo largo de su carrera. Tras competar sus estudios como violinista en la Juilliard School of Music, posteriormente siguió expandiendo sus horizontes en el Berkshire Music Festival.
Además de estar en la Sinfónica Nacional, el director también fue el titular en las orquestas de Chicago y Florida en su país, para luego asumir cargos en Bélgica, Colombia y Costa Rica, donde falleció.
Los enfermos avanzados son los que mejor responden a la musicoterapia
Así se desprende de un estudio presentado por Alzheimer León esta semana
Pacientes con mutismo severo son capaces de cantar sus temas favoritos
La música y las emociones, lo último en desaparecer de las áreas cerebrales
‘Penélope‘, de Joan Manuel Serrat, es una de sus canciones favoritas. Reconoce la melodía con solo oír los primeros acordes pero, a pesar de poder cantar cada estrofa sin equivocarse, no recuerda dónde vive, en qué año nació o el nombre de su madre, y rostros que antes le eran familiares y cercanos, ahora le son extraños. Encarnación, de 79 años, padece alzhéimer desde hace tres y, como muchos otros presos de la demencia, es tratada con musicoterapia.
Son numerosas las investigaciones neurocientíficas que ponen de manifiesto la relación, que roza lo mágico, entre música y alzhéimer. Las melodías y las letras de las canciones ralentizan claramente la pérdida de memoria y mejoran el lenguaje.
El último estudio, presentado esta misma semana, ha sido realizado por la asociación Alzheimer León, y concluye que los enfermos en las fases más avanzadas son los que ofrecen una respuesta emocional más evidente y poderosa ante la música, con un efecto más que beneficioso para su estado de ánimo y bienestar.
«Desarrollamos una terapia de reminiscencia musical usando fotografías y otros elementos biográficos para traer al presente del enfermo a sus cantantes favoritos. En un grupo lo hicimos escuchando música y en el otro sin ella. A través de brazaletes asociados a electrodos, comprobamos la respuesta cerebral a los estímulos musicales, sorprendente y muy llamativa en los casos de alzhéimer avanzado», explica a RTVE.es la gerente del centro Alzheimer León, Flor de Juan.
‘Dos gardenias‘, de Antonio Machín, y ‘Mi carro‘ de Manolo Escobar fueron algunos de los temas elegidos por los familiares de medio centenar de enfermos leves, moderados y graves que participaron en el estudio como referentes de su recuerdo musical. Algunas de sus canciones de juventud.
El efecto en el cerebro es inmediato. Al oír la música, rápidamente despiertan del ensimismamiento que les invade en muchos casos, reaccionan, lloran, ríen, se concentran y fijan la mirada perdida. «Es como si volvieran a situarse en el mundo», señala De Juan.
Pacientes con mutismo severo, capaces de cantar canciones
Con la escucha musical se desarrollan respuestas automáticas positivas a dos niveles: el cognitivo y el emocional. Efectos que se producen incluso en personas con amnesia casi total, afasia severa (incapacidad para comunicarse) y sin movilidad.
«Pacientes que no hablan nada y que ya no atienden a estímulos pueden llegar a cantar una canción entera», afirma la responsable de Alzheimer León, para añadir que no es algo esporádico, sino común en pacientes con estadios avanzados.
Eso sí, la reacción solo se produce con canciones reconocidas por ellos, aquellas que forman parte de la banda sonora de su vida.
Coincide en el «poder absoluto» de la música en enfermos de demencia Magdalena Galindo, psicóloga clínica de un centro de día especializado en Badajoz, que recuerda el caso de Luisa, un paciente en fase severa y con alto mutismo, capaz de entonar ‘El clavel‘ de Rocío Jurado de principio a fin.
«Era impactante. Cuando dejaba de cantar, sencillamente dejaba de hablar», afirma, para destacar que la música refuerza su autoestima porque «sólo con ella son capaces de recordar etapas felices de su vida».
Les ayuda, además, a fijar la atención, a concentrarse, de tal forma que la música se usa también como fase previa para desarrollar otros tratamientos y actividades, tal y como cuenta a RTVE.es Kruz Rodríguez, terapeuta ocupacional de un centro de atención del alzhéimer en Madrid.
«Cuando el grupo está revolucionado o disperso pongo música e inmediatamente se calman, me atienden y centran la escucha. Su poder es total», asegura.
Rodríguez ha empleado en sus terapias temas clásicos que todos recuerdan cantados como nanas, para relajarles; pero también otro tipo de melodías que les estimulan, por ejemplo, para dibujar o realizar otras actividades cognitivas o físicas. Son muy útiles, dice, los anuncios publicitarios antiguos con músicas reconocibles: «Les transporta a su pasado».
Una de las primeras preguntas a los familiares y a los propios enfermos para hacer frente a su tratamiento individualizado es: ¿cuáles son sus canciones favoritas?
El amor y la música, lo último que queda en los enfermos
Cada enfermo con demencia es un mundo y las evoluciones son muy diversas derivadas de factores muy distintos y complejos, pero hay patrones comúnes. En relación a los sentidos, lo primero que pierden es el olfato y lo último, casi siempre, es el oído.
Aunque pueda parecer magia que alguien cante pero no hable, posee una potente base científica. Las últimas áreas que se eliminan en un cerebro devastado por la enfermedad son dos: las encargadas de la memoria musical y las que permiten sentir emociones.
La música queda registrada en áreas diferentes de las del resto de recuerdos y mientras que todas esas zonas van llenándose de oscuridad, que se traduce en el olvido y deterioro cognitivo, la zona de almacenamiento musical se mantiene vívida con el paso del tiempo.
Pepe Olmedo, psicólogo sanitario y músico, es promotor de la iniativa ‘Música para despertar‘, que ha formado a 40 centros y 600 profesionales de toda España en la aplicación de las melodías al bienestar de los enfermos.
No se han encontrado con un solo paciente que no reaccione, en mayor o menor medida, ante la música:
La mejora de los enfermos es tal que incluso, en algunas ocasiones, se reducen los tratamientos farmacológicos.
Su proyecto se centra especialmente en los que presentan trastornos de conducta más severos: agresividad, irritabilidad constante, agitación severa, trastornos del sueño, deambulación sin rumbo y paranoias. Los casos que más le han impactado son los de aquellos con estados «parecidos al coma» que «abren los ojos al oir sus canciones».
«En el momento final de su vida, una mujer acompasó su respiración con la música y se relajó. Murió con su canción», relata este psicólogo que, como todos los profesionales entrevistados, coincide en que «la música es tan efectiva como los besos o los abrazos».
Olmedo muestra con el siguiente vídeo el «despertar» de Concha, una paciente en un estado avanzado. Mientras la música va sonando trata de cantar, se emociona, ríe y pregunta.
La música, llave al pasado y esperanza de futuro
«La música permite acceder al pasado, es como una llave que abre esa puerta y que les deja recordar de alguna manera», señala Eva Muñoz, musicoterapeuta, psicóloga y terapeuta familiar de la Fundación Alzheimer España, que recomienda a los cuidadores y familiares emplear la música como herramienta, pero también alerta sobre un uso equivocado o excesivo.
«No se trata de ponerles música todo el rato y ya. A veces no es bueno sobreestimular. Hay que saber los momentos, estudiar a cada paciente, estar atentos a las reacciones porque les puede desbordar y llevarles a momentos traumáticos», explica, para añadir que «bien utilizada» no hay nada tan potente para comunicarse con enfermos graves.
Desarrolla terapias conjuntas con el paciente junto a sus parejas y familiares para, a través de la música, exprese sentimientos que, de otra manera, no es capaz. De esta forma, también se ayuda al cuidador.
La «receta musical» puede ser, por tanto, tan efectiva como la farmacológica, aunque no sustituible, deja claro esta musicoterapeuta.
Apunta a que por la vía de la música y su apartado en el cerebro, que queda «casi intacto» de demencia, se puedan abrir, y ya se está haciendo, vías de investigación para tratar de saber más sobre los por qués de la enfermedad y, sobre todo, las posibilidades de mejora y ralentización de su avance.
Todos los expertos coinciden en que el alzheimer avanza «siempre» de forma «feroz» y que «es imposible ponerle diques» pero la barrera musical es «fuerte» y sobre todo, muy «efectiva».
Ravel y su famoso ‘Bolero’: ¿Quién lo habrá compuesto?
Uno de los casos más reveladores sobre el binomio música y demencia viene de la mano de Maurice Ravel, uno de los compositores más influyentes del siglo XX. Sufrió la enfermedad del Pick (un tipo de demencia con múltiples similitudes al alzhéimer).
Con un estado ya avanzado, escuchó una pieza musical que le llamó la atención y exclamó: «¡Qué ingeniosa! Es como un gigantesto crescendo ¿Quién la habrá compuesto?». La ingeniosa pieza no era otra que su famoso ‘Bolero‘ de 1928.
Como otros tantos enfermos, se emocionó con la música, pero fue incapaz de recordar que cada nota había salido de su propia cabeza.
La primera versión de Matucana Jazz tendrá talleres, intervenciones y conciertos gratuitos de la Conchalí Big Band, Roberto Lecaros Cuarteto, Agustín Moya y Jonathan Gatica, entre otros.
Tres conciertos, talleres, intervenciones, una clase de baile, son algunas de las actividades que contempla la primera edición del Festival Matucana Jazz, que se iniciará este jueves 15 y se extenderá hasta el próximo sábado 24 en diversos espacios del barrio Yungay.
Este jueves, el cuarteto del violinista Roberto Lecaros se presentará en el centro comunitario Palacio Álamos (19:00), dando inicio a una serie de actividades que continuarán en los siguientes días.
“Siendo el jazz un lenguaje universal que se origina desde la multiculturalidad, las migraciones y grandes transformaciones sociales, teniendo como eje principal la libertad creativa individual y colectiva, la invitación es a extraviarnos en el territorio fecundo de la improvisación, para luego quizás, lograr reconocernos en la belleza de lo diverso”, explicó Danae Toselli, directora del sello Animales en la Vía,que organiza el evento con el apoyo del ministerio de las Culturas.
También habrá conciertos de la Conchalí Big Band, el bajista Matías Martinoli y los saxofonistas Agustín Moya y Jonathan Gatica, en el mismo Centro Comunitario Palacio Álamos y en el patio del Museo de la Educación Gabriela Mistral.
Todos los conciertos son con entrada gratuita, al igual que los talleres. Entre éstos, por ejemplo, habrá uno para formar una big band escolar y un taller de estimulación temprana dirigido a guaguas y niños (inscripciones en matucanajazz@gmail.com).
El Tour del Vinilo ya tiene un calendario establecido para lo que queda del 2018 con cuatro fechas en el norte y tres en el sur
Durante la tarde del domingo 18 de marzo se realizó en el centro cultural santa Inés el Tour del Vinilo, iniciativa que se realiza por segunda vez en La Serena y que tiene como objetivo reunir a todos los fanáticos de la música en una jornada que se destaca por el renacimiento de este formato de audio.
Álvaro Acuña productor general del Tour del Vinilo, conversó con diario El Día, explicando que la actividad parte desde un grupo de vendedores que organizaban ferias de música en vinilo en diferentes lugares del país, algo itinerante al inicio, pero que tuvo algún éxito en los diferentes puntos donde ser realizó puesto que para el público era difícil acceder a ese material si no estaban en Santiago.
“Yo me ahogué un poco en Santiago” comenta Álvaro “porque hay más de cien disquerías allá, entonces el mercado se satura un poco. Entonces puse una tienda en Antofagasta y me fue excelente” señala. En el norte las ventas aparecían solas porque no había espacios para vender música ni lugares dónde conseguir discos de vinilo.
“Y ahí pensé, y me dije que en las ferias en regiones nos había ido bastante bien, así que agarre todo lo que tenía y empecé el Tour del Vinilo” el cual partió en 2017 en el norte del país, pasando por las ciudades de Arica, Iquique, Antofagasta, Calama, Copiapó, La Serena y Viña del Mar, y por Concepción, Los Ángeles, Temuco, Valdivia, Villa Rica, Osorno y Puerto Montt en el sur.
“Nos fue tan bien que decidimos replicarlo y ya tenemos programado todo este año, con cuatro fechas en el norte y tres fechas en el sur” Álvaro atribuye el éxito del Tour a que en regiones no hay lugares donde se puedan adquirir estos productos y los que hay tienen poca variedad. “Yo que tengo harto stock y trato de cubrir todos los gustos desde el rock clásico, pop ochentero, jazz, metal…” Además, Álvaro agrega que otro factor importante en el desarrollo de las ventas el vinilo es la calidad del audio que se obtiene de él, ya que con el avance tecnológico, muchos de los atributos del vinilo no están presentes en el CD o el MP3.
Algo similar señala María Teresa Cáceres, asistente al evento “se nota mucho la diferencia, no hay comparación… Me gusta que se hagan estas cosas, es la primera vez que vengo y lo encuentro maravilloso, un poco caro, pero vale la pena cuando son discos tan antiguos, la próxima vez vendré con mi marido”
– El Municipal de Santiago, Ópera Nacional de Chile da inicio a su Temporada 2018
– El Concierto I, Dos caras del Modernismo, es el encargado de abrir el telón. Con la dirección de Konstantin Chudovsky, la Orquesta Filarmónica de Santiago interpretará un programa que incluye obras de Ravel y Rachmaninov, con la participación del Artista Residente, Alfredo Perl.
– Gracias a una nueva alianza estratégica con AES Gener, el Municipal de Santiago presenta la Temporada de Espectáculos Extraordinarios, que inicia con la presentación de dos grandes de la música clásica: la Orquesta Filarmónica de Viena –dirigida por el aclamado maestro venezolano, Gustavo Dudamel– y al eximio violinista Maxim Vengerov
– También en marzo se inaugura el ciclo Armonías Barrocas, a cargo del Cuarteto Helios.
– Finalmente, el Ballet de Santiago abre su temporada con la maravillosa coreografía de Jaime Pinto, que también se presentará en versión adaptada para los más jóvenes en el ciclo del Pequeño Municipal.Este mes, el Municipal de Santiago, Ópera Nacional de Chile inicia su Temporada 2018. Múltiples actividades dan inicio al quehacer artístico de una de las instituciones más antiguas e importantes del país: un extenso proyecto cultural y una nueva alianza estratégica con AES Gener, que este año auspicia la Temporada de Espectáculos Extraordinarios.
El martes 6 y miércoles 7 de marzo, comienza la Temporada de Conciertos. Dos caras del modernismo será dirigido por Kontantin Chudovsky, en un programa que incluye a dos compositores que enfrentaron la transición del siglo XX en forma muy distinta: Rachmaninov y Ravel. Al piano, el destacado músico chileno, Alfredo Perl, Artista Residente del Municipal de Santiago.
Una de las mejores orquestas del mundo, con 175 años de historia, abre el 8 de marzo el ciclo de Espectáculos Extraordinarios. La Orquesta Filarmónica de Viena, bajo la conducción del destacado director musical, Gustavo Dudamel –Director Titular de la Orquesta Filarmónica de los Ángeles– se presenta en un único concierto, considerado uno de los eventos musicales más importantes del año. La agrupación es especialmente conocida por su Concierto de Año Nuevo, que cada 1 enero es visto por más de cincuenta millones de telespectadores alrededor del mundo.
Alfredo Perl, artista residente del Municipal de Santiago, inicia el Ciclo de Grandes Pianistas el 9de marzo. Su programa será dedicado a las obras de Brahms, Schönberg, Schubert y Mozart.
Aclamado por su estilo magistral y su prodigioso dominio del violín, Maxim Vengerov es un artista carismático y expresivo, que debuta en el Municipal de Santiago el 10 de marzo, en el marco de los Espectáculos Extraordinarios. Vengerov. Es además un avezado director musical y dirigirá a la Orquesta Filarmónica de Santiago en el segundo concierto de la Temporada (13 y 14 de marzo).
En marzo la danza también se hace presente: El Ballet de Santiago, inicia su temporada con Don Quijote, de Jaime Pinto y con música de Ludwig Minkus. Basado en el ballet de Marius Petipa, esta versión ha sido con justicia aclamada por su belleza e innegable humor, además de su inolvidable escenografía y vestuario, diseñados por Germán Droghetti.
Valentín Fernández murió luego de que el bus que trasladaba a la agrupación sufriera un accidente automovilístico.
Reacciones de dolor y pesar ha generado en el ámbito de la música nacional y entre los famosos, el accidente automovilístico que sufrió la banda Los Ramblers que dejó a tres integrantes gravemente heridos y a su vocalista, Valentín Fernández, fallecido.
Fue a través de Twitter donde distintas figuras les enviaron algunas palabras de aliento a la histórica banda de Nueva Ola.
Lee la noticia completa aquí: http://www.ahoranoticias.cl/noticias/nacional/217174-guitarrista-de-los-ramblers-relato-el-accidente-donde-murio-el-vocalista-de-la-banda.html
La música ha formado parte de la riqueza cultural de Afganistán durante siglos, pero con la guerra civil y la llegada de los talibanes al poder, fue proscrita
La música desafía las creencias más conservadoras y las amenazas de los talibanes en el Instituto Nacional de Música de Afganistán (ANIM) un oasis que ha cambiado las vidas de niños y niñas necesitados, y que está permitiendo recuperar la tradicional música afgana tras décadas de ahogo.
Naria era muy pequeña cuando se enamoró de la música. Su abuelo Wanj, un arpista tradicional, le abrió la puerta y encendió la chispa de su pasión musical. En 2011 sus padres decidieron sacarla de su pequeño pueblo de la oriental provincia de Nuristan y mandarla a Kabul para que ingresara en el ANIM, un instituto único en su clase en la historia de Afganistán.
Su admisión en el ANIM no solo no fue motivo de orgullo en su pueblo sino que desató el rechazo de muchas personas que consideran la música como un pecado. «Los aldeanos nos dijeron que aprender música era un pecado prohibido por la religión y me pidieron que lo dejara», dijo a Efe Nazira, hoy con 18 años y que desde entonces no ha vuelto a una aldea en la que solo se escucha y se toca música en la oscuridad de la noche, fuera del alcance de los extremistas.
Las amenazas de los fundamentalistas lograron que su familia se mudara finalmente a Kabul al año siguiente, pero lo que no pudieron fue impedir que la joven creciera como una talentosa chelista. Nazira fue seleccionada como primera chelo de la Orquesta Zohra del instituto, establecida en 2016 y la primera en la historia del país integrada únicamente por mujeres.
Hasta ahora, la joven ha actuado en 30 países incluidos los escenarios de lugares tan importantes como el Carnegie Hall de Nueva York y el Kennedy Center en Washington. Ella y sus compañeras no son las primeras en sus familias en aprender y tocar un instrumento, pero sí las primeras en 30 años.
La música ha formado parte de la riqueza cultural de Afganistán durante siglos y en los años 80 docenas de orquestas poblaban el país, pero con la guerra civil en los 90 y la llegada de los talibanes al poder en 1996, fue proscrita. Los extremistas talibanes fueron particularmente duros durante su gobierno de cinco años del país, castigando a quienes escucharan música e incluso rompiendo las manos de los músicos cuando eran cogidos tocando.
«Nadie tenía el derecho a tocar, escuchar o aprender música con los talibanes», declaró a Efe Ahmad Sarmast, hoy director del ANIM y uno de los primeros en regresar al país cuando se produjo la caída de los integristas en 2001 con la invasión de Estados Unidos.
Aunque la mentalidad de los talibanes es fuerte en las partes más conservadoras de la sociedad, la música ha traído cambios positivos a la sociedad y ahora más familias permiten a sus hijas aprender música incluso en provincias apartadas y poco desarrolladas. «Esto es un cambio para bien», indicó Sarmast.
El instituto ha pasado de tener apenas una niña en 2010 a 75 en 2017 de un total de 250 alumnos, la mitad de ellos niños de la calle, hijos de familias pobres y huérfanos que antes de enrolarse en el ANIM tenían una «dura vida». Su trabajo fue reconocido con el premio de Música Polar, considerado el Nobel de la música, junto a la banda estadounidense Metallica.
«Intentamos cambiar sus vidas con la música», indicó Sarmast, al señalar que estudiantes talentosos como Nazira seguirán la tarea como profesores. Pero los talibanes no le perdonan esa afrenta.
En 2014 este grupo insurgente atacó una espectáculo teatral en el que los jóvenes de la orquesta ponían la música de una obra en el que representaban un ataque suicida en Kabul. Una explosión hizo que 14 de los presentes murieran y el propio Sarmast resultó seriamente herido. «La explosión hizo que la pieza se volviera una obra de verdad», dijo. Pero pese al ataque ni una sola familia retiró a sus hijos del instituto. «Esa fue su respuesta al extremismo», dijo Sarmast.
Este mes, el Municipal de Santiago, Ópera Nacional de Chile inicia su Temporada 2018. Múltiples actividades dan inicio al quehacer artístico de una de las instituciones más antiguas e importantes del país: un extenso proyecto cultural y una nueva alianza estratégica con AES Gener, que este año auspicia la Temporada de Espectáculos Extraordinarios.
