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¿Desde que nivel de profundidad estoy hablando?

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Los Niveles de Desarrollo indican el grado de profundidad con el que nos relacionamos con todo lo que nos rodea: situaciones, personas y cosas. Son etapas que muestran el avance en la cantidad de perspectivas que somos capaces de ver simultánemente.

Por ejemplo cuando somos niños, alrededor de los 4 años, estamos en el Nivel egocéntrico en que pensamos principalmente solo en nosotros y nadie más. Ya a los siete años pasamos a otro Nivel, etnocéntrico, donde somos capaces de agregar otra perspectiva, podemos ponernos en el lugar de los otros. Cada Nivel de Desarrollo representa una mayor cantidad de perspectivas, una ampliación de nuestra conciencia y por lo tanto una mayor profundidad. Son estructuras que indican estas transformaciones y el nivel de crecimiento alcanzado. Los Niveles están basados en diversas investigaciones científicas, una de ellas es la teoría “Dinámica Espiral” creada por el Dr. Clare Graves. Todas estas investigaciones muestran esencialmente las mismas 6 u 8 principales etapas básicas de desarrollo. El Dr. Graves utiliza colores para identificar cada Nivel, nosotros usaremos colores y nombres.

En un libro de reciente edición, “La Nueva Élite: la transición evolutiva de la sociedad chilena” (escrito por Diego Fernández y Pablo Reyes) se muestran ejemplos de los Niveles de Desarrollo que tienen más representación en la política nacional. Los autores pudieron identificar a qué Nivel corresponden los discursos e ideas fuerza de los principales actores políticos chilenos.

Este ejercicio nos entrega un sencillo ejemplo de cómo operan los Niveles en nosotros.

¿Todos somos de un color/nivel promedio?

Sí. Podemos identificar nuestro color o Nivel promedio a través del Psicógrafo Integral que mostramos en el Cuaderno de Viaje, página 68. El Psicógrafo Integral es una herramienta útil para ver la relación entre Niveles de Desarrollo y Líneas de Inteligencia. Refleja nuestras fortalezas y debilidades y nos aporta la conciencia necesaria para avanzar en nuestro desarrollo. Si los Niveles de Desarrollo son las etapas para comprender la evolución del desarrollo humano individual y social, las Líneas de Inteligencia son las herramientas para realizar diferentes tareas. Son las distintas maneras de ser inteligente en nuestra interacción con el mundo: no existe solo una inteligencia, hay varias.

Las diferentes Líneas de Inteligencia están presentes en todos nosotros y se desarrollan a través del mismo número de Niveles que hemos visto.

 

Andy Baeza y su conexión con David Bowie

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Por dónde partir: ¿por los músicos con los que Andy Baeza compartió en NY como un amigo más hace más de una década, y que admiraba de mucho antes, o porque estos mismos músicos fueron en 2016 la banda que Bowie eligió –después de escucharlos en un bar escondido de Manhattan– para acompañarlo en su último disco cuasi póstumo, Black Star?

La historia es así: en noviembre de 2002 Andy Baeza junto a Daniel Navarrete [también profesor Projazz] y músicos invitados graban el disco “Juego de Niños”. En la guitarra, un invitado de lujo: el jazzista estadounidense Ben Monder.

“Conocí a Monder antes que se cayeran las Torres Gemelas en Nueva York. Lo invité a Chile a tocar el disco y digo sí al tiro”, recuerda Andy. “Para mí haberlo invitado a Chile a grabar era un sueño. Por eso le puse “Juego de Niños” al disco, porque era como invitar a Maradona a jugar una pichanga”. Monder resultó ser un fanático del estudio, se encerraba a practicar por horas. Andy admiraba su dedicación. Y además su generoso aporte creativo: “En ese disco hay dos temas que son míos, Monder los pescó y los hizo pebre. De una manera muy simple. Tengo miles de historias y anécdotas con Monder, da para otra entrevista”.

15 años después David Bowie, inmortal, lanza su disco Black Star. Y en la guitarra un invitado de lujo: el mismo Ben Monder. Junto a otros músicos con los que Andy Baeza compartió muy de cerca en sus periplos de perfeccionamiento en NY: Jason Lindner (piano), Mark Guiliana (batería), Tim Lefebvre (bajo) y Donny McCaslin (saxo).

“Cuando escuché Black Star, sin saber que era Monder en la guitarra lo identifiqué por su sonido. Es que es súper particular. Al día siguiente muere Bowie. Quedé en shock. Ahí me acordé de este disco que hicimos con Monder hace 15 años y me dije que no es una mala historia que esto se sepa en Projazz. Simplemente decir “este guitarrista estuvo en Chile”, y es un guitarrista que no solo es conocido en el medio del jazz sino en toda la vanguardia a nivel mundial. Y fue el guitarrista de Bowie. Para mí es inspirador”.

Todo empieza y termina en el bar 55

“El batero de Bowie, Mark Guiliana, hizo un taller de Jim Black conmigo, entre 1999 0 2001. Lo había ido a ver varias veces al Bar 55. En esa misma época conocí a Tim Lefebvre [el bajista que tocó en el disco de Bowie], a quien escucho hace años porque tocaba en el trío de Wayne Krantz. Una vez Tim me llevó de un club al metro, muy buena onda. Jason Lindner, otro integrante de la banda, fue el pianista de Claudia Acuña, vino a Chile muchas veces, a Lindner lo vi carretear en el club que tenía Moncho [Romero] en Bellavista, el Miles. Y finalmente mi amigo Ben Monder, que está también en mi disco. Toda esta súper banda era liderada por el saxofonista Donny McCaslin. “Hace 2 años atrás Bowie le comisionó un tema a la big band de Maria Schneider. María es una compositora y arregladora posmoderna, creo que pianista también, que tiene una de las big bands más conocidas de NY. Ben Monder toca en su big band. El tema que hicieron para Bowie sale en su disco, se llama Sue (in the scene of crime). Vi el tema en YouTube y lo encontré exquisito. María Schneider hizo el arreglo para big band, 9 minutos, dramático, toda una onda policial. Con un video muy en la estética Sin City».

«Todos pensaban que hasta ahí llegaba conexión jazz-Bowie. Pero después Bowie contactó a Maria Schneider, le dijo que quería hacer su disco en esa onda. Y María le dijo “anda a ver al cuarteto de Donny McCaslin al Bar 55”. Y Bowie fue. Ese bar es diminuto. El Thelonious tiene más glamour que el Bar 55. Bowie se sentó solo, pidió algo para tomar. Los músicos cacharon que estaba él. En el primer set no saludó a nadie, pero no de divo, él solo quería ir a ver música. Los músicos estaban muertos de susto. Bowie se fue en el segundo set. Dos semanas después él llama a Donny McCaslin. Y Donnie llama al grupo con el que ha trabajado siempre: Lindner, Guiliana, Lefebvre más Monder como guitarrista invitado. Todo esto visado por Tony Visconti, que es el productor de Bowie».

«Antes de Bowie este grupo era bien under, low profile y ahora McCaslin y Jason Lindner salen en la portada de Downbeat. Ese tipo de cosas responden a esta conexión que hizo Bowie. ¡Es Bowie, poh! tocando con músicos reales de NY que hacen vanguardia desde siempre. Y cuando digo “músicos reales” cito a Prince que en sus conciertos decía al público “esto es música real, estos son músicos reales” y lo recalcaba a cada rato»

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¿Dices “reales” porque son jazzistas, porque no hay Autotune?

«Yo creo que en este contexto de grandes músicos R&B, onda Rihanna por darte un nombre, venden más bien una ilusión en escena, una cuestión plástica en donde no se toca en vivo. A eso se refería Prince que lo que sonaba en sus conciertos sí tenía correlato con los músicos que estaban en escena. En todo caso a mí me gustan ambas corrientes. Yo lo paso increíble con un Dj y también con un trío de jazz, no tengo problema. Lo que me gusta del disco es que Bowie estaba más preocupado de la música. A mí Black Star me gustó por completo. Creo que es una obra de arte total”.

2016: Black Star en estudio

“Después que escuché el disco le escribí un mail a Monder, aunque era obvio que con la muerte de Bowie a todos estos músicos le iban a subir los bonos. Ahí supe que ellos no tenían idea que Bowie estaba enfermo. Y hasta puede que él mismo no tuviera real claridad porque leí que quería hacer un segundo disco en esta onda. Y que hay maquetas».

«Estos músicos –Monder, Lindner, Guiliana, Lefebvre, McCaslin – contaban que cuando estaban ensayando Bowie dejaba sus voces grabadas. Ellos pensaban que esa era la voz que iba a quedar porque sonaba filete. Terminan de grabar las bases, Bowie estaba muy contento. Luego dice “vamos a grabar las voces de nuevo”. Bowie, en su rigor musical, decía que las voces estaban mal, que aún no lograban lo que él quería. Esto de la emocionalidad en las producciones musicales no es una cosa de la que se hable mucho. Y eso es lo que caracteriza a Black Star, que tiene una carga emocional potentísima, en voz e instrumentos».

Educa e inspira lo mejor que puedas

“En educación, ¿qué cosa importante puedes entregarle a los alumnos? Lo que puedes hacer es inspirarlos. Me doy cuenta ahora de adulto de las actitudes de quienes fueron, a su vez, mis profes».

«Gente que vivió enseñando con mucho dolor y frustración por el contexto político y social de una época que no viene al caso desglosar acá. La actitud y la visión para hacer clases era la de un Chile de los años 70 y no podías esperar mucho más porque ese era el nivel de conciencia en ese entonces. Ahora lo puedo interpretar así. No podías ser más creativo o más loco porque los profes encontraban que estabas mal».

«Ahora de grande, ahora que yo estoy en el lugar del profe veo que tengo en mis manos la oportunidad de entregar cosas distintas, que en esta vida los alumnos traten de hacer lo mejor que puedan, que hagan su mejor esfuerzo, que se preocupen por hacer lo que les gusta».

En Projazz me gusta esto que está pasando con nuestras reuniones que a veces son hiper voladas, el Cuaderno de Viaje, son cosas que encuentro bacanes, contemporáneas, no las encuentro pretenciosas, sino que súper acotadas. Me quedan cómodas. Esos son cambios de paradigma. Si no, la educación pierde el sentido.

 

 

Profesor Victor Saavedra Guajardo: 40 años de carrera ¡y mejor que nunca!

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El profesor Víctor Saavedra es toda una institución en Projazz. Un docente querido por sus alumnos y respetado por sus pares, es reconocido por su rigor académico y por cultivar un perfil inspirado en la tradicional idea de un profesor de carrera: alguien que prepara clase a clase, atiende todas las consultas y además es capaz de enseñar con paciencia y cariño. En definitiva, una de aquellas personas en las que todo alumno y colega quiere confiar.

También la Universidad Católica ha confiado en él por más de 40 años al premiar su trayectoria en agosto pasado con un acto en el Salón de Honor de la Casa Central, encabezado por el rector Ignacio Sánchez y distintas autoridades de la Universidad.

¿Recuerdas cómo fue la primera clase que diste?

Mi respuesta puede resultar curiosa. Siento que tengo distintas “primeras clases” en mi vida. La primera clase la realicé cuando yo tenía unos 14 ó 15 años, en un centro obrero llamado OSCUS al cual asistía acompañando a mi madre quien era profesora de un taller de manualidades. En esa ocasión reemplacé al profesor de guitarra que había muerto repentinamente y de un momento a otro me encontré haciendo clases a abuelitos que me trataron con gran cariño y gratitud.

Otra de las que considero una de mis primeras clases fue a principios de los años 70 cuando yo era estudiante de Pedagogía en Música en la UC y trabajé en un colegio muy pobre en la población Nuevo Amanecer. Tuve que dejar este trabajo porque el barrio era un real peligro para mi integridad física, los asaltos eran pan de cada día.

A nivel universitario mi primera clase la realicé en 1976 en la Pontificia Universidad Católica de Chile, en –Io que en esos tiempos era– el Departamento de Música de la UC. Ahí trabajé con niños pequeños que recién descubrían el mundo de la música.

Dentro de las que considero también como “primeras clases” fueron las que realicé en Projazz, más o menos por el año 2000, cuando se creó el Diplomado Profesional. Esto fue todo un desafío para mí ya que por primera vez hacía clases a jóvenes que se dedicaban a la música popular: recuerdo que a pesar de tener varios años de experiencia igual estaba nervioso, ya que para mí era un mundo nuevo que siempre había mirado con gran respeto y admiración.

¿Cómo llegaste a Projazz?

Como dato al pasar, llegué a Projazz el mismo año que nuestro querido Pepe (entonces del kiosko, ahora en eventos). Ex alumnos de la UC, que trabajaban en Projazz, me pusieron en contacto con George Abufhele quien me terminó entusiasmando para colaborar en su proyecto del Diplomado Profesional. Y así seguimos hasta hoy.

Una parte interesante de tu carrera es que te has especializado en coros

Específicamente como director de coro. Mi primera experiencia al respecto fue en 1975 –incluso antes de hacer mi primera clase como profesor universitario– dirigiendo el Coro de la Escuela de Ingeniería de la Universidad de Chile. Después dirigí el Coro Lex de la Escuela de Derecho de la U. de Chile, el coro de la Agrupación Beethoven, el Coro del Ministerio de Obras Públicas y el Coro de la Contraloría General de la República.

También dediqué 20 años a formar directores de coros en el Teatro Municipal de Santiago, allí trabajé con profesores de música que deseaban perfeccionar sus conocimientos. La actividad coral también me permitió realizar clases en una organización internacional llamada INTEM, la cual me envió a hacer clases en distintos países de Latinoamérica.

¿Qué se siente seguir forjando generaciones de músicos jóvenes, con una metodología que aún es súper vigente y que los propios alumnos valoran mucho?

A mis colegas y alumnos siempre les comento que cada vez que asisto a algún concierto de las diferentes orquestas del país me deprimo al ver en ellas a tantos ex alumnos que me recuerdan mi edad; digo todo esto en broma, ya que realmente siempre me he sentido orgulloso de haber aportado con un granito de arena a su formación.

Lo más gratificante a lo largo de mi profesión ha sido sentir el reconocimiento y cariño que me manifiestan todos mis alumnos, tanto de la UC como de Projazz. Tengo la satisfacción de haber sido profesor de muchos maestros actuales de ambas instituciones.

Sin querer presumir, quisiera transmitirles a mis alumnos y colegas, con mucho respeto, que en lapedagogía la única manera de lograr resultados es entregarse con amor y dedicación a lo que uno hace sin pretender ser mejor que otros, sino superándose a sí mismo. La vocación de enseñar requiere de mucho trabajo diario y no dejarse vencer por los diversos obstáculos que siempre parecerán. Nunca debemos olvidar que un profesor está siempre trabajando enfocado en formar mejores personas, más allá de los contenidos de nuestras materias.

Por último quisiera darle gracias a mis alumnos, de los cuales siempre he aprendido mucho. Quizás a algunos pueda resultarle cursi y añejo lo que digo, pero es lo  que realmente siento y he aprendido a través de mi experiencia.

¿En qué proyectos estás actualmente?

En lo profesional, dedicado a mis clases en la UC y el Instituto Projazz, planificando a diario para realizar buenas clases. En lo personal le dedico todo el tiempo que puedo a mi vida espiritual: desde hace 23 años practico Tai-chi y ahora estoy aprendiendo una antigua escuela que desconocía, con la maestra Trinidad Fariña. También desde hace 19 años practico Reiki y pretendo realizar pronto la maestría. En estos momentos estoy incursionando en el estudio del Chi Kung y la Gimnasia Lian Gong, todo esto para procurar tener una mejor calidad de vida en esta sociedad.

 

Projazz obtiene la Autonomía

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¿Qué significa la Autonomía?

Principalmente significa que Projazz es capaz de autorregularse, y que si bien hay ciertos procesos que hay que afianzar y mejorar continuamente, somos una institución consolidada, con procedimientos claros y regulaciones que permiten una organización y entrega de un servicio de calidad dentro de la educación superior.

¿Donde puedo obtener más información?

Si quieres más información sobre qué significa este logro y cómo podría influir en la mejora de tu proceso educacional puedes dirigirte a DAE (Departamento de Asuntos Estudiantiles) al mail: asuntosestudiantiles@projazz.cl

¿Es lo mismo que estar acreditados?

No. Con la reciente obtención del la Autonomía, Projazz seguirá fortaleciendo su proyecto educativo y preparándose para cumplir con las exigencias y condiciones que se relacionan con el proceso que viene, la Acreditación Institucional, un objetivo que procuraremos cumplir dentro de los próximos años.

 

The League of crafty guitarrists en Projazz

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Esta es, al menos, la tercera visita en Projazz de The League of Crafty Guitarist (Liga de guitarristas-artesanos), también conocidos como LCG o “Guitar Craft”, que es en realidad el nombre del método que enseñan. Detrás de esta marca se devela una sorprendente y elegante manera de enfrentar la música desde un enfoque bastante integral, poco usual en el medio artístico actual.

Esta genial idea viene del guitarrista y compositor inglés Robert Fripp (1946), fundador de la banda King Crimson. Gracias a la tercera disolución en la historia de esta banda, en 1985, Fripp se dedicó a “permitir que el futuro se presentara por si mismo”. Y el futuro se presentó en la manera de los seminarios de Guitar Craft.

Guitar Craft visto a través de los 4 cuadrantes

¿Qué es la técnica Alexander? (aplicada por los músicos de The League of Crafty Guitarists)

No es un programa de ejercicios, como los que puedes aprender en una clase de yoga, pilates, o en el gimnasio. La técnica Alexander te enseña a tomar conciencia de cómo te mueves y a elegir en cada momento cómo quieres moverte, de manera que no se conviertan en movimientos automáticos.

Una frase clave es: “Acepta tus hábitos”. Para cambiar cualquier hábito (no sólo hábitos como los de apretar el cuello o encoger la espalda al tocar guitarra, sino todo tipo de hábitos), es importante que seas amable y paciente contigo mismo, que reconozcas el valor de hacerte consciente de ellos. Confía en que si sigues observándolos llegará el día en que te descubras justo en el momento en que puedas corregirlos.

Brandford Marsalis en Projazz

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Branford Marsalis (1960) es el hijo mayor de una familia que ha sabido imponer a fuego su nombre en las artes a nivel mundial: tres hermanos son músicos de jazz (Wynton, ¿requiere más presentación?), su hermana Ellis es poetisa y fotógrafa y el patriarca, Ellis Marsalis Jr., un reconocido pianista.

Branford llegó a Chile para presentarse en el Festival de Jazz de San Bernardo, y solo horas después de aterrizar su manager confirmó que la estrella nos visitaría en Projazz, para dar una master class exclusiva a toda nuestra comunidad de estudiantes y profesores.

Branford tuvo la delicadeza de responder cada una de las preguntas, por simples que parecieran, con una sorprendente lucidez y humildad. Tocó su saxo soprano con la misma intensidad con que la que lo habría hecho en un teatro o frente a miles de personas. Se extendió mucho más allá de lo esperado y aceptó feliz sacarse fotos con todos.

Lecciones de aprendizaje 1: Cuidado con Art Blakeu: Grow some balls!

En 1980, cuando Branford tenía 20 años y todavía estudiaba en la Berklee College of Music, se unió a la banda del legendario baterista Art Blakey, de 61 años en ese momento, para su tour por Europa. Algunas lecciones que Marsalis aprendió del período con Art Blakey:

Cuando Branford acercó el micrófono a la boca del saxofón Blakey de inmediato le llamó la atención, diciéndole que para conseguir el sonido más potente debía aprender a tocar lo más lejos posible del micrófono.

Durante una presentación en vivo, Blakey tocaba cada vez más fuerte la batería. A su vez, Marsalis iba tocando más fuerte y así iban subiendo sus volúmenes. En la refriega Blakey le gritaba desde atrás: “¡¡¡No te escucho!!!, ¡¡¡Hazte hombre!!!” (¡¡¡grow some balls!!!). Ese día Branford se bajó del escenario humillado, pero esa lección, de quien aún reconoce como su gran maestro, lo impulsó a conseguir el sonido que muestra hoy.

Cuando Blakey se dio cuenta que Marsalis no tenía muchas referencias de los grandes músicos de jazz, en su muy particular estilo le sentenció: “Si no escuchas a los grandes maestros sólo tocarás  «like a shit”.

Lecciones de aprendizaje 2: La historia parece cuento chino, pero es cierta

Siguiendo la sugerencia del maestro Blakey, Marsalis se lanzó a la búsqueda de un sonido propio a través de la investigación.

El camino de Marsalis fue más o menos así (en una época sin internet, ni mp3, ni menos registros en CD):

Comenzó a imitar el estilo de John Coltrane (1926- 1967). Cuando Art lo escuchó le dijo algo como “¿Qué estás haciendo? ¿Crees que Coltrane en sus comienzos escuchaba una versión futura de sí mismo? ¡Lo que tienes que hacer es escuchar a los maestros que escuchaba Coltrane!”. Corto.

Luego de investigar sobre los referentes de Coltrane, descubrió que debía centrarse en grabaciones donde tocara Benny Golson (1929). Nuevamente le advierte Blakey: “¿Y sabes cómo construyó Golson su sonido?”. Otro desafío.

Marsalis se empeñó en buscar algún registro de Johnny Hodges (1907-1970), a su vez mentor de Golson. Hodges fue saxofonista de la banda de Duke Ellington desde fines de los años 20. No había registro en tiendas de discos. Finalmente encontró una grabación pirata del año 1942 (Duke Ellington + banda tocando en una estación de radio de North Dakota). Se impresionó tanto con lo que escuchó en Johnny Hodges que no pudo dejar de oír ese disco por los próximos cuatro meses. Marsalis sacó todos los solos.

Como aún le quedada mucha energía y paciencia, Branford consultó con su padre, Ellis Marsalis (1934), pianista y profesor de música en New Orleans, cómo podría avanzar más en sus investigaciones musicales: este le aclaró que tanto Golson como Hodges (los músicos que Branford venía estudiando) lo más probable es que hubieran escuchado al clarinetista y saxofonista Sidney Bechet (1897-1957). Y entonces su padre le reveló algo más: que si quería de verdad tocar Bebop, tendría que primero escuchar y dominar el Swing.

Y así el Bebop se le reveló a Branford como nunca antes.

Un difícil comienzo en un medio competitivo

Branford contó que cuando llegó a Nueva York en los años 80, había pocos lugares para tocar y, en contraste, una enorme cantidad de músicos ansiosos: tanto así que había que hacer cola para llegar al escenario de un club de jazz y, una vez ahí, cada músico solo lograba tocar un par de temas. Ante esa realidad, Marsalis decidió instalarse en la 6ta Avenida con un grupo de amigos a tocar en la calle a cambio de las monedas que les dejaban en un sombrero. Lograron convocar una audiencia fiel que llegaba a escucharlos y les retribuía, hasta que la dueña de uno de los locales que
quedaba cerca los invitó a tocar formalmente dentro de su club.

Cuando preguntaron el monto del pago, la señora les dijo que en un comienzo –y para probar– tendrían que tocar gratis, ante lo cual accedieron. A las pocas semanas, y ante el evidente aumento de la concurrencia para escucharlos en el club, la dueña les propuso un pago de 25 dólares por show. ¿Por músico? Le preguntaron entusiasmados (era buena plata); “No, por la banda”.

La banda no se desanimó: se alegraron pensando que habían creado algo desde la nada y ahora solo les quedaba un objetivo por delante: ser mejores. Desde ese momento Branford Marsalis, en sus propias palabras afirma: “¡no deja de sorprendeme y de agradecer el hecho de que me sigan llamando para tocar!”.

 

 

Consejo Nacional de Educación certificó la autonomía del Instituto Profesional Projazz

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En la sesión de este miércoles 19 de noviembre de 2015, el Consejo Nacional de Educación entregó a las autoridades del Instituto Profesional Projazz el Acuerdo N°065/2015, que certifica su autonomía. A la reunión asistieron George Abufhele, Rector de Projazz; Ana María Meza, académica y miembro del Directorio; Patricio Muñoz, Secretario General y Miguel Ángel Pérez, Director de Carrera.

En dicho acuerdo, adoptado el 28 de octubre de 2015, el CNED hace presente a Projazz y a la comunidad, que la plena autonomía institucional a la que accede, representa un derecho pero a la vez significa una obligación de hacer uso adecuado y responsable de ella, y un compromiso para la superación de las limitaciones detectadas en el desarrollo del proyecto institucional.

El Instituto Profesional Projazz inició sus actividades académicas en el año 2007; actualmente imparte tres carreras, todas ellas en jornada diurna: Intérprete en Jazz y Música Popular; Composición Musical, e Intérprete en Teatro Musical, y cuenta con una matrícula total de 403 estudiantes al año 2015.

 

*Extraído del sitio web del Consejo Nacional de Educación

Alumnos presentan producciones propias

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Martín Berríos: Casa Salvaje

¿Cómo comenzó todo?

2013. Nuestra banda empieza informalmente el año 2013, tocamos por primera vez junto a Cristóbal Rojas en bajo y Maximiliano Munizaga en guitarra eléctrica. Durante ese año y el 2014 nos juntábamos a ensayar solo cuando salía alguna tocata, luego se sumó Juan Ignacio Ramos en guitarra eléctrica y Max pasó a teclados.

2014. Hasta el 2014 cada tocata que hacía tenía una formación distinta. Pero este año, con trabajo más serio y lo que significa pulir el sonido de una banda estable, me di cuenta de que esta formación da para harto rato.

2015. El 2015 decidí que no podía seguir estirando el chicle con Casa Salvaje (disco que empecé a producir el 2012) y armé la banda que somos hoy. Invitamos a Tomás Castro a participar en batería y así nos consolidamos.

Casa Salvaje

Queremos aprovechar este disco nuevo y sacarle el jugo en vivo. Han pasado varios años desde que los temas se gestaron e incluso se terminaron de producir.

¿Cuántos discos tiene Martín Berríos? 

Hasta ahora tengo 2 EP’s publicados, uno es “Pneuma” (2011) que es mi primer ejercicio como solista: es bien raro… canciones en inglés de cuando recién rayaba con Radiohead y letras de los problemas existenciales que tenía
en la pubertad. Ahora me da risa, pero también reconozco un trabajo bien hecho en cuanto a producción, si no, no lo mencionaría, jaja. Este fue mi primer trabajo con Martraz Records, producido por Álvaro Jiménez al igual que Casa Salvaje.

El 2012 auto produje el “Viajero Universal” bajo un sello ficticio que inventé: “Sello Jirafante”. Pese al sonido Lo-Fi y bajo perfil que tuvo, este es el disco al que le tengo más cariño.

La idea fue un trabajo en conjunto con mi gran amigo y colega Mairon Saavedra, yo puse la música y él hizo todo el arte visual del disco, con una caja hecha a mano y fotos análogas notables. Este trabajo se hizo en el momento preciso de nuestras vidas y nunca dejamos de recordar al “Viajero” con el cariño que este nos generó a ambos y a los cercanos que de una manera u otra también formaron parte de sus canciones.

Anisas: Viral

¿Cómo comenzó todo?

2014.  Al subir una maqueta en Facebook de uno de los “juegos musicales” entre Maritxu y Valery.

Valery: Ese año Maritxu y yo decidimos crear este proyecto, a raíz de varios meses de juego musical, haciendo canciones solo por el interés de compartir la identidad musical que cada una de nosotras tenía. Compartimos, en Facebook, uno de los temas en los cuales habíamos trabajado, teniendo así una muy buena recepción. A raíz de eso, nos planteamos la posibilidad de crear un
proyecto más serio y nació ANISAS.

2015. Este año por necesidades de montaje de las canciones se incorporó Max (Munizaga) al proyecto. Gracias a esto pudimos experimentar mayores avances, tanto en sonoridad grupal como individual para así llegar a lo que somos ahora.

¿De dónde viene el nombre «Anisas»?

Valery: viene de la palabra “aniso”, que significa desigual o diferente. En realidad es tomarnos con humor esto de ser tan opuestas, tanto en carácter como en el timbre de nuestras voces, sumándole a esto la visión extrema de las sonoridades que cada una de nosotras tenemos. Yo me inclino más a lo electrónico y procesamiento digital y Maritxu tiene mucha más cercanía a timbres y texturas acústicas.

Disco «Viral»

Maritxu: este año ha sido muy intenso ya que de un momento a otro empezamos a tocar muy seguido, pero nos sentimos realmente afortunadas por eso y por el apoyo que hemos tenido tanto de nuestra familia y amigos, como de nuestros profesores. En este momento estamos grabando Viral, nuestro primer disco, gracias a la ayuda del profesor Marcelo Vergara quien es nuestro productor musical. De manera paralela hemos estado tocando en diferentes lugares (Escuela Moderna de Música de Viña del Mar, IP Projazz, Consagración de la Primavera, entre otros) para llegar a más gente y así ampliar el público.

Próxima gira

Valery: para enero de 2016 estamos programando una gira a Argentina y Uruguay, específicamente en Mendoza, Córdoba, Rosario y Montevideo. Esto es para generar nexos con otros artistas latinoamericanos y ampliar nuestro público a otros países.

¿Cómo va la grabación de Viral? 

Valery: tenemos grabado un EP de 4 canciones. En sí ese EP muestra la experimentación en la que estábamos en un comienzo con Maritxu, viendo cómo empastábamos nuestras voces y nuestras necesidades como artistas. Las canciones hablan sobre sacar del alma todo lo que no te deja avanzar (“Respirar”), de desamor, de cómo se puede desvirtuar un sentir hasta llegar a algo incluso
psicótico (“Estúpido amor”), de no poderte ver a ti misma, de desconexión contigo y con el mundo (“Deseos”) y de cambiar de piel y ver que eso que se busca o se necesita nace desde tu interior, desde tu pecho (“Eternidad”).

Max: estamos en constante movimiento y cambio. Con Valery queremos incorporar nuestro conocimiento en el tema de ruido y máquinas (sintetizadores, pedales, etc.) por la simple necesidad de hacer la música más nuestra, propia, que se pueda reflejar mejor la búsqueda que tenemos en solitario cada uno de nosotros.

Maritxu: también está la idea de incorporar a Franco Molina, nuestro ilustrador de la portada del disco que estamos grabando, para hacer presentaciones con imágenes y animaciones en vivo. Creemos en la potencia que tiene un mensaje al ser entregado de diferentes maneras para poder lograr una interacción lo más profunda y sincera posible.

 

Se forma la primera Compañía de Teatro Musical en Projazz

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Entrevista con Manuela Oyarzún, Directora de carrera.

Es un sello de Projazz estar a la vanguardia en el desarrollo de las artes musicales y escénicas en CHile: en 1999, bajo el nombre de Escuela Internacional de Música Projazz, creamos el primr programa de estudios en hazz en cuatro años de duración. En 2007 ya como instituto profesional, este plan fue aprobado por el Ministerio de Educación, convirtiéndose en la primera carrera profesional especializada en jazz.

En 2013 fuimos la primera institución de educación superior del país en impartir la carrera profesional de Intérprete en Teatro Musical, en un momento donde el escenario no podía ser más auspicioso para este género: con la apertura de nuevos y grandes teatros especialmente acondicionados para las artes escénicas, 2 o 3 montajes importantes al año –con artistas nacionales– y una industria cultural que mueve millones en cada producción.

Era el momento de aportar al medio con profesionales especializados en actuación, canto y danza, las tres disciplinas que constituyen la riqueza del teatro musical.

Actualmente en Teatro Musical hay alumnos cursando su tercer año de carrera. Por esta y otras razones que nos cuentan en la entrevista Manuela Oyarzún (directora de carrera y además directora general de la Compañía) y Mónica Valenzuela (profesora de danza, coreógrafa y directora artística de la misma), en una iniciativa conjunta, han impulsado la creación de nuestra primera Compañía de Teatro Musical Projazz, la cual busca integrar las tres carreras del Instituto.

El 12 de agosto se llevó a cabo la audición, previa convocatoria masiva, a la cual se presentaron alumnos de Canto, Instrumento, Composición y por supuesto Teatro Musical. Los seleccionados pasaron a formar parte de la Compañía. Esta instancia fue registrada y podrá verse en el nuevo canal de Youtube que se lanzará durante octubre, junto con otras actividades de iniciativas audiovisuales que tienen como centro la difusión del teatro musical en Projazz.

¿Cómo se dará a conocer esta nueva Compañía?

Lo que estamos desarrollando ahora es un serie de cápsulas audiovisuales que nos permitirán generar una plataforma de difusión de la Compañía para dar a conocer el trabajo, las personas y las estéticas que nos interesan.

Primero se hará un video sobre qué es lo que nos motiva del Teatro Musical: contar cuáles son las disciplinas que lo conforman, las habilidades que se desarrollan, la multiplicidad de experiencias que se obtienen y los anhelos de los mismos estudiantes. Hemos considerado que la canción central del video se componga de los testimonios de los mismos integrantes de la Compañía. Sus motivaciones para nosotros son muy importantes, pues nos acercan a sus verdaderas inquietudes.

Otras cápsulas se trabajarán en un lenguaje más conceptual de arte, se crearán videos que muestren aspectos artísticos o situaciones musicales. La idea es diversificar la mirada de lo musical dentro del teatro. A la par, se realizará registro de los exámenes finales de Teatro Musical, con entrevistas a nuestros docentes sobre el arte teatral actual, la jerarquía de lo musical en el teatro, y el teatro musical y sus disciplinas.

El formato audiovisual es sin duda el más apropiado para difundir el teatro musical.

La idea es llamar la atención de gente joven y público en general, y esto se logra con mayor impacto a través
de las redes sociales. Hoy, más que nunca, internet es el medio de difusión que está al alcance de todos y nos permite dar a conocer nuestro trabajo a más personas.  Por esta razón implementaremos un canal en YouTube que estará periódicamente subiendo información de la Compañía, entrevistas, la carrera, presentaciones, ensayos, etc.

¿Cuál es el sistema de ensayos de la Compañía?

Martes y sábado. Cinco horas a la semana. Se trabaja en base al proyecto audiovisual concreto, se ensaya el aspecto vocal, coreográfico y actoral. La profesora Mónica Valenzuela dirige al colectivo junto al profesor Gonzalo Pinto, encargado de la parte vocal y actoral de las propuestas durante el presente año.

 

Historia, misión y objetivos institucionales

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Charla del rector

El 15 de septiembre la comunidad de funcionarios Projazz participó en la segunda charla de capacitación: “Historia, Misión, Objetivos Institucionales”, a cargo del rector George Abufhele.

El objetivo de esta charla, que se realiza todos los años según lo establecido en nuestro Programa General de Desarrollo, es crear un encuentro informal para conocer el proceso histórico de Projazz, desde su fundación hasta el estado actual de la marcha institucional, y de esta forma sentirnos más cerca de este proyecto educativo que ya cuenta con más de treinta años de trayectoria (desde 2007 como IP).

En la jornada, los participantes escucharon anécdotas de primera fuente, narradas desde la experiencia de su fundador, George Abufhele, allá por 1982: cuesta imaginarse que Projazz partió con una sola sala (arrendada) y un par de sillas. Era un época en que en Chile no existían espacios para especializarse en jazz y música popular, y tampoco había acceso masivo a métodos formales de enseñanza, los cuales se creaban principalmente en Estados Unidos. Internet estaba a muchos años de distancia.

Durante la marcha Projazz fue cautivando más y más alumnos ansiosos de encontrar su lugar en la música. Así pasó de un subterráneo a emplazarse en una antigua casa en Purísima, muy cerca del actual Campus Bellavista y luego a otra sede más grande en calle Guardia Vieja, en Providencia. La llegada a Ramón Carnicer ya es otra historia, conocida por muchos funcionarios del Instituto que tienen más de 15 años junto a Projazz. Puedes conversar con ellos para saber otras anécdotas de nuestra historia.

 

Descubriendo los Estados de Conciencia

Planeta Projazz / Por

“La vida es aquello que sucede mientras estás haciendo otra cosa». John Lennon

Vivimos la vida en un Estado de Conciencia habitual del cual no nos damos cuenta. La frase de Lennon vierte luz sobre aquellos otros Estados que al ser más profundos expanden nuestra identidad y nos conectan con una plenitud antes desconocida.

4 cosas sobre los estados de conciencia

1. Hay tipos de estados: Las tradiciones de sabiduría de oriente y occidente han identificado y registrado los mismos 4 Estados de Conciencia:

  • Vigilia, el estado actual, como estás ahora leyendo este párrafo. Asociado a estímulos de los 5 sentidos.
  • Sutil, experimentas estados mentales y emocionales más profundos hasta las lamadas experiencias “cumbre”, como cuando nos sentimos extremadamente felices o impactados por algo. Aquí los místicos registran el alma.
  • Causal, cuando soñamos.
  • No dual, sin sueños

2. Los estados son temporales: Son experiencias que duran a veces unos segundos o minutos.

3. Todos estos estados están siempre presentes en nosotros:  Pasamos por ellos las 24 horas del día, desde que estamos trabajando (Estado de Vigilia) o cuando una música nos toca profundamente (Estado Sutil). Aquí también están los sueños que recordamos. Los otros Estados de Conciencia están presentes de forma más profunda.

4. Todos podemos experimentar estos estados de forma conciente: A través de la meditación y/o contemplación. La meditación es una práctica que hemos abordado en varias ediciones. Podrás encontrar un ejemplo sencillo en el Cuaderno de Viaje 2016, páginas 92 y 93.

Christian Lucio: «La música para mi lo es todo»

Planeta Projazz / Por

Christian Lucio, colombiano, llegó hace dos años y medio a Chile. Aunque en Colombia ya era un DJ con trayectoria, tuvo que comenzar desde cero en un país nuevo, trabajando en diversos oficios: vendedor, barista1 en un café, administrativo en una faena minera en el norte:

«Sin embargo yo necesitaba estar en Santiago, comenzar a conocer la escena electrónica y musical de la ciudad, a moverme con mis proyectos. Así es que empecé a buscar un trabajo aquí y por pura casualidad envié el currículum a Projazz. Cuando me contactaron y me comentaron que se trataba de un instituto profesional de música, me gustó mucho la idea de trabajar acá. Y bueno, aquí estoy, ya casi dos años y feliz!”

Nos sorprende que tengas una vida súper ligada a la música, y muy rica también.

«Mis vínculos con la música vienen desde muy pequeño, ya que mi papá tiene un grupo musical y canta desde que tengo memoria. Crecí escuchando diversos géneros y estilos musicales, desde bandas como Korn, Rammstein, Slipknot, Pink Floyd, Linkin Park, hasta algunos artistas de jazz, blues y R&B como Miles Davis, Jaga Jazzist, Massive Attack e incluso hip-hop como J Dilla y Snoop Dogg, por mencionar unos pocos. Mi contacto directo con la música electrónica fue cuando tenía unos 12 años: un primo me mostró un DVD de un gran festival europeo y desde ese momento meenamoré de la loca idea de ser DJ, así que comencé a escuchar e investigar un poco más acerca de todo este mundo electrónico que era nuevo para mi. Empecé a descubrir que no era algo nuevo, pues desde los años 20 –estoy hablando del siglo pasado– se inició el desarrollo de los primeros instrumentos electrónicos como el Theremin2. Comenzó todo una búsqueda porla evolución en la música y gracias a esto tenemos hoy en día los sintetizadores, guitarras eléctricas, procesadores de efectos, drum machines y muchos otros instrumentos electrónicos que han ayudado al surgimiento y al progreso de la mayoría de los estilos musicales actuales.

En fin, la música electrónica no es solo un “Chis-Pum”, como muchas personas piensan; por el contrario es algo muy extenso y con mucha riqueza. Cuando me gradué del colegio ingresé a estudiar en una academia llamada J.A.H. Studio (Colombia), donde aprendí producción musical, un poco de síntesis, mezcla de tracks y técnica DJ en general. Luego entré a la Universidad Tecnológica de Pereira (Colombia) a estudiar Licenciatura en Música, donde estuve tres semestres pero lamentablemente por motivos económicos no pude continuar. Cosas que a veces pasan, pero bueno, obviamente dentro de mis planes aquí en Chile está estudiar, así que ya se dará a su debido momento».

Tú tienes un proyecto DJ que ya funcionaba con éxito en Colombia y estás tratando de abrirte espacio acá.

«Mi proyecto musical se llama Geometric89, es un dúo integrado por mi hermano y yo. Llevamos juntos en esto más o menos desde el año 2009. Tenemos nuestro pequeño estudio donde producimos nuestros tracks. Nuestra base musical generalmente es el techno, sin embargo, tenemos influencias de otros géneros y tendencias, así que el resultado final de nuestra música es experimental. A la hora de tocar, tenemos nuestra faceta como DJ’s y otra faceta que dentro de la escena electrónica se conoce como “Live Act”, básicamente es algo así como ir creando los tracks en vivo, mezclando cada uno de los sonidos que lo componen usando loops, samples, efectos, modulaciones, etc., todo lo cual hace que la actuación sea muchísimo más interesante.

Aquí en Chile aún no nos hemos presentado todavía. A pesar que tenemos experiencia, para la escena santiaguina aún somos “nuevos” por decirlo de algún modo. En Colombia sí tuvimos la oportunidad de participar en varios eventos y compartir escenario junto a artistas nacionales e internacionales. Fiestas como el EJE3 Festival, La Rave III, el aniversario de Road Trip  Recordings, el Big Bang Festival, entre otras».

¿Cuál es tu visión de la música: qué esperas aportar con tu propuesta artística?

«La música para mí lo es todo, es lo que me apasiona y vivo totalmente por ella, pero, aún no vivo de ella. Yo pienso que al igual que la mayoría de las personas en el mundo, mi principal meta es poder llegar a vivir de lo que me gusta. Basándome en esta gran meta es que voy planeando mis objetivos a mediano plazo. En este momento por ejemplo, mi hermano y yo estamos en proceso de montar nuestro “Netlabel” (sello discográfico independiente que distribuye y vende su música a través de Internet) llamado G89 Records.

No ha sido fácil ya que las distribuidoras piden muchos requisitos, debemos armar los tres primeros lanzamientos, masterizar todos los tracks, hacer los diseños de las portadas y muchas otras cosas. Pero bueno, todo se hace con mucho amor y hasta ahora todo va marchando muy bien, así que esperamos poder tener todo listo este año y con este proyecto hacer nuestro aporte. El énfasis de nuestro sello es underground, queremos sacar música de artistas que tengan una mentalidad diferente, que estén dispuestos a innovar y a salirse de lo convencional dentro de la música electrónica».

Mi trabajo actualmente en Projazz tal vez no encaje de una manera directa en todo esto, pero esta institución ha ido creciendo y expandiéndose cada vez más. Y estoy casi seguro de que, así como la música y el arte van evolucionando, más adelante por demanda Projazz tendrá que incorporar algo relacionado con las nuevas tecnologías para la creación e interpretación musical. Así es que, quien sabe, tal vez en unos años más yo podría hacer algún taller o algo así para mostrar un poco de lo que la música electrónica nos puede ofrecer.

¿Cómo te llevas con la comunidad Projazz, algunos alumnos conocen tu “lado B”?

Mi relación con los alumnos es muy buena. Todos los chicos son muy buenos. Por ejemplo algo que me gusta mucho, es ver que aquí todos se apoyan mucho entre sí, para estudiar, para los ensambles, cuando alguien deja su tablet o su celular botado afuera y lo traen a la recepción, ese tipo de detalles hablan por sí solos. Toda esa buena vibra que se siente aquí en Projazz es
excelente y es uno de los motivos por los cuales me gusta mucho trabajar aquí. Obviamente con algunos de los chicos se ha dado la oportunidad de charlar y conocernos un poco más que con otros, así que unos pocos conocen esa faceta musical en mí. En general, son todos muy buena onda y les tengo mucho cariño, así que siempre trato de ayudarles en lo que pueda y trato de brindarles lo
mejor de mi.

 

Las mejores apps para meditar

Planeta Projazz / Por

*Mindfulness se ha traducido al español usualmente como “atención plena”. Es una cualidad de la mente o más bien la capacidad intrínseca de la Mente de estar presente y consciente en un momento determinado, en un momento en que cuerpo y mente se sincronizan totalmente en un instante de realidad presente.

Por supuesto la meditación es un vehículo más que apropiado para practicarlo. La multifuncionalidad de los smartphones puede resultar a veces abrumadora: cada día hacen más cosas y aunque a veces nos volvemos dependientes también hay que admitir que ayudan un montón. Curiosa y paradójicamente, hay apps especialmente diseñadas para
“desconectarse”, meditar, relajarse y hablar con uno mismo.

Calm

Esta aplicación contiene sesiones de meditación guiadas con una duración que varía desde uno hasta veinte minutos. Incluye pistas como olas, lluvia o música relajante, entre otras. La app es gratis para Android e iOS, pero también se puede pagar (US$ 10 por año) por una versión ‘pro’ que incluye programas específicos como, por ejemplo, para desarrollar la
creatividad o aumentar la confianza. Disponible a través de Calm.com

Headspace

Esta app se autodefine como un personal trainer para entrenar la mente. Propone 10 meditaciones (una por día) que deben recomenzar cada diez días. La idea es potenciar la práctica diaria (de 10 minutos por sesión), que se premia con pequeñas animaciones y videos. Además, el programa ofrece un rastreo del progreso, recordatorios y una oferta variada para estilos de vida y estados de ánimo.

Es gratis para iOS y Android, pero para más sesiones por día se pagan US$13 al mes.

Buddhify

Amigable con el usuario, esta app está ideal para desarrollar objetivos específicos. Contiene grabaciones para quince posibles escenarios del día, que incluyen “emociones difíciles”, “me siento estresado”, “voy a dormir” y “estoy de viaje”, entre otros. Lo interesante es que graba el progreso y presenta tráficos para un seguimiento de las actividades. Disponible para iOS y Android, por US$4.99.

Happier

Happier es un diario de gratitud que combina el mindfulness* con el apoyo comunitario –se puede interactuar con otros usuarios mediante comentarios positivos sobre el progreso del otro–. Su objetivo es fomentar la felicidad con secciones donde se pueden escribir notas y añadir imágenes de las cosas que le hicieron sentir contento durante el día o por lo que se sienta agradecido. También se pueden oír pequeños cursos que enseñan sobre la gratitud y hábitos relacionados con la alegría. La app es gratis, pero se debe pagar para acceder a algunas meditaciones guiadas. Disponible para iOS y Android.

Fuente: Revista Mujer La Tercera Agosto 2015

Conoce a Francisco Díaz, encargado de soporte

Planeta Projazz / Por

Postulé para integrarme a Projazz vía internet. Me llamaron a una entrevista con Claudio Díaz (DTI) y luego pasé a la segunda fase con mi jefa, María Ester Luengo. En el plazo de una semana me avisaron que había quedado. Yo tenía ganas de trabajar acá, me interesaba el lugar.

Estoy en promedio media hora en mi escritorio, dos horas ha sido lo máximo. Tengo que moverme entre los tres campus, principalmente entre Ramón Carnicer y Eulogia Sánchez. Por día, creo que me muevo unas quince veces entre ambos lugares.

Mi jornada comienza a las 8 de la mañana. ¡Ya conozco a todos los funcionarios de Projazz!. Lo positivo es que hemos podido ir solucionando cada uno de los desafíos tecnológicos que han surgido en cada Departamento. Percibo el agradecimiento de mis compañeros, lo cual es súper agradable.

Melissa Aldana ya suma dos premios este año

Planeta Projazz / Por

La talentosa Melissa Aldana ha visitado Projazz en dos ocasiones para dar master classes, en donde  ha demostrado que con sencillez y perseverancia cualquier músico puede ganarse un espacio y ser reconocido incluso en los escenarios más exigentes del mundo. Sus logros han sido un ejemplo no solo para la comunidad de saxofonistas chilenos sino también para todos los músicos y artistas que sueñan con conquistar la escena del jazz.

Radicada en Nueva York, Melissa ha sido la primera chilena (y la primera mujer) en ganar el prestigioso Thelonious Monk International Jazz Competition en 2013.

Recientemente ha recibido otros dos premios importantes: El 63º premio del Círculo de Críticos de la prestigiosa revista Downbeat, en la categoría “Saxofonista Tenor Emergente” y El Millennial Swing Award que entrega Jazz at Lincoln Center, en reconocimiento a su “talento, dedicación y compromiso con esta forma única de arte estadounidense que es el jazz”.

En entrevista con el sitio especializado AXS estas fueron las primeras impresiones de Melissa:

AXS: ¿Qué estabas haciendo cuando te enteraste que habías ganado el premio de Downbeat?

Melissa: estaba practicando piano. Mi pololo fue quien me contó.

AXS: ¿Cómo se siente haber ganado en una categoría tan competitiva?

Melissa: me siento honrada y además feliz de haber sido seleccionada entre todos aquellos grandes músicos a los cuales admiro y respeto.

AXS: ¿En qué estás ahora, en cuanto a creación?

Melissa: hace algunas semanas terminamos de grabar un nuevo álbum con mi trío, donde está Pablo Menares en bajo y Jochen Rueckert en batería. Será lanzado a principios de 2016 bajo el sello Wommusic. Durante este año estaremos haciendo varias giras. En lo personal, sigo trabajando en nuevos proyectos, escribiendo música y evaluando incorporar instrumentos armónicos en mis composiciones.

Sesión en Nueva York

En la serie de seis capítulos «Sesión en Nueva York», de Canal 13 Cable –donde también aparece un ex alumno de Projazz, el bajista Pablo Menares–, un grupo de documentalistas chilenos se instaló por tres meses en Nueva York para seguir el día a día de cinco jazzistas chilenos: sus conciertos en la noche, cómo ensayan, cómo graban sus discos y cómo viven en una de las capitales del jazz. El 19 de julio debuta Melissa Aldana. Habrá repeticiones de los capítulos los días lunes a las 08:30, miércoles 24:00, viernes 20:30 y sábado 23:00.

En un minuto descubre estados de conciencia

Planeta Projazz / Por

Usa tus cinco sentidos para establecer contacto con lo que te rodea.

¿Qué ves? ¿Te molesta o duele algo? ¿Sientes algún sabor en especial?

Escucha todos los ruidos que se presenten en tu conciencia, como por ejemplo el sonido de tu propia respiración.

Toma nota de cualquier sensación que provenga de tu cuerpo físico:  ¿Sientes calor… presión… dolor… pesadez… picor… tensión?

Luego siente la transición a estados más sutiles prestando atención a sensaciones asociadas a emociones: ¿Hay tristeza… alegría… ansiedad… excitación… o irritación?

¿Cómo experimentas la energía de tus emociones? Trata de conectar todavía con un estado más sutil, en el plano mental: ¿Hay algún recuerdo… idea… imagen… o impulso? ¿Aparece algún pensamiento sobre el pasado… o sobre el futuro?

Date cuenta cómo puedes testimoniar y sentir ahora los sonidos, las visiones, las sensaciones, las emociones sutiles, las energías, los pensamientos y las intuiciones… Pero tú no eres nada de eso.

Repite a ti mismo: “Tengo emociones, pero yo no soy esas emociones” “Tengo pensamientos, pero yo no soy esos pensamientos” “Tengo sentimientos, pero yo no soy esos sentimientos”

Respira profundamente y disfrútalo. Nada cambia, nada se mueve, nada oscila. Tú eres el único que siempre ha estado presente.

Andrés Pérez, profesor de Projazz debutó como director Musical del mega evento “Tres Tenores”

Planeta Projazz / Por

Hay muchos “yo nunca había” en esta experiencia artística del evento “Tres Tenores” Nunca había dirigido cantantes líricos en este contexto de ópera, solo cuando fui director musical de “El mago de Oz” me tocó trabajar con cantantes líricos. ¡Tampoco nunca había tocado en un cementerio! Y nunca había dirigido una orquesta de cámara, con todas las formalidades y el repertorio que los caracteriza. Para mí ha sido una oportunidad y un aprendizaje.

¿Cómo armaste esta mega producción?

Llevamos más de dos meses en el montaje. La productora a cargo me transmitió el concepto del evento, que era abrir el espacio del cementerio como instancia cultural nueva para que la comunidad tuviese cercanía con música de alto nivel: la gente comúnmente
no tiene la posibilidad de estar en contacto con una orquesta de cámara de 19 músicos y tenores de esta calidad.

También vamos a invitar a un coro de niños de Huechuraba. Muchos de esos niños quieren dedicarse a la música, así es que yo creo los va a marcar esta experiencia de interactuar con una orquesta, tener feedback con músicos profesionales, y en un evento de esta magnitud.

Tuve la suerte que Macarena Ferrer, concertino de la Filarmónica y esposa de Gerhard Mornhinweg (ex vicerrector académico de Projazz) me ayudó a armar la orquesta. Yo le dije “recomiéndame a los mejores”. En esta orquesta hay hartos músicos rusos, ingleses,
polacos. Ya hemos hecho un par de ensayos de sección (cañas, cuerdas). Ensayamos en el teatro Diana, la producción ha sido excelente, muy profesionales, nos han dado todas las facilidades y los recursos para que el resultado sea impecable.

Este nuevo desafío, ¿cómo marca tu carrera artística?

Cuando me presentaron por primera vez el proyecto, la verdad es que estaba súper nervioso, casi como asustado. Ahora lo encuentro entretenido. Cuando dije sí, me entregué a un juego, que es como yo veo la música, vinculado al concepto “play”. Y también hay un proceso de aprendizaje que hay que disfrutar. Yo me siento como un cabro chico, aprendiendo cosas nuevas.

Esta es una oportunidad que nos da la vida, el medio y en particular las personas que confían en tu trabajo. Tengo mucha suerte.

También participaste activamente en las clínicas de los músicos de Marsalis (19 y 20 de marzo, Teatro Municipal)

Lo he comentado con muchos colegas con quienes tuvimos la suerte de estar en todas las clínicas de trombón, trompeta, saxofón, en la clínica de ensayo de big band y hasta en el ensayo general: la conclusión es que la visita de estos músicos tan talentosos y humildes cambió para siempre el paradigma artístico y técnico de todos los que asistimos.

Todos los músicos que vinieron junto a Wynton Marsalis en la Jazz at Lincoln Center Orchestra vienen girando en el mundo hace mucho rato, están presentes en los discos de jazz más importantes que se graban hoy en día y están escribiendo la historia de la música. Son tipos que tú los ves activos, que todos los meses arman repertorios nuevos, componen ellos mismos… ¿tú te imaginas lo difícil que es componer para una big band, todos los meses? Entonces, cuando llegan a un país como este, uno los ve como súper estrellas pero los tipos son muy relajados, se desprenden del ego y comparten.

Personalmente, y también para los integrantes de la “Mapocho Orquesta”*, fue una inyección descomunal de energía: de hecho, ahora todos los ensayos y hasta nuestra formación en el escenario cambió. Lo mismo que nos decían los músicos de Marsalis nos lo venía diciendo Carmelo Bustos desde que éramos chicos: “tocar y trabajar nota a nota desde el swing, desde el espíritu y el corazón”.

Esta ha sido la clínica, lejos, más potente a la que he asistido en mi vida. Los músicos eran sequísimos. Por ejemplo, hubo un ensayo de una fila de saxos.

Y el primer alto es el líder de su fila, lo mismo el primer trompeta y el primer trombón con sus filas. Normalmente el pianista o el bajista es el líder de la base. Si yo, como líder, hago una cuenta a mis colegas así (Andrés cuenta casi susurrando): “uno, dos, un-dostres”, mi fila va a sonar con esa misma falta de energía. El saxofonista de la Lincoln Center se detenía hasta en esos detalles: “¡No, tú tienes que calentarte con este swing, tienes que calentar a tus compañeros!”, que sientan esa energía para que se contagien. Después el tipo pescó el saxofón y, obviamente leyendo a primera vista, dirigió la fila de saxofones de la Projazz Big Band y los cabros al tiro tocaron diferente, inmediatamente se notó el cambio del líder en el sonido y en la energía.

Una de las frases que nos marcó fue la pregunta de uno de los saxofonistas: “¿Estamos nosotros preparados para entender el mensaje de la música?”.

Kevin Castro se consagra como triunfador de GuitarFest 2015

Planeta Projazz / Por

El alumno de quinto año de la carrera de Composición Musical con mención en guitarra, Kevin Castro, fue el ganador del Jagermeister GuitarFest 2015, un Festival de Rock & Blues Instrumental que busca del Mejor Guitarrista de la V Región y que este año contó con la participación especial del guitarrista Marty Friedman.

¿Cómo te enteraste de la competencia?

Por internet, desde hace un par de años. Este es un evento que cada año se está haciendo más masivo entre los guitarristas. Pero de la competencia en si me enteré el año pasado, ya que tuve tres conocidos que participaron.

¿Qué te motivó a participar?

Nunca me habían llamado mucho la atención las competencias de música, pero lo hice porque estoy trabajando en mi proyecto como solista y el GuitarFest es uno de los eventos de guitarristas (rockeros) más masivos que hay, lo vi como una buena oportunidad de hacerme publicidad ya que sabía que en la final iba a haber gente del medio.

Por otra parte, Marty Friedman fue algo así como mi ídolo de la adolescencia y principio de adultez y si bien hoy en día considero que pasada cierta edad no es bueno tener «ídolos», obviamente sigue siendo un guitarrista que admiro mucho y quería que él escuchara mi trabajo (por cierto, él también votaba como parte del jurado y me soplaron por interno que votó por mí, así que misión cumplida).

Y por último por los premios para el ganador,  consistentes en compartir escenario con Friedman y una guitarra PRS modelo Marty Friedman, que ahora que la tengo debo decir: es lejos la mejor guitarra que he tenido. Creo que lo último no lo tenía realmente en la cabeza a la hora de competir, pero la adquisición de esa guitarra realmente ha sido algo muy favorable para mí.

¿Cómo fue la experiencia?

Muy buena, ya que conseguí lo que estaba buscando: mostrar la propuesta musical en la que he estado trabajando y recibir una muy buena respuesta de parte de la gran mayoría.

Recibí excelentes comentarios respecto a la música que he estado componiendo, hubo mucha gente que no me conocía que se acercó a felicitarme, algunos me pidieron mis datos para trabajar en proyectos futuros, incluso gente cuya opinión tiene una cierta tribuna como Alfredo Lewin, que es alguien que sin duda ha escuchado mucha música y creo que no es tan fácil impresionarlo, los comentarios que hizo fueron un verdadero halago.

Y bueno, además de lo excitante y adrenalínico que es pararse solo en el escenario del Teatro Municipal de Valpo a tocar una composición propia, fue uno de los momentos más intensos  y uno de los mejores días de mi vida.

¿Tienes alguna banda o proyecto solista?

Estoy trabajando en mi proyecto solista. Actualmente estoy trabajando en 2 composiciones nuevas, pero en sí serían 4 tracks (pensando en el disco) porque una de ellas es una especie de obra en 3 movimientos, terminando con eso tendría 6 tracks listos. Hay más composiciones, pero que en realidad no sé si contarlas como «dentro» del proyecto” aún. Desde mediados del 2014 por fin encontré encontrar algo así como mi propia forma o mi propio estilo para componer y prefiero contar dentro del proyecto solo lo que he hecho desde ahí en adelante.

Teniendo ese repertorio de 6 tracks, quiero formar la banda para tocar mis composiciones en vivo y seguir componiendo pensando en el disco, el hecho de tener la banda y tocar en vivo serviría para poner más ojos encima del proyecto antes de lanzar el disco.

Fuera de eso, estoy tocando en 2 bandas y media. Primero como guitarrista del proyecto solista de Franco Molina (rock alternativo), es un proyecto que Franco recién está comenzando, pero en el cual yo veo bastante potencial. Este mes tenemos nuestra primera fecha con su proyecto.

También soy guitarrista y corista en Umbral, una banda pensada principalmente para eventos con los que tocamos hits rockeros de los 70s, 80s, y 90s.

Ingresar a esta banda me ha ayudado mucho ya que cantar jamás ha sido mi fuerte y estar haciendo coros ha sido un muy buen desafío, me ha ayudado a desarrollarme en una faceta que creo que me será muy útil, además pienso que es bueno que las personas hagamos cosas en las que realmente nos sintamos un poco torpes ya que nos ayuda a mantener los pies en la tierra.

Hasta ahora estoy contento con el avance que he tenido en esta faceta, pero de todas formas creo que tengo mucho por mejorar.

Y por último, la banda Anisas (indie pop), proyecto de Valery Fuentes quien ha sido mi compañera en Projazz desde que ingresé y además es mi mejor amiga. Es un proyecto que me entusiasma, ya que a Valery la respeto mucho como compositora, ella tiene una propuesta realmente muy interesante. La conté como «media banda» porque hasta ahora solo he grabado las guitarras de sus composiciones, pero es un tiempo que yo ya tengo reservado para el proyecto.

¿Cuáles son tus planes musicales para este 2015?

Seguir trabajando en mi proyecto solista y en todas las bandas que mencioné, obviamente lo que más me entusiasma es empezar a tocar en vivo con mi proyecto, seguir teniendo el recibimiento que he tenido hasta ahora y sacar pronto el disco.

Fuera de eso estoy empezando a tener mis primeros trabajos como compositor y como guitarrista de sesión. Actualmente estoy componiendo la música para el comercial corporativo de «Gente de Chile» (empresa de turismo emergente) con la idea de seguir explorando esa modalidad.

Durante estos últimos dos años he sido músico callejero que hasta ahora es mi principal fuente de ingresos y si bien personalmente no creo que para nada sea «rebajarse» ni absolutamente nada por el estilo (de hecho lo encuentro entretenido), obviamente tengo la intención de ir por algo más y poder solventar tanto mis gastos como los de mi hija de 4 años trabajando como músico, pero ya no en la calle/metro, hasta ahora creo que voy bien encaminado, estoy teniendo cada vez más fuentes de ingresos trabajando como músico y bueno, sé que es un camino difícil, pero tengo confianza en que puedo hacerlo.

Cristóbal Gomez desde Nueva York

Planeta Projazz / Por

Desde agosto de 2014 Cristóbal Gómez, profesor de Projazz e integrante de la exitosa banda de jazz manouche “Gypsy Trio” se encuentra en Nueva York haciendo un master in Music Jazz Performance en la New York University (NYU), gracias al programa de master en el extranjero de Becas Chile.

«Principalmente para mí lo más motivante de estar en Nueva York es el acceso a la música en vivo y las oportunidades para que uno también pueda presentar sus proyectos. Lo mejor de la experiencia en Nueva York está afuera de la universidad: la posibilidad de observar a músicos consagrados está siempre presente, por ende, como guitarrista es una motivación constante. Al mismo tiempo en NYU, por el hecho de que el Departamento de Jazz tiene pocos años, aún hay muchos profesores de renombre. He tenido clases con John Scofield, Mike Richmond, Kenny Werner, Peter Bernstein, entre otros. También hay muchos artistas conocidos dictando seminarios en los que he estado presente, como Chick Corea, Mike Turner y Ari Hoenig”.

“Formé un pequeño trío de manouche junto a un amigo ecuatoriano y una compañera coreana y ya hemos tocado en varios cafés y eventos privados. Este estilo es bien recibido, porque acá es  relativamente nuevo. Ahora también estoy armando un trío más eléctrico y hay planes para grabación en el segundo semestre en los estudios de NYU, ahí veremos cómo se dan las cosas”.

“Muchas veces extraño la calidad humana de Projazz. Esa es una magia que de alguna manera se ha sabido mantener durante años entre todo el equipo y se valora muchísimo. De igual manera junto a Gypsy Trío para nuestro regreso en 2016 tenemos grandes planes que incluyen a varios estudiantes y egresados del Instituto».

El retorno de Cristóbal está programado para junio del 2016.

 

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