La cantante anunció que comenzará la primera de 27 actuaciones en el Park Theater el 28 de diciembre.
Lady Gaga va camino a Las Vegas para una residencia musical que comenzará en diciembre e incluirá dos tipos de espectáculo.
La cantante anunció el martes que comenzará la primera de 27 actuaciones en el Park Theater el 28 de diciembre. Lady Gaga Enigma resaltará los más grandes éxitos bailables de la estrella pop, mientras que “Lady Gaga Jazz & Piano” incluirá canciones más austeras. Los boletos salen a la venta el 13 de agosto.
Gaga ha ganado seis premios Grammy y es más conocida por éxitos de dance-pop como Poker Face y Born This Way. También lanzó un álbum de jazz con Tony Bennett.
La sexta versión del festival de rock que se realiza en lampa, a 30 min de Santiago.
Se anunció un encuentro interesante de rock nacional: el festival Lampa Rock 2018, que reunirá a bandas como Fiskales Ad Hok, Devil Presley, Saken y varios otros, el sábado 27 de octubre en la Parcela Los Aromos de Lampa.
Se trata de una cita al aire libre, a 30 minutos de Santiago, que se realiza desde hace 6 años y por primera vez se hará más en grande. Habrá buses de acercamiento desde Santiago, 14 bandas en escena de diversos estilos desde hard rock, punk, blues, metal y otros. También habrá puestos de comida, de cerveza artesanal y juegos infantiles, así que un buen panorama familiar.
Sábado 27 de octubre a partir de las 12:00 hrs. (Las puertas abrirán a las 11:00 hrs.)
Camino Noviciado Norte. Parcela Los Aromos. Lote E-2. Lampa https://goo.gl/GKdb6V
Primera Preventa $3.000 a través de sistema Eventrid.
Venta de Comida y bebidas.
Movilización pública hasta las 21:00 hrs y también del festival con ticket en mano. (Se publicarán los horarios y recorridos).
Estacionamientos privados dentro del mismo recinto.
*Evento apto para todo público, prohibido el ingreso de alimentos y bebidas alcohólicas.
La compañía Circonciente representó a Chile y a México en el festival de teatro alternativo francés Avignon Off, con la puesta en escena de 22 funciones de Risas de papel, montaje que resultó ganador del “Coup de couer” (“Flechazo al corazón”) de los premios Tornasol.
En la pieza teatral participaron como creadores los chilenos Camila Aguirre(directora); Rocío Troc (diseño y realización de vestuario); y Eduardo Jimenez Cavieres (diseño de iluminación y escenografía).
La coproducción chileno-mexicana tuvo muy buena recepción del público, prensa y crítica francesa. Fue la calidad artística del proyecto lo que lo llevó a esta premiación, que evoca a la defensa y protección del planeta, biodiversidad, clima, ecología y solidaridad humanista: feminismo, igualdad de derechos, justicia, amistad entre los pueblos, libertad de movimiento y derecho a la educación.
Risas de Papel fue seleccionada entre 90 proyectos postulados con la temática de protección del medio ambiente y promoción de la ecología humanista. Seis miembros del jurado vieron la obra en diferentes días, otorgándoles el premio especial del jurado: el “Coup de Coeur” (flechazo al corazón).
“Risas de Papel”
La directora de la obra, Camila Aguirre, declaró: “Para nosotros ha sido muy bueno hacer este equipo de coproducción entre dos países latinoamericanos, hemos sido la presencia de latinoamérica aquí en Avignon Off y estamos muy contentos primero de representar tanto a Chile como a México”, contó.
“Hemos conformado un gran equipo que habla desde nuestro lugar, nuestro continente y esto que también sirva de motivación a los jóvenes artistas que puedan venir también a representar nuestra cultura y nuestra visión del mundo en este importante festival de Europa, creo que las puertas siempre están abiertas”, agregó.
A su regreso, la compañía Circonciente gestiona una temporada de Risas de papel por diferentes ciudades de Chile, entre enero y marzo de 2019.
Hace 49 años, ‘The Beatles’ se tomó la foto más icónica del grupo. Datos alrededor de la portada de su undécimo álbum ‘Abbey Road’.
19 curiosidades de la foto más famosa de Los BeatlesFoto: Beatles Maniac 11
1. Ese 8 de agosto de 1969, la sesión de fotos duró 10 minutos.
2. Un policía se tomó la molestia de parar el tráfico mientras The Beatlescruzaban la calle.
3. Iain Mcmillan, el fotógrafo, era un amigo de John Lennon y Yoko Ono.
4. Linda McCartney, la esposa de Paul, que también era fotógrafa, tomó fotos del grupo mientras esperaban para cruzar.
5. Mcmillan uso una cámara Hasselblad, un lente gran angular de 50mm, una apertura de f-22 y a 1/500 segundos.
6. Paul McCartney hizo un boceto de la portada antes de que salieran a hacer la foto.
7. En total se tomaron seis fotos.
8. La imagen que eligieron era la única en la que todos estaban caminando al mismo tiempo.
9. El 22 de mayo del 2012, una de las fotos de esta sesión se subastó por 25.000 dólares.
10. Los fanáticos de la conspiración que decía que McCartney había muerto y que The Beatles lo habían reemplazado por un farsante, tomaron la portada como una pista. John Lennon, vestido totalmente de blanco, representaba el sacerdote, Ringo Starr, de negro, representaba el enterrador, Paul McCartney, descalzo, era el muerto, y al final George Harrison, el sepulturero.
11. En cuatro de las seis fotos que se tomaron, McCartney cruzó la calle descalzo cuatro veces, y las otras dos uso sandalias.
12. A excepción de George Harrison, todos llevaban puesto trajes diseñados por Tommy Nutter.
13. La grabación del undécimo álbum de estudio Abbey Road comenzó en abril del año 1969.
14. El lanzamiento oficial fue en el Reino Unido el 26 de septiembre de 1969.
15. Abbey Road fue el último trabajo discográfico de The Beatles.
16. El álbum inicialmente se iba a llamar Everest, pero ir a la montaña para tomar la foto era un poco inconveniente.
17. Este fue el primer álbum de The Beatles que fue grabado usando tecnología de ocho pistas.
18. George Harrison fue uno de los primeros en comprar un Moog, y el instrumento terminó en los estudios de Abbey Road en agosto de 1969.
19. Para el tema The End, la penúltima pista del disco, Harrison, McCartney y Lennon se compartieron el solo para guitarra, uno tocando detrás después del otro. Para Starr, esta fue la única vez que tocó un solo para batería.
La guitarra de plástico del Guitar Hero no solo consiguió sonar como el solo más demente de Lynyrd Skynyrd: también revitalizó a una industria tan averiada como la musical.
Cuando la pequeña Harmonix anunció en plena era Napster el lanzamiento del primer Guitar Hero, lo hizo acompañado de un periférico con forma de guitarra plástica que no recibió mucha atención.
La compañía norteamericana se había especializado en adaptar juegos japoneses de karaoke, por lo que un proyecto de esas características no tenía mucho sentido fuera del país de Kenso.
Videojuegos de baile y simuladores de instrumentos existían desde mucho antes en Japón: DrumMania, BeatMania o Guitar Freaks, por nombrar algunos, lo demuestran. Harmonix, de hecho, llevó a occidente la esencia de Guitar Freaks, disminuyendo los niveles de dificultad y curando una lista de canciones que agregó desde “Take me out” de Franz Ferdinand a “Killer Queen” de Queen y “Ziggy stardust” de Bowie.
La firma fundada en 1995 por dos alumnos del Instituto de Tecnología de Massachusetts, Alex Rigopolus y Eran Egozy, no había dado resultados importantes hasta que entró en juego RedOctane, algo así como el luthier de la famosa guitarra plástica.
Vamos a decirlo claramente: el éxito fue inmediato.
Incluso, exprimiendo todavía más la idea de simular a una banda de rock enchufada al televisor, los desarrolladores ampliaron la apuesta a más perféricos/instrumentos y nuevas sagas. Así nacieron Rock Band, SingStar, Dj Hero y BandFuse, entre otras.
Por qué Guitar Hero salvó a la música
Polemista experimentado, Lars Ulrich, el baterista de Metallica, tuvo solo halagos para el nuevo fenómeno.
“Son juegos que conectan a generaciones de amantes de la música y permiten que, por ejemplo, mis hijos se entusiasmen con Deep Purple, Black Sabbath, Foo Fighters y otras de mis bandas favoritas”, señaló a los medios.
Metallica, después del episodio Napster, fue uno de los primeros grupos que entendió que los simuladores de instrumentos eran una potencial fuente de nuevos ingresos para la industria de la música.
Y así sucedió. Cuando apareció Guitar Hero: Aerosmith, los discos de la banda de Steven Tyler se vendieron un 40% más.
Metallica, por su lado, tomó nota de la experiencia y sacó a las bateas su disco Death magnetic en CD, vinilo y como versión descargable para Guitar Hero III.
Es decir, el disco completo podría ser jugado el mismo día que apareció para el resto de formatos.
Lo que hicieron Guitar Hero y los videojuegos que vinieron después fue centrar la experiencia del jugador en el rock de guitarras. Para ello echaron mano a la histórica discoteca de la década del 60 y, por supuesto, a todos los estilos posteriores que sentaron raíces en la música de Led Zeppelin, The Beatles y Black Sabbath.
La saga iluminó, por así decirlo, a algo que nunca debió salir de foco: las canciones. Y de paso revitalizó los bolsillos de la industria de la música: cifras de la cadena GameStop consultadas por CNBC dieron luces sobre los videojuegos que más recaudaron en Estados Unidos. Y los títulos con periféricos (guitarras, baterías, micrófonos o tornamesas) llevan la delantera.
Guitar Hero III lidera el ranking de CNBC con US$830 millones y, más abajo, donde destaca la saga de shooters Call of Duty, aparecen Rock Band y Guitar Hero World Tour.
Estos son algunos de los títulos de culto del género, que incluyen estilos como rock, pop, soul y hip-hop, en una selección de Culto.
1- The Beatles: Rock Band (PlayStation 3, Xbox 460, Wii)
Un verdadero videojuego de colección. El título publicado por Harmonix en 2009 no solo revive la intensa historia del cuarteto de Liverpool, desde su histórico primer show en The Tavern hasta el mítico concierto en la azotea el edificio de Apple Corps en Londres. También echa mano a lo más selecto de la discografía de los autores de “Tomorrow never knows”, “Revolution” y “Something”. Además cuenta con la posibilidad de comprar réplicas del bajo Höfner de McCartney, la batería Ludwig de Ringo y las guitarras Rickenbacker y Gretsch de Lennon y Harrison completando la experiencia de los “Fab four”.
2- SingStar Motown (PlayStation 3)
La saga SingStar es una serie de videojuegos de karaoke y el capítulo Motown utiliza como catálogo al principal sello discográfico surgido en los años 50. Uno que hizo escuela en la música popular global alcanzando esa cumbre distintiva que conocemos como “sonido Motown”, mérito inexpugnable del pop y R&B de sus cultores. El título permite (intentar) interpretar únicamente en voz los temas de gente tan importante para la música como The Supremes, Stevie Wonder, The Jackson 5 y Marvin Gaye, entre muchos otros.
3- Rock Band 3 (PlayStation 3, Xbox 360)
En medio de la época dorada de este tipo de videojuegos, Rock Band 3 fue desarrollado por Harmonix, publicado por MTV Games y distribuido por la gigante Electronic Arts. Acá podemos formar nuestra propia banda musical con cantante, guitarrista, bajista y/o baterista, con un repertorio de canciones que incluye a “Bohemian rhapsody” de Queen, “Free bird” de Lynyrd Skynyrd, “Jerry was a car driver” de Primus y “Just like heaven” de The Cure, entre 83 temas, muy en la línea del Guitar Hero: Warriors of Rock, que además de Black Sabbath, Megadeth, Slipknot y Muse, incluye un modo historia narrado por Gene Simmons de Kiss.
4- BandFuse: Rock Legends (PlayStation 3, Xbox 360)
Al igual que en Rocksmith, acá los usuarios pueden conectar una guitarra eléctrica real y tocar gracias a un adaptador que lleva el sonido de tus dedos a la consola. Músicos de la talla de Slash de Guns N’ Roses o Zakk Wylde de Ozzy Osbourne operan como tutores para aprender a dominar el instrumento entre canciones como “You oughta know” de Alanis Morissette, “No rain” de Blind Melon, “Alive” de Pearl Jam o “Show I stay or should I go” de The Clash.
5- DJ Hero 2 (PlayStation 3, Xbox 360, Wii)
Lo distintivo acá es el periférico: una tornamesa con la que debemos convertirnos en un reputado DJ y productor musical mezclando canciones y estilos. La experiencia se completa con 85 temas de gente como Dr. Dre, The Chemical Brothers, Daft Punk, Kanye West, Lady Gaga y Rihanna. Como dato, se puede ocupar al conocido DJ Deadmau5 como personaje en el juego.
6- Guitar Hero: Metallica (PlayStation 3, Xbox 360)
Recorre las primeras dos décadas de carrera de Metallica, para repasar su discografía desde el heavy de Kill’em all (1983) hasta el insípido St. Anger (2003), reescribiendo la historia de los californianos según el evangelio de James Hetfield, Kirk Hammett y Lars Ulrich: esto es omitiendo la participación de los históricos Dave Mustaine, Cliff Burton y Jason Newsted en la banda. Algo que también puede leerse como un espaldarazo a su actual bajista Robert Trujillo. El catálogo de canciones incluye la mayoría de las cumbres de Metallica: “One”, “Battery”, “Enter sandman”, “Fuel”, “No leaf clover” y temas como “The unforgiven”, “Sad but true” y “Nothing else matters”.
7- SingStar Queen (PlayStation 3)
Un tremendo título con la difícil misión de emular la voz del legendario Freddie Mercury y sus secuaces. El juego ofrece la posibilidad de intentarlo en 24 canciones, desde “Somebody to love” y “Radio Ga Ga” hasta la demandante “Bohemian rhapsody”, “I want to break free” y “We are the champions” en distintos niveles de dificultad.
8- Def Jam Rapstar (PlayStation 3, Xbox 360, Wii)
Un título dedicado por completo al hip hop, donde debemos interpretar y rapear temas con un micrófono inalámbrico y, claro, demostrar si se tiene o no flow. Y apreciar el talento de los MCs y músicos de un nutrido catálogo donde destacan Beastie Boys, Notorious B.I.G., 2Pac, 50 Cent, Dizzee Rascal, Ice Cube, Outkast, Public Enemy, Run-D.M.C., Kanye West y Snoop Dogg.
9- SingStar ABBA (PlayStation 3)
Acá un juego dedicado exclusivamente a la banda sueca con 25 de sus hits para cantar. Desde “Dancing queen” a “Mamma mia” pasando por “Super trouper”, “Take a chance on me” y “Gimme! gimme! gimme! (a man after midnight)”.
10- AC/DC Live: Rock Band (PlayStation 3, Xbox 360)
Un título necesario para entender cómo operan las guitarras en el universo de los hermanos Young. Eso sí, el título dedicado a la banda australiana cuenta con apenas 18 canciones de los hombres de “Back in black”. Y todas son crudas versiones en directo, configurando una experiencia breve aunque intensa.
11- Michael Jackson: The Experience (PlayStation 3, Xbox 360, Wii)
Aunque lo central es emular los pasos de baile de Michael Jackson en coreografías como las de “Bad”, “Beat it”, “Billie Jean” y “Smooth criminal”, el título también cuenta con un modo de karaoke para atreverse a cantar las canciones del “rey del pop”.
12- Guitar Hero: Aerosmith (PlayStation 3, Xbox 360)
El juego sigue los pasos de la banda de Steven Tyler, Joe Perry, Brad Whitford, Tom Hamilton y Joey Kramer, con sus propias canciones como soporte pero además con las de la gente que los inspiró a hacer música: Cheap Trick, The Kinks, Joan Jett y The Clash. El juego solo ocupa la guitarra como periférico.
13- Rock Band: Green Day (PlayStation 3, Xbox 360)
A diferencia del título anterior, acá podemos emular los bajos, guitarras, voces y baterías del catálogo de Green Day. El título sigue la historia de la banda profundizando en sus discos Dookie (1994), American idiot (2004) y 21st Century breakdown (2009), sin dejar de lado éxitos como “Good riddance (time of your life)” del Nimrod (1997) o “Minority” del Warning (2000).
14- SingStar Mecano (PlayStation 3)
Juego de karaoke dedicado por completo al grupo madrileño que brilló durante los años ochenta y primeros de los noventa gracias a la voz de Ana Torroja y el señero sonido de los hermanos Nacho y José María Cano. Incluye 30 temas como “Bailando salsa”, “Hawaii-Bombay”, “Me cuesta tanto olvidarte”, “Hoy no me puedo levantar”, “Barco a Venus” y “Aire”.
15- Singstar (PlayStation 3)
Es el juego de karaoke por defecto. E incluye un nutrido catálogo de temas de Blur, Beck, Britney Spears, Scissor Sisters, Outkast, David Bowie, The Killers, Blind Melon y tantos otros, siempre listo para prender cualquier fiesta. Como ocurre con las sagas Guitar Hero, Dj Hero y Rock Band, Singstar incluye un amplio catálogo online donde se pueden comprar más canciones para ampliar la experiencia de juego.
Si bien tenían estilos musicales muy diferentes, ‘La voz’ y ‘El Rey del rock’ cantaron juntos una noche de primavera a comienzos de los 60.
Elvis Presley ingresó a las Fuerzas Armadas estadounidenses el 24 de marzo de 1958. Dos años después -el 5 de marzo de 1960- dejó de cumplir servicio y se retiró del ejército. Si bien no fue hasta marzo de 1964 que fue desligado oficialmente de la institución, El Rey se dedicó inmediatamente a retomar la música, y lo hizo con nadie más y nadie menos que Frank Sinatra.
El oriundo de Misisipi estuvo alejado de la música durante este periodo, y temía que el público lo hubiese olvidado restándole el derecho a retornar a los escenarios con el éxito de antaño. Además, sufrió la muerte de su madre Gladys.
El Rey estaba desolado.
Frank Sinatra, el reconocido cantante de jazz y blues, decidió organizar un forma diferente para marcar su retorno a la escena musical con un especial televisivo llamado Frank Sinatra Timex Show: bienvenido a casa Elvis.
La iniciativa llamó la atención entre las fanaticadas de ambos artistas no solo por los géneros disimiles en que triunfaban, también por la declaraciones que Frank Sinatra dio contra el estilo insigne de Presley: “El rock and roll huele falso y falso. Está cantado y escrito en su mayor parte por matones cretinos… se las arregla para ser la música marcial de todos los delincuentes con colas en la faz de la tierra… Es la forma más brutal, fea, desesperada, viciosa de expresión que he tenido la desgracia de escuchar”, escribió en la revista francesa Western World en 1957.
Pero, a sus 45 años, Sinatra veía amenazado su prestigio y popularidad por parte de este joven 20 años más joven que atraía a las masas y enloquecía al público. Por sugerencia de su hija Nancy, la voz de “Fly me to the moon” decidió unirse a su amenaza artística en vez de declararle la guerra.
El lugar fue el Hotel Fontainebleau de Miami, y el día de grabación fue el 26 de marzo de 1960. El Rey se veía distinto. Más recatado, con la mirada sombría y movimientos contenidos en un esmoquin negro a juego con el de Sinatra. Sin embargo, esto no fue impedimento para que una mirada o una sonrisa desataran el fervor de la audiencia.
Tras la interpretación de un par de canciones por parte de Elvis, Sinatra regresó al escenario para cantar a dúo con él. “Haces brujería, y yo haré otro tipo de magia”, dijo ‘La voz’, quien comenzó a cantar una reversión de “Love me tender” mezclada con “Witchcraft”.
Presley cobró 125 mil dólares de la época por su participación en el show que fue emitido el 12 de mayo de ese año. Desde entonces, los artistas desarrollaron una amistad que se mantuvo con los años.
Del 5 de septiembre al 17 de octubre, el GAM ofrecerá el taller Star Wars y sus claves como cine de autor, a cargo del periodista y crítico de cine Leopoldo Muñoz.
El taller contempla seis clases y tendrá un valor de 70 mil pesos por todas las sesiones. Todos los detalles, en el sitio del GAM. Inscripciones al correo bibliogam@gam.cl.
Tras una exitosa inauguración en la Región de Coquimbo, la cuarta edición del Tour Nacional Teatro Mori Entel finaliza su gira nacional en Antofagasta con dos destacados montajes que se presentarán sin costo para el público, entre el 8 y el 11 de agosto en el Teatro Municipal de Antofagasta.
La primera de estas obras será la comedia “La puerta de al lado”, que desde su estreno en abril ha sido vista por más de diez mil personas. La obra es dirigida por Patricio Pimienta -mismo director de “Nuestras mujeres” (2017), “Bajo terapia” (2016) y “Le prenom” (2015), los estrenos más vistos de la escena nacional en sus respectivos años- y es protagonizada por Javiera Contador e Iván Álvarez de Araya.
Esta comedia romántica, que ha sido un éxito en importantes escenarios de Francia, España y Argentina, cuenta la historia de dos vecinos solteros en plena crisis de los 40. Ambos viven solos, separados por un estrecho pasillo. Dos polos opuestos que tratarán de mantener la cordialidad, pero bastará un poco de música fuerte para convertirse en vecinos detestables.
Para toda la familia, se presentará “Las aventuras de Robin Hood Clown”, de la compañía Reciclacirco. Inspirada en la leyenda de Robin Hood, la obra cuenta las aventuras de un valiente joven que, al estilo clownesco, muestra su férreo sentido de la justica en los bosques del sur de Chile.
“La puerta de al lado” se presentará el miércoles 8 y el jueves 9 de agosto a las 20.30 horas en el Teatro Municipal de Antofagasta. Mientras que “Las aventuras de Robin Hood Clown” lo hará el sábado 11 de agosto a las 12.00 y 17.00 horas, en el mismo lugar.
“El Tour del Teatro Mori Entel nos ha dado grandes satisfacciones desde hace ya cuatro años. Queremos ser parte de las grandes transformaciones, y lo queremos hacer de manera responsable. Por eso hemos mantenido este compromiso con el teatro con el propósito de llevarlo de forma gratuita a distintos lugares de Chile”, comentó Alexis Licci, gerente de marketing de Entel.
En tanto, el director ejecutivo de Centro Mori, Cristóbal Vial, dijo que “gracias a Entel, por cuarto años consecutivos Centro Mori llega a distintos rincones del país con lo mejor del teatro nacional. En tres años de gira hemos convocado a más de treinta mil personas, consolidando nuestra presencia en regiones y el objetivo de descentralizar la cultura mediante teatro de calidad y accesible para todo público”.
Por su parte, la protagonista de “La puerta de al lado”, Javiera Contador, señaló que “quiero invitar a todos los amigos de Antofagasta a que nos acompañen en el Teatro Municipal de Antofagasta. Ahí estaremos presentando junto a Iván Álvarez de Araya esta comedia romántica sobre dos vecinos solterones, cuarentones, que parecieran odiarse, pero sienten una gran atracción”.
El Tour Nacional Teatro Mori Entel 2018 comenzó en abril en La Serena, en mayo pasó por Valparaíso, en junio por Rancagua y finalizará su recorrido en agosto en la Región de Antofagasta.
El Nescafé de las Artes volverá a proyectar los títulos del National Theatre de Londres. En este ciclo: Yerma, Frankenstein, Julie y King Lear.El Teatro Nescafé de las Artes volverá a proyectar, por quinto año consecutivo, el ciclo National Theatre Live, las obras más importantes del momento proyectadas desde el National Theatre de Londres, considerado el mejor teatro del mundo, con más de 50 años de programación, por una pantalla gigante full HD, y con subtítulos en español, en el que es considerado un nuevo hito para la escena teatral chilena.
Luego del éxito de convocatoria durante el primer semestre de 2018 con “Follies”, “Young Marx” y “Hamlet”, entre otros títulos, para esta edición tiene contemplado: “Yerma”, programada para el miércoles 29 de agosto, es una adaptación de la obra de Federico García Lorca en la que Billie Piper (Penny Dreadful, Great Britain) vuelve a su papel galardonado con el premio Evening Standard a mejor actriz.
Completan el programa, “Frankenstein”, dirigida por el ganador del Oscar, Danny Boyle (Trainspotting) y con Benedict Cumberbatch como protagonista, el 30 de octubre; “Julie”, con Vanessa Kirby (The Crown, Un tranvía llamado Deseo), como actriz principal y “King Lear”, el martes 15 de enero, con el premiado Ian McKellen (Gandalf en El Señor de los Anillos y El hobbit y Magneto en X-Men) en el rol protagónico.
Según expone a Diario Financiero Andrea Gutiérrez, directora de programación del Nescafé de las Artes, “tenemos un público cautivo, que ha ido creciendo”.
“Uno de los aspectos que nos tiene más contento es que el público nos ha acompañado, ha valorado lo que significan estas producciones que no llegan a giras hasta Latinoamérica y nos mantiene conectados con los lenguajes teatrales. No es sólo un público erudito, es abierto, porque la selección de grandes piezas, acompañada con grandes actores, hace que de distintos lados se acerquen. El balance es muy positivo”, afirma.
Desde Bruce Springsteen y Kanye West, hasta Christina Aguilera y Erykah Badu, los grandes del rock, el pop y el rap se unen con sus hijos y demuestran que el legado sigue vivo.
Destacan por ser de los más exitosos en la industria de la música y ahora mostraron a sus herederos. Kanye West, Christina Aguilera, Nicole Richie y más iconos de la música posaron junto a sus hijos en la edición de septiembre de Harper’s Bazaar, como parte de la publicación, ICONS: The First Families of Music(Iconos: Las primeras familias de la música).
Fueron retratadas por el fotógrafo Mario Sorrenti para un edición especial en la que también hablaron sobre los sueños que proyectan en sus hijos, algunos de ellos todavía pequeños.
«Espero que mis hijos nunca pierdan su confianza en la sociedad», declaró West sobre su hija Chicago, de 6 meses, y sus otros dos hijos: Saint, de dos y medio y North de cinco.
Posando con sus hijos Summer Rain, que cumple 4 el próximo mes y Max Liron, de 10 años, Christina Aguilera comparte: «Me encanta ser mamá oso y brindar apoyo, fortaleza y un refugio seguro a mis bebés y seres queridos, sabiendo que, por encima de todo, es el trabajo más importante que tengo».
Lionel Richie quiere que sus hijos, incluida su hija Nicole, quien junto a él en la revista, «descubran quiénes son y exploren sus pasiones al máximo».
«Mi padre y yo haremos cualquier cosa por reír», declaró Nicole.
Por otro lado, el cantante Bruce Springsteen dice que el mejor consejo que le ha dado a su hija Jessica es que «mantenga su enfoque en lo que realmente le importa».
La edición ICONS de Harper’s Bazaar también incluye apariciones de las hijas de Keith Richards, Theodora y Alexandra, a Steven Tyler y su hija Liv, además de la hija del fallecido Michael Jackson, Paris.
Hace 20 años la vida era distinta: Chile jugaba el Mundial de Francia, detenían a Pinochet en Londres, la gente veía por primera vez cómo Gohan mataba a Cell por televisión abierta, y en el rock, una de las tendencias que cobraba más fuerza entre los seguidores chilenos era el power metal europeo.
Uno de los lanzamientos más recordados de esa oleada fue el de los italianos Labyrinth con su disco “Return to heaven denied”, en pleno 1998. Aprovechando la fuerza que habían cobrado fenómenos como el de Rhapsody, fue muy bien recibido por estos lados y así se notó después cuando vinieron por primera vez, el año 2000.
Ahora es 2018 y es momento de que Labyrinth vuelva, celebrando los 20 años de “Return to heaven denied”. La fecha elegida es el miércoles 5 de septiembre en el Club Blondie, donde lo estarán tocando completo. En la espera, llamamos al guitarrista Olaf Thörsen, guitarrista, co-fundador y líder del grupo, quien respondió nuestras inquietudes.
-Olaf, un gustazo. ¿Cómo los tiene este regreso?
-Estoy súper feliz. Me gusta Chile, yo viví en Chile, para mí es como mi segunda casa. Y tocar ahí después de 18 años, ha sido un tiempo tan largo, así que realmente estoy feliz.
-Exactamente, viviste acá un tiempo, ¿podrías contar cómo fue esa estadía?
-Viví muchos años. Desde el 2003-2004, me iba para allá unos tres o cuatro meses cada año, cada verano. Así que me siento muy conectado, Chile es mi segundo país, soy hincha de la Selección. Los otros integrantes de la banda también están felices porque las otras veces que hemos ido fueron siempre espectaculares. Como público y personas son bastante calientes, al igual que todo Sudamérica, pero tienen algo particular. Caliente pero respetuoso al mismo tiempo. Una atmósfera muy amigable que nos gusta mucho.
-Qué bueno saberlo, siempre bienvenido por acá. Esta vez llegan con los 20 años de “Return to heaven denied”, ¿qué significa para ustedes esta celebración?
-Es algo difícil de explicar, porque de verdad para nosotros es un álbum importante, pero también hicimos muchos otros que nos gustan. Y ver que este álbum tiene tanta trascendencia para los fans es algo inexplicable. Claro que es un buen álbum, me gusta, yo lo escribí, pero los que lo hicimos no podemos decir por qué funcionó como funcionó. Si tuviera una respuesta, lo haría de nuevo (risas). Lo hicimos cuando éramos veinteañeros y todavía nos lo piden para tocarlo. Cuando empezamos a hablar de un show en Chile, no teníamos la idea de hacer un concierto especial. Pero nos pidieron hacerlo y lo vamos a hacer con mucho gusto.
-Pero también tienen música nueva. El año pasado sacaron el disco “Architecture of a god”, el primero después de 7 años. ¿Cómo ha sido todo ese proceso?
-Es un álbum muy importante para nosotros, también vamos a tocar canciones de ahí. Para mí tiene la misma importancia que un álbum como “Return to heaven denied”. Claro, los tiempos son diferentes, hoy todo se quema muy rápidamente, por internet y lo digital. Pero para mí tiene la misma fuerza e importancia de lo que hacíamos hace 20 años.
-Este 2018 también sacaron un registro en vivo, “Return to live”. ¿Es similar a lo que veremos en persona, para ir aprontándose?
-Sí, el DVD son solamente las canciones de “Return to heaven denied” más una extra. Ahora en el concierto en Santiago vamos a tocar muchas más canciones. La parte de “Return…” es tal cual porque es el álbum entero, pero el resto será diferente. Ese fue un show muy particular, fue el primero que hicimos con la nueva formación. Fue algo extraño, porque fue tocar el disco con la mitad de los músicos originales junto a los que venían llegando. Pero lo hicimos con mucho gusto, fue increíble ver al público. Gente que llegó desde Brasil, desde Japón, desde Rusia. Como te decía, todavía no entendemos por qué a la gente le gusta tanto este álbum.
-Quizás es parte de la magia no saber cómo se dan estos sentimientos que provoca la música.
-Es algo que no es matemático. No hay una fórmula. A veces haces una canción que para ti es la mejor y al público no le gusta. A veces haces algo que no tiene ninguna diferencia con la anterior, y la aman. Te diré qué es lo que creo: “Return to heaven denied” salió en un período en que todavía no había tomado tanta fuerza internet. Teníamos un fans club a fines de los 90 y había muchos fans que nos escribieron para dar gracias por ese material, porque habían escuchado tal o cual canción en un momento especial, “conocí a mi polola”, cosas así. Creo que la razón de que la música permanezca es porque está conectada con sentimientos de nuestra vida real. Eso es.
-Hablando de recuerdos, ¿cómo recuerdas la primera vez de la banda en Chile hace 18 años? ¿Se sorprendieron de encontrar tantos y tan efusivos fans a este lado del mundo?
-Sí, fue algo increíble, la primera vez que como banda tocamos en Sudamérica. Fue una gira larga, como de 40 días. Y desde el primer día que llegamos a Chile fue algo especial. La gente fue muy amigable, como te decía, caliente pero respetuoso. A esas alturas uno ya está cansado y no tiene muchas ganas de hacer cosas, pero todo allá fue muy divertido. De esa manera Chile permaneció en los corazones de nosotros. Fue muy importante y de verdad todos los que están de esa época están felices de tocar ahí nuevamente.
-Estamos hablando de una época en que el power metal italiano estaba con todo. ¿Cómo ves ese movimiento en retrospectiva, y cómo ves que sigue hasta hoy?
-Suelen preguntarme por qué muchas de esas bandas de esa época no continuaron, qué pasó. La verdad es que hay muchas bandas que han salido desde Italia y hacen buena música. Lo que yo creo es que demasiadas bandas no intentaron hacer algo nuevo. No es un problema solamente del power metal italiano, sino de todos lados. Durante cinco o seis años salieron álbumes muy buenos y fuertes, pero casi siempre la misma cosa. Eso cansa cualquier movimiento. Pasó también en otra época con géneros como el thrash, el death o el black metal. Cuando un género aparece, provoca interés por la novedad. Y si no va ofreciendo algo nuevo, irá bajando la atención. Ahora parece que de nuevo está subiendo el interés, porque algo cambió: muchas bandas, como nosotros, se están convirtiendo en algo más progresivo. Progressive Power Metal. Que simplemente significa traer algo nuevo y mezclarlo con el power metal. Al público le gusta “Return to heaven denied”, pero no sería interesante grabar lo mismo cada año.
-Absolutamente. Decías al principio que eres hincha de la Selección Chilena de fútbol, ¿te gusta mucho ese deporte? Lamentablemente este año ni Chile ni Italia estuvieron en el Mundial, no tuviste por dónde.
-Sí, desafortunadamente no tuve equipo (risas). Soy fanático, jugué como arquero. De Chile me gusta Colo Colo, tengo muchas camisetas y a veces me han sacado fotos tocando con ella. Para mí es una manera de acercarme un poco a ese magnífico país que todavía quiero mucho.
-Y de Italia, ¿cuál es tu equipo?
-Atalanta. Un pequeño club con una historia muy larga, no ganamos mucho pero me gusta la idea de un equipo pequeño, porque cuando ganas algo es más fuerte y valioso que cuando lo hace un club grande que siempre gana todo como Real Madrid o Barcelona. Para mí no hay gracia en ganar como el Barcelona, porque tiene la plata, los mejores jugadores, tiene todo. No se me hace interesante así.
-Adhiero totalmente. Terminemos con esa sabia reflexión. Muchas gracias, Olaf.
-Gracias a ustedes, nos vemos el 5 de septiembre en Santiago.
Las entradas para ver a Labyrinth en el Club Blondie, con las bandas invitadas Valinor Excelsior (Colombia) y los nacionales Invasión y Drake, están por sistema Ticketek y tiendas Hites, sin recargo en tienda The Knife (Eurocentro) y tienda Rock Music (Portal Lyon).
Cada viernes, en un pedazo de acera de la ciudad de Kut bañada por el río Tigris, Jaled al Atbi y el puñado de actores aficionados de su compañía se apropian de la corrupción y otros problemas sociales que sacaron recientemente a las calles a miles de iraquíes.
El objetivo de esta pequeña compañía teatral, nacida hace menos de dos años, es sacar a la luz las peculiaridades de los dirigentes del 12º país más corrupto del mundo, pero también ofrecer una cita cultural a los habitantes del sur agrícola y tribal del país.
“El teatro es un mensaje”, explicó a la AFP Jaled al Atbi, de 42 años, director y a menudo también actor de la troupe. “Con nuestras sátiras denunciamos lo que consideramos negativo, como la corrupción, la falta de servicios públicos y las tradiciones tribales”, que conducen a conflictos a veces mortíferos.
Los sobornos, el despilfarro del Estado, la atribución de cargos de funcionario por políticos clientelistas, son algunos de los problemas que Jaled y sus amigos, como la gran mayoría de los iraquíes, dicen sufrir a diario.
Para satisfacer las necesidades de su esposa y de sus dos hijos, el propio Jaled terminó por resignarse a ingresar en la policía, al no poder conseguir uno de los anhelados puestos de funcionario tras sus estudios de magisterio.
Contar la verdad
En el sainete de este viernes, encarna a un funcionario de la administración forzado a formar equipo con colegas incompetentes, pero nombrados porque son miembros de partidos influyentes.
En el círculo de curiosos que se forma en torno al “escenario” -una mesa en la que está sentado Jaled y un poco de espacio alrededor-, las miradas son atentas y las sonrisas o muecas parecen un reflejo de los recuerdos de la relación de cada uno con la administración pletórica y burocrática.
“Nuestro público es muy receptivo porque sabe que lo que contamos es verdad”, asegura Jaled, cuya compañía consta de siete actores, entre ellos una mujer.
El grupo recibe a veces insultos y críticas, sobre todo en las redes sociales: “¡Exageran!” o “¡Cesen de insultar a los partidos y los dirigentes!”, cuenta Jaled.
Abu Alí, un maestro de 48 años que no se pierde ninguna representación, cree que con estas obras “se puede interpelar a los dirigentes y solucionar problemas sociales”.
Desde finales de 2016, el grupo puede presumir de varios éxitos.
Gracias a sus representaciones, el ayuntamiento tuvo que lidiar con el problema de los desechos en Kut, donde ahora hay una recogida de basuras regular y la ciudad está mucho más limpia, explican Abu Alí y otros habitantes.
Pero lo que la troupe trae cada viernes es un desahogo.
Porque los espacios de expresión cultural son escasos en Kut, capital de la provincia de Wasit fronteriza con Irán, como señala Karim al Bahadli, que viene a declamar cada viernes su poesía.
“Soplo de aire fresco”
Rebautizado “Calle de la cultura del Tigris”, este rincón de Kut en el que jóvenes libreros ofrecen sus obras en un puñado de mesas es el único “soplo de aire fresco” para “la gente de cultura de la provincia de Wasit”.
Aquí, continúa este peluquero cuarentón, “expresan sus sentimientos”. Un proceso necesario, estima, para los “iraquíes que no pueden más” en un país devastado por conflictos repetitivos desde hace casi 40 años.
El hartazgo adquirió en los últimos tiempos proporciones que parecen haber preocupado a las autoridades. Tras años de guerra, las reivindicaciones sociales aumentan en un país minado por el desempleo y la pobreza.
Miles de iraquíes han desfilado en numerosas ciudades del sur contra la corrupción y la mala gobernanza, temas que la pequeña compañía de Jaled ya había escenificado.
Antes de las elecciones legislativas del 12 de mayo, recuerda Jalal al Shati, actor el viernes y periodista el resto de la semana, la troupe registró “su mayor éxito”.
En una obra, Jaled, Jalal y los demás se burlaron de políticos imaginarios, uno que prometía el paraíso a sus electores, otro establecimientos de bebidas bien surtidos, cuenta este hombre de 46 años a la AFP.
Por supuesto, no citaban ningún nombre. Pero el aire entendido del público parecía indicar que todas las historias estaban basadas en hechos reales. Y que cualquier parecido con personas verdaderas, vivas o muertas, no es pura coincidencia.
La cantante desplegará un show con lo mejor de su trayectoria, en la previa al lanzamiento de su nuevo álbum “A Dúo”.
Si bien a fines del año pasado Cecilia Echeñique estuvo en la capital regional al frente de un coro infantil interpretando villancicos, desde hace muchos años que no se daba la instancia de venir a la ciudad para presentarse en solitario y desplegar su repertorio de corte más popular.
Y qué mejor que hacerlo en el contexto de la celebración de sus 30 años de carrera musical, prometiendo un concierto de larga duración con sus temas más queridos y reconocidos por el público.
“Estoy muy entusiasmada con este concierto, ya que hace tiempo que no voy a presentar lo mío, un recorrido por mis canciones más importantes como ‘La cigarra’, ‘Como voy a renunciar a ti’, ‘Todo cambia’, ‘Secreta intimidad’, entre otras. Son todos temas que están dentro de mis 16 álbumes, pero además, y dándole un toque más dinámico, hablo un poco de cómo se generaron dichas melodías, sus anécdotas”, detalló la cantante.
Tres décadas de música que han pasado casi volando, y de los cuales Echeñique rescata que “uno como artista aspira a ir dejando huellas en el repertorio nacional, y sobre todo en las personas, por lo que siento que sí algunas de mis canciones han marcado de alguna manera, lo que me hace sentir feliz y que mi senda musical no ha sido en vano. Que están en el inconsciente colectivo y que han traspasado generaciones”.
Los valores de las entradas para ser testigos de este concierto, van de los $7.000 a $15.000 incluye ingreso al Casino.
Un trabajo para celebrar
En línea con la celebración de estos 30 años, Echeñique grabó el álbum “A Dúo”, para el cual tomó 11 de sus temas más emblemáticos y los reversionó con diversos artistas nacionales como Nano Stern, Paz Court, Benjamín Walker -su hijo menor- Gepe y Denise Rosenthal, entre otros.
“Lo más lindo es que escogí a artistas de distintas generaciones con quienes no había trabajado con anterioridad. Además, la gracia que cada una de las canciones fueron producidas por cada uno de ellos, es decir, cada tema viene desde la mirada musical de los invitados, lo que les da una personalidad nueva, y a la vez sin perder la esencia”, destacó Echeñique.
Seis de las más destacadas participantes de las primeras generaciones del programa Rojo Fama Contrafama se unieron para desarrollar un espectáculo que conjuga elementos del teatro, la danza y la música.En Corazón Rojo… al ritmo de la vida, Maura Rivera, Daniela Castillo, Leticia Zamorano, Carolina Soto, María Isabel Sobarzo y Paulina López mostrarán su arte en dos shows en el Teatro Oriente, pactados para el 25 de agosto.
“En este montaje podrán ver una producción de primer nivel, con un escenario al estilo Broadway, música en vivo, con iluminación y proyecciones audiovisuales increíbles y con un guion también súper trabajado, donde el público va a bailar, se va a emocionar y se va a identificar con nosotras”, señala Maura Rivera.
En Corazón Rojo… al ritmo de la vida, las cantantes y bailarinas repasarán hitos desconocidos de sus carreras, con los que el público descubrirá historias de “amistad, superación y perseverancia”.
Colegas y amigas
Un relato donde, al ritmo de la música y cuadros de danza y canto, se dará cuenta de una amistad que trascendió al tiempo y los escenarios, y que ahora, en una etapa diferente de sus vidas, siguen unidas por la misma pasión y sueños.
Maura Rivera, Leticia Zamorano y Daniela Castillo, creadoras del musical y socias de la productora Musifem, indican que ya se están cerrando otras fechas para Santiago, regiones y casinos.
“(Es una) oportunidad imperdible para ver un espectáculo familiar que incluye música de todos los tiempos y diferentes estilos de baile, bajo una excelente dirección y cuidando hasta los más mínimos detalles para lograr una producción de nivel internacional”, contó Rivera.
La producción de este musical, cuya preparación duró casi un año, es de Musifem y cuenta con la coproducción de Teatro Oriente y el patrocinio del Ministerio de las Culturas. La dirección y dramaturgia, en tanto, están a cargo de los actores Javiera Hernández y José Palma.
Corazón Rojo… al ritmo de la vida se presentará el sábado 25 de agostoa las 20:30 horas en Teatro Oriente, y el domingo 26 de agosto a las 17:00 horas.
Coordenadas
Av. Pedro de Valdivia 99, Providencia.
Valores desde $12.000 hasta $25.000 (valores más cargo por servicio).
Sistema Puntoticket.
Los grandes nombres de la industria musical obtienen la mayoría de sus ingresos de sus giras, según una encuesta de la revista estadounidense Billboard.
Según una encuesta de la revista estadounidense Billboard, los grandes nombres de la industria musical obtienen la mayoría de sus ingresos de sus giras.
Nombres como el grupo irlandés U2, Bruno Mars, Metallica y Lady Gaga son unos de los que más ganaron en Estados Unidos en 2017.
Conoce a continuación el listado de los 20 músicos que lideran las ganancias:
20. Bruce Springsteen con US$ 18.5 millones. Springsteen cambió los estadios por el Teatro Walter Kerr con capacidad para 975 espectadores, pero aun así sigue conquistando a los Money Makers entre los primeros 20. Aunque técnicamente no es una gira, su (la mayoría) muestra individual con música, Springsteen en Broadway , se ha extendido tres veces y se convertirá en un especial de Netflix. (Foto: AFP)
19. Eric Church recaudó US$ 19.4 millones. Con 47 fechas, Holdin ‘My Own Tour se embolsó casi $ 17 millones. También es uno de los cuatro artistas de country que generaron más de la transmisión ($ 927,000) que las ventas ($ 787,000) en 2017 y se llevaron a casa la tercera mayoría de las regalías editoriales en el género. (Foto: USA Breaking News)
18. JAY-Z alcanzó los US$ 19.8 millones. Hova , quien lanzó su disco confesional 4:44 en 2017, alcanzó 776 millones de transmisiones el año pasado y recaudó $ 5.9 millones en derechos de música grabada. (Foto: AFP)
17. Paul McCartney recaudó US$ 20.5 millones. Tal como lo hizo en 2017, McCartney finaliza entre los primeros 20, aprovechando sus frecuentes giras y su catálogo post- Beatles . También se beneficia de tasas de regalías particularmente altas por su corte del repertorio perennemente popular de The Fab Four. (Foto: AFP)
16. Florida Georgia Line recaudó US$ 20.9 millones. Es un dúo de música country estadounidense formado por los vocalistas Tyler Hubbard y Brian Kelley . Su sencillo debut en 2012, » Cruise «, que sigue siendo su canción más popular, batió dos récords de ventas: se descargó más de siete millones de veces, convirtiéndose en la primera canción country en recibir la certificación Diamond , y se convirtió en la versión digital más vendida. (Foto:AFP)
15. Luke Bryan con US$ 21 millones. Bryan nació en Leesburg, Georgia. A la edad de catorce años, sus padres le compraron su primera guitarra, y después de aprender a tocar, se unió a varias bandas locales y comenzó a actuar en clubes locales. (Foto: Michael Ciaglo, Staff)
14. Red Hot Chili Peppers recaudó US$ 21.6 millones. Para un acto de patrimonio, los Chili Peppers generaron una considerable cantidad de 738.6 millones de transmisiones en 2017, lo que se traduce en US$ 1.4 millones en ganancias. La banda también fue el No. 12 en gira en los Estados Unidos el año pasado. (Foto: AFP)
13. Kendrick Lamar con US$ 21.7 millones. El rapero que más ganó en 2017 fue Lamar que obtuvo US$ 9.5 millones en derechos de registro y publicación, el quinto más alto en esta lista. (Foto: Getty)
12. The Weeknd recaudó US$ 23.3 millones. Abel Tesfaye salta 30 lugares de la lista del año pasado para convertirse en el segundo ganador entre los artistas de R & B / hip-hop y una superestrella de la era de la transmisión, con US$ 3.8 millones en regalías. Está en el top 10 de ventas de pistas digitales, transmisiones por demanda y giros de radio. (Foto: AFP)
11. Tom Petty & The Heartbreakers con US$ 23.4 millones. La gira del 40 aniversario de la banda, que se realizó solo semanas antes de la sobredosis fatal de opioides de Petty en octubre pasado, representó el 85% de sus ganancias totales. Un aumento en el consumo de la música de Petty después de su muerte generó US$ 3.6 millones en royalties sin contrato. (Foto: AFP)
10. Coldplay recaudó US$ 26.5 millones. Terminó 2017 con una cartera completa de flujos de ingresos. Vendió más de 2.2 millones de pistas digitales y fue una de las cuatro bandas de rock que superaron los mil millones de transmisiones, lo que ayudó a impulsar sus regalías totales de música grabada al norte de los $ 4.1 millones. (Foto: AFP)
9. Roger Waters con US$ 27.2. Los $ 1.3 millones en regalías de ventas de Waters son atribuibles, en parte, a su participación en el catálogo de Pink Floyd , que pertenece a la banda y se calcula a una tasa de regalías más alta, dado el estado del acto patrimonial del grupo. (Foto: AFP)
8. Guns N ‘Roses recaudó US$ 27.8. Axl Rose , Slash y Duff McKagan silenciaron a los escépticos que dijeron que su Tour Not in this Lifetime no resultaría. Capturó $ 25.9 millones en 2017, y un saludable 39% de las regalías totales de música grabada de GNR fueron de transmisión. (Foto: Zimbio)
7. Billy Joel con US$ 29.2 millones. A pesar de haber lanzado su última grabación de estudio en 2001, su catálogo ganó más de US$ 1.8 millones en total de las regalías. (Foto: AFP)
6. Lady Gaga con US$ 29.7. Lanzó su último álbum, Joanne , en 2016, por lo que no sorprende que sus ventas de música grabada en 2017 hayan sido relativamente reducidas. Las ventas de pistas digitales, que totalizaron 2.3 millones de descargas, fueron más fuertes. (Foto: AFP)
5. Ed Sheeran con US$ 31.3. Encabezó el Billboard Hot 100 dos veces en 2017 con «Perfect» y «Shape of You», fue el artista más jugado en la radio terrestre, con 1.9 millones de vueltas. También obtuvo el tercer lugar en regalías de grabación y publicación de música, US$ 11.5 millones. (Foto: AFP)
4. Bruno Mars reucaudó US$ 40.7 millones. Es el mejor actor de R & B / hip-hop, el segundo artista más jugado en radio terrestre (con 1,8 millones de vueltas), el No. 3 intérprete en vivo y No. 7 en regalías de transmisión (2.6 mil millones de transmisiones). (Foto: AFP)
3. Metallica con US$ 43.2 millones. Estos monstruos de metal fue el número uno en regalías de música grabada gracias a las ventas de 1.4 millones de copias de álbumes. (Foto: Creative Katarsis)
2. Garth Brooks con US$ 47 millones en sueldo neto. La gran actuación de Brooks es casi por completo el resultado de su trabajo en la carretera. Concluyó una gira de tres años y medio, de 390 citas, a finales de 2017, y Billboard estima que recaudó $ 137.3 millones ese año. (Foto: CMA)
1. No solo es U2 el mejor fabricante de dinero del 2017. Los veteranos rockeros de Dublín también lideran el ranking este año. La mayor parte de los 54.4 millones de dólares que la banda recaudó provenía de su gira Joshua Tree Tour, que jugó 28 fechas en los Estados Unidos, incluida una ranura en el título del festival de música Bonnaroo. El álbum de U2 2017, Songs of Experience, se incluyó con la venta de entradas para su Tour + Innocence Tour 2018, que lo ayudó a debutar en el No. 1 en el Billboard 200 en diciembre pasado, el octavo top-chart de la banda. (Foto: elnuevodiario)
Un estudio de un servicio de streaming analizó los efectos de la «parálisis musical». Revisa los resultados. ¿Escuchas las mismas canciones una y otra vez en lugar de buscar nuevas canciones? Según un estudio del servicio de streaming Deezer, no estás solo, al menos si tienes más de 28 años.Deezer encuestó a 5.000 adultos en línea en Brasil, Gran Bretaña, Francia, Alemania y Estados Unidos sobre sus preferencias y hábitos a la hora de escuchar música. Y descubrió que la «parálisis musical» -es decir, el fenómeno por el que escuchan principalmente canciones familiares y no se buscan nuevos- ocurre en promedio a los 27 años y 11 meses.
El descubrimiento musical alcanza su punto máximo casi tres años antes: las personas de 25 años escuchan al menos 10 nuevas canciones por semana.
Los brasileños son los que alcanzaron la parálisis musical más temprano, a los 23 años y dos meses de edad, mientras que los alemanes permanecieron curiosos por más tiempo, alcanzando la parálisis a los 31 años.
Una mayoría de los encuestados de todos los países dijo que deseaba poder encontrar más música nueva.
Los horarios de trabajo exigentes fueron la principal razón por la que dijeron haber dejado de descubrir nueva música, aunque también mencionaron el cuidado de los hijos y la sensación de estar abrumados por la elección musical.
Deezer realizó el sondeo para promocionar su herramienta Flow, que recomienda a los usuarios nuevas canciones para descubrir en función de sus hábitos y gustos.
Deezer, un competidor de plataformas de streaming como Spotify, Apple Music y Tidal, tiene su sede en París y tiene 14 millones de usuarios activos mensuales.
El guitarrista se presenta en el Teatro Cariola este jueves 26 de julio.
Una visita ilustre tendremos por estos lados en los próximos días: Al Di Meola, uno de los más grandes guitarristas de las últimas décadas, estará presentándose el jueves 26 de julio en el Teatro Cariola. Trae su último “Opus”, lanzado este año, y sus más de 30 años de carrera. En la espera, nos comunicamos con él para saber un poco más de cómo viene esta vez.
-Hola Al, un gusto tenerte una vez más por acá, esta vez con “Opus”, que según has dicho, es un material que por primera vez escribiste estando feliz. ¿Cómo es eso?
-Bien, normalmente pasaba por dolorosos procesos de aislamiento para terminar los trabajos. Esta es la primera vez que hago música estando tranquilamente casado, con una nueva hija. Estoy en una parte maravillosa de mi vida, ellas me acompañaron en todo esto de escribir la música. No estuve aislado. Muchos discos no estuvieron rodeados del mejor entorno y casi me había acostumbrado a que fuera así por mucho tiempo. No estaba seguro si se podía escribir música estando feliz (risas), esto probó que podía hacer un disco distinto, que tampoco suena como los anteriores. Me tiene muy contento.
-Ya que estás en una nueva etapa de tu vida, ¿se puede decir también que es un nuevo inicio en lo artístico?
-En muchos sentidos. Me he vuelto más un compositor-guitarrista que un guitarrista-compositor. ¿Se entiende? Hay más profundidad en la música, tal vez debido a que han cambiado las condiciones de mi vida, para mejor. Ojalá esto continúe, porque ha resultado bastante provechoso, como nunca antes.
-Eso tiene que ver también con el sentido de evolución que has tenido en toda tu carrera. El constante cambio, ir subiendo niveles…
-Eso ha sido muy importante. No es que uno pueda sentarse y siempre salir con algo nuevo. Es fácil al primer disco, porque no hay nada antes para superar. Pero cuando ya tienes 30 discos, tratar de seguir encontrando una vuelta para algo nuevo es un gran desafío. Quizás en este caso, las condiciones en que me encontraba me llevaron a encontrar música fresca de manera más enfocada.
-En tu trayectoria has trabajado con maestros de la talla de Paco De Lucía, John McLaughlin, Chick Corea, Stanley Clarke, Jean-Luc Ponty… ¿cómo te ha servido el hecho de compartir con tales referentes y por ahí intercambiar aprendizajes?
-Ha sido fundamental, porque significa salir de tu zona de confort. La mía puede ser mi banda eléctrica, con quienes puedo hacer de todo. Pero cuando te juntas con músicos tan reconocidos en sus categorías y tan virtuosos, te pones en una posición de sana competencia que te fuerza a crecer y a aprender más. No puedes echarte a descansar, hay que estar siempre con nuevas ideas. Eso te lo da el roce con otros, tocar con gente buena.
-Acá en Latinoamérica siempre hemos escuchado que la música latina es algo especial, ¿qué ha significado para ti en tu formación?
-Un tremendo aporte. Siempre he estado muy influenciado por la música brasileña y fui uno de los primeros en incorporar influencias del tango, gracias a mi asociación con la música de Piazzola. Creo que introduje a Piazzolla a un público mayor en Estados Unidos y eso se empezó a meter también en mi propia música. En lugares de Europa se hizo muy gravitante esa combinación, por el sentimiento que transmite. Esto no es sólo una cosa intelectual, sino que también viene del corazón. En comparación con el jazz, que muchas veces es muy intelectual. La influencia de músicos sudamericanos como Egberto Gismonti o Piazzolla, jugaron un rol muy importante en expandir mi mente. Le estoy muy agradecido a Sudamérica por toda esa influencia. Hay mucho más por descubrir, me tomaría otra vida por descubrir todo. En Chile también hay grandes músicos, uno siempre va encontrando. Así que bueno, así como para John McLaughlin la música de la India fue muy inspiradora, para mí ha sido la de Sudamérica.
-Por último, ya pensando en el show, ¿qué se puede esperar?
-Vamos a presentar unas cuatro o cinco canciones de “Opus”, también otras de discos anteriores, cosas de Piazzolla, cosas de Lennon-McCartney… algo bien balanceado que estoy seguro que al público le encantará.
Si no se quieren quedar fuera de esta cita, las últimas entradas están por sistema Puntoticket, tiendas Hites, Cinemark y Audiomusica, con precios de $28.000 a $67.200.
El 20 de julio de 2017 recibimos la noticia del suicidio del músico estadounidense. Acá recordamos «Hybrid theory», la obra que se convirtió en el debut más vendido del siglo XXI.
«¿Por qué seguimos hablando de ‘Hybrid Theory’? Fue hace más años que el demonio. Es un gran disco, lo amamos. Pero es hora de que superen esa mierda». En esos términos, el fallecido vocalista de Linkin Park, Chester Bennington, se refería al álbum debut de la banda californiana. El sexteto se aprontaba al lanzamiento de «One more light» (2017), su último trabajo discográfico, y sus seguidores no estaban muy contentos con el giro hacia el pop electrónico, reinventado una y otra vez, que había dado el conjunto.
Linkin Park al comienzo de su carreraLinkin Park
«Hybrid theory» fue un álbum generacional. Para aquellos que nacieron entre el año 1985 y 1992, ese disco fue probablemente el ícono de su primer acercamiento al rock contemporáneo. Tus padres escuchaban a The Beatles, Led Zeppelin o Black Sabbath; tus primos o hermanos mayores a Nirvana, Soundgarden y Pearl Jam; tú escuchabas a Linkin Park.
El primer golpe de la banda comandada por Mike Shinoda y el propio Bennington era rabioso, una explosión de furia y energía adolescente, esos que en el año 2000 se sentían solos, apartados y desencajados dentro de la sociedad. De allí nacieron, al menos, cuatro clásicos instantáneos (todos singles) como «Papercut», «One step closer», «Crawling» e «In the end» como la más representativa.
La portada del disco «Hybrid theory» de Linkin ParkLinkin Park
Además, Linkin Park fue uno de los grupos más destacados por MTV y el resto de los canales de música de aquel entonces. También de las radios alrededor del mundo. Ni siquiera eran exclusivos de las emisoras que concentraban la escena rockero. De hecho, en Chile, su segundo disco «Meteora» (2003) fue parte de la banda sonora de una teleserie juvenil.
Todo ese aparataje comercial detrás de los hombres de «Points of authority» llevó a «Hybrid theory» a convertirse en el debut más vendido del siglo XXI y en uno de los 10 discos más vendidos de la década pasada, el único considerado como rock dentro de ese listado.
Luego de confirmarse el suicidio de Bennington a los 41 años, los fans y seguidores de la banda apuntan directamente a las letras de sus ídolos, como una manera de intentar responder las interrogantes de una muerte que se siente casi familiar. Si así fuese, el primer álbum de Linkin Park estaba plagado de referencias a los fantasmas internos del vocalista.
Foto de homenaje a Chester BenningtonLinkin Park
Si bien el músico no era el compositor principal —Shinoda cumplía esa función—, frases como «Hay algo dentro de mí que jala por debajo de la superficie/ Consumiendo, confundiendo/ Esta falta de autocontrol temo que nunca acabe» en «Crawling» o «Es como que estoy paranoico mirando detrás de mi espalda/ Es como un torbellino dentro de mi cabeza/ Es como que no puedo detener lo que escucho adentro» en «Papercut», pueden asociarse a un músico que padeció problemas con las drogas y el alcohol y que, incluso, dijo en alguna oportunidad que había pensado en el suicidio como salida posible después de haber sido abusado por un hombre mayor cuando él era un niño.
De una u otra forma, las cifras y el impacto cultural dentro de una generación le hizo un espacio a «Hybrid theory» y a Linkin Park dentro de la historia del rock.
*Este artículo fue originalmente publicado el 20 de julio de 2017, el mismo día de la muerte de Chester Bennington.
Entre el 14 y el 29 de julio se realiza la 11 versión del Teatro Familiar Famfest, organizado por el Centro Mori y que s desarrolla bajo el concepto de “Un festival de historias”. En esta ocasión, el evento, que como siempre es un atractivo panorama en vacaciones de invierno cuenta con 8 estrenos internacionales, 7 nacionales y el remontaje de 12 obraschilenas –4 de ellas de regiones– aplaudidas en su paso por la cartelera.Una selección de espectáculos de alta calidad artística, nacionales e internacionales, reúne en total 27 obras de 9 países: Bélgica, Italia, España, Ecuador, México, Colombia, Argentina, Brasil y Chile. Una muestra excepcional, donde las historias y las técnicas utilizadas ofrecerán una experiencia única e imperdible para las familias asistentes.Andrea Pérez de Castro, directora de festival, dijo que ya consolidado por lo que cada edición nos demanda entregar el mejor teatro de calidad para niños y adolescentes junto a sus familias. Consideramos que el teatro es el medio idóneo para la sana diversión y para la formación y educación de niños, niñas y jóvenes, es por eso que también las temáticas que se ponen en escena tienen gran relevancia. Nos llena de orgullo ver cómo el festival ha ido creciendo, posicionándose como el único en su género en Latinoamérica”.
De ahí que todos los años se busque marcar hitos, por lo que en este 2018 se realiza la 1ª Expo Escena Familiar, un encuentro de artistas y programadores nacionales e internacionales, entre el 17 y 22 de julio.
Además, esta edición tiene una extensión gratuita en las comunas de Quilicura y La Pintana, además de una serie de talleres con entrada liberada.
Las 11 salas capitalinas que albergan las obras son Mori Parque Arauco, Mori Bellavista, Mori Vitacura, Mori Plaza Vespucio, GAM, Matucana 100, Teatro Municipal de Santiago, Teatro UC, Teatro Finis Terrae, Teatro ICTUS y Sala Pleimóvil.
Desde España llega “Piedra a Piedra”, multipremiada obra de la compañía Teatre l’Home Dibuixat que ha sido galardonada, además de en su país de origen, en Polonia, Serbia, China, Croacia y Rusia, entre otros lugares. Esta propuesta busca despertar la imaginación de los niños y niñas a través de los objetos inanimados, planteando que las piedras guardan un mundo de posibilidades.
Por primera vez se presentará Bélgica, con “Ma tache” (Mi mancha), un espectáculo de teatro de sombras de la compañía O Quel Dommage. Un viaje visual y sin palabras donde la sombra se revela a través del juego y el poder de lo imaginario.
Italia, en tanto, trae a “Hanà e Momò”, un espectáculo de Principio Attivo Teatro, donde dos niñas separadas por un espacio circular de arena se encuentran y juegan creando lugares imaginarios. Un desafío donde estas dos amigas-oponentes tratarán de sorprender y superar la creatividad y habilidades de su contrincante.
México también estará presente con “Zapato busca a Sapato”, teatro de títeres de La Máquina de Teatro donde también participaron de su creación artistas de Brasil y Mozambique, que cuenta con el apoyo del programa Iberescena. A través de algo tan sencillo como un zapato, esta fábula crea un enlace con historias de migración y encuentros inesperados llenos de humor y poesía.
Desde Ecuador llega “El país de la canela”, propuesta de teatro circo y música en vivo, de la compañía Círculo de Artes Escénicas bajo la dirección del chileno Francisco Sánchez, de Tryo Teatro Banda. A través de la aventura de tres juglares se busca poner en valor el patrimonio intangible, tradiciones e historia ecuatoriana.
Otro montaje con similar objetivo es “Lara, o encanto das aguas”, proveniente de Brasil. La agrupación Lumiato Teatro de Formas Animadas trabaja el teatro de sombras, inspirado en la leyenda de la sirena brasileira, Iara, que busca sensibilizar al público infanto-juvenil sobre los saberes de tradición oral de los pueblos originarios de Brasil.
“Flotante” es la propuesta de Argentina, donde Azul Borenstein y Natalia Chami llegan con una instalación sensorial de marionetas en el aire y música original en un espectáculo especial para primera infancia. Una experiencia que invita a sumergirse en un universo onírico donde fauna marina y astros brillantes y coloridos conviven.
Por último, Colombia llega con “Clownti”, obra de marionetas del grupo Jabrú. Una propuesta que quiere rescatar el espíritu lúdico de la niñez a través de la historia de un niño que encuentra dentro de su maleta un traje de clown que le ayuda a reír, recordar y sentirse acompañado del público.
REMONTAJES NACIONALES
La cartelera local, en tanto, incluye 7 nuevos espectáculos pensados para toda la familia. Por primera vez Centro Mori presenta una producción familiar en el festival con “Alicia, Peter y El Grúfalo nos cuentan cuentos”, donde los actores Héctor Morales, Andrea García-Huidobro y Omar Morán narrarán los cuentos de Lewis Carroll, Beatrix Potter y Julia Donaldson, apoyados por un dibujante que irá ilustrando el relato en vivo.
El destacado director Patricio Pimienta trabaja con su familia (esposa y dos hijos) en la obra “Hacia dónde van los viejos”, montaje realizado con la milenaria técnica Kamishibai (teatro de papel), donde la historia se presenta a través de dibujos, rituales ancestrales, narraciones y múltiples sonidos y música en vivo.
Jean Paul Olhaberry protagoniza “El mago del fin del mundo”, obra de magia e ilusión que busca revalorizar el formato escénico y la experiencia de las audiencias en torno a la magia, donde esta vez el mago busca llegar al conocimiento ancestral.
Francisco Medina y su compañía Manada presentan “VaLlena 52”, obra de danza para primera infancia que tienecomo protagonista a la ballena 52, extraño cetáceo que navega solo y cuyo canto tiene una frecuencia especial. La pieza cuenta con uso de mapping y tecnología.
También se presenta “En la plaza a Patapelá”, segundo concierto en vivo de Los Patapelá. En esta ocasión el grupo realiza un viaje sonoro y musical por un día de juegos en la plaza del barrio, incentivando los juegos patrimoniales y la reutilización de objetos.
La nueva propuesta de la compañía La Guerrilla, “El Cóndor y la Huemula”, se inspira en el ensayo “Menos Cóndor y más Huemul”, de Gabriela Mistral, teatro de actores y máscaras protagonizado por una moderna Huemula y un anticuado Cóndor.
Además, debutará la obra ganadora del concurso de dramaturgia FAMFEST 2017, “Teo y la Isla del olvido”, del Colectivo Ficción.
Entre los remontajes se cuenta “Pianola para todos”, de Patricio Alvarado; “Kabinete de Madame Forest”, de la compañía Cirkoqoshka; “Pescador”, de Silencio Blanco; “La patrulla de la imaginación”, de Los Pleimóvil; Teatro en la Ruta celebra sus 10 años con “Don Bonifacio, el último organillero” y “La banda Caleuche”; “El último pez”, de Teatro Marote; y “Danzas aladas”, de la compañía Aranwa.
A estos se suman cuatro aplaudidas propuestas de regiones. “El regreso del Chivato”, de la compañía Lumífera de Valparaíso, un cuentacuentos animado e ilustrado en tiempo real; “Manú”, del grupo La Coraje, de la misma ciudad, que cuenta la historia de la niña aymara Manuela Mamani: “Soberanía en el mar, peces no pescados”, de la agrupación Sueños de Maché, también de Valparaíso, que a través de teatro de marionetas muestra la vida bajo el mar; y “Travesía”; del colectivo La Enredadera, teatro de primera infancia desde Concepción.
Existen muchos músicos que dejaron una marca en la industria, pero que lamentablemente murieron jóvenes por situaciones diversas. Complicaciones de salud, adicción a las drogas o accidentes automovilísticos, hicieron que nos dejaran antes de tiempo.¿Pero, cómo se verían hoy, si hubiesen sobrevivido a estos problemas?Esa es la pregunta que se hicieron en Sachs Media Group, una agencia de comunicaciones que, con la ayuda de dos expertos musicólogos y el talento de la compañía de fotografía y restauración Phojoe, decidieron responder.
El proyecto es de 2013, sin embargo, ha resurgido en redes sociales gracias al sitio de entretenimiento Bored Panda.
Las imágenes, creadas utilizando las últimas fotografías oficiales de los músicos e intentando representar lo más fiel posible a sus personalidades reales, ha sido celebrada por los fans de estas leyendas de la música.
El proyecto incluye a figuras como Kurt Cobain, cantante de la banda Nirvana; Jimi Hendrix, quien fue uno de los guitarristas más conocidos de Estados Unidos y Jim Morrison, cantante de The Doors, entre otros.
