Notas destacadas

• En Instituto Francés, Francisco Noguera 176. Metro Pedro de Valdivia.
• Miércoles 16 de mayo, 19.00 hrs.
• Entrada liberada.

El Instituto francés de Chile les invita al encuentro con los dibujantes y escritores Désirée y Alain Frappier, autores de la novela gráfica «Là où se termine la terre» (Allá donde se termina la tierra, 2017). En esta ocasión, compartirán su experiencia en el proceso de creación de esta novela y de su segundo tomo que están realizando en Chile.

Después de esta presentación, se realizará una sesión de venta con dedicatorias de la novela (en francés y español) con la Librairie Le Comptoir.

Désirée y Alain Frappier

Désirée es periodista, guionista y escritora, Alain es pintor, diseñador gráfico e ilustrador. Su novela gráfica, Là où se termine la terre, narra la historia del joven chileno Pedro Atías y de los acontecimientos históricos ocurridos en Chile a partir de 1973. Será publicada en Chile por la editorial Tiempo Robado.

Fuente: http://www.elmostrador.cl/cultura/2018/05/14/encuentro-con-autores-de-la-novela-grafica-la-ou-se-termine-la-terre-en-instituto-frances/

Si bien Mike Patton es conocido por encarnar múltiples proyectos, Mondo Cane es distinto a sus anteriores trabajos. En él, el vocalista rinde homenaje a otros cantautores, una primera ocasión para el front man de bandas tan originales e influyentes como Mr. Bungle, Tomahawk y Fantômas. Sobre este álbum de 11 temas, Patton explica: “Mi propósito es revisitar estas piezas, no para revivir el pasado, no por nostalgia, sino más bien para ilustrar a través de una interpretación moderna y aventurada, cuán vital e importante es esta música”.

Este 8 de septiembre llega Mike Patton a nuestro país con su proyecto Mondo Cane, donde el inimitable vocalista se presenta con una banda, coro y orquesta compuesta por 40 músicos donde Patton homenajea a la música italiana de las décadas del 50 y 60.

Las entradas estarán a la venta por sistema Puntoticket a partir del jueves 26 de abril a mediodía.

Valores

Platea Alta: $ 30.000
Platea Baja numerada: $ 55.000
Cancha $45.000

Fuente: http://www.elmostrador.cl/cultura/2018/04/24/mike-patton-vuelve-a-chile-con-homenaje-a-la-musica-italiana-de-los-anos-50-y-60/

El artista chileno Cristóbal Dabadie (Santiago, 1964), residente en Argentina, lidera un grupo de 39 artistas de ese país que participan en una exposición colectiva en el 4°Encuentro con el Arte 2018 Het Ursulinenconvent Museum Eijsden, en Maastrich, Holanda, a realizarse del 14 al 21 de mayo de 2018.

La exposición se gestó luego que el representante del museo en Latinoamérica, Guillermo van Waalwijk van Doorn, realizara una invitación a Dabadie, profesor de la Universidad Nacional del Arte de Buenos Aires, y éste hiciera extensiva la convocatoria a sus alumnos y exalumnos.

Finalmente se seleccionaron 50 obras de diferentes resoluciones estéticas (figurativas, abstractas) realizadas en diversas técnicas, como óleos, acuarelas, acrílicos, dibujos, pinturas mixtas e instalaciones. Asimismo, 17 de los artistas viajarán a presenciar el evento.

Diversas actividades

«A todos los une el mismo objetivo: buscar espacios de expresión, de creación, de intercambio cultural y de libertad», explica Dabadié. «Esta exposición se constituye en una excelente e inclusiva muestra de una realidad cultural, estudiantil y artística».

El museo, por su parte, ha preparado actividades para compartir y difundir durante los días de la exposición, tales como una clase/taller de una sesión de pintura colectiva abierta a todos los participantes, expositores y visitantes de la muestra, y una conferencia titulada «Procesos Creativos: Conciencia y Revolución”, ambas a cargo de Dabadie.

El artista chileno vive en la ciudad de La Plata, Argentina, desde 2003. Es licenciado en Arte con mención en Dibujo, por la Pontificia Universidad Católica de Chile, en 1990. Ha presentado sus obras artísticas en diversas exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías de Chile y Argentina.

También ha formado parte de equipos de realización escenográfica en el Teatro Municipal de Santiago de Chile y en producciones comerciales para cine y televisión. Actualmente trabaja en su taller artístico particular y además se desempeña como profesor en la ciudad de La Plata.

Fuente: http://www.elmostrador.cl/cultura/2018/05/11/chileno-lidera-exposicion-de-artistas-visuales-en-museo-de-holanda/

Si hay un artista que no necesita presentación, ese es Ozzy Osbourne. Muchos pueden no ser partidarios de sus letras a veces cargadas al oscurantismo o al lado más privado de la personalidad, pero eso no implica que al menos, todo aquel que se diga amante del rock, sepa quién es, aunque sea más por sus excesos típicos de estrellas del rock o sencillamente, la adulación de un público fiel en todo el mundo, ya que, mal que mal, han sido cinco décadas de impactantes acordes de guitarra eléctrica a todo volumen.Así aterriza el denominado “Príncipe de la Oscuridad” del rock en una nueva visita a tierras nacionales y con la que promete será su última gira mundial, pero que no significa bajo ningún punto que es el final de su carrera, de hecho, cuando termine la gira, volverá su atención a la posibilidad de hacer un nuevo álbum: tiene «ocho o nueve buenas ideas para hacer canciones», dice, y dará conciertos a medida que se presenten.

«Es lo que hago», dice con naturalidad. «Es mi trabajo. Y cuando digo: ‘Es mi trabajo’, quiero decir que es una pasión para mí. Es la mejor historia de amor que he tenido, estar en una banda de rock y tocar para la gente que viene a los shows» le decía recientemente a la revista Billboard, tratando de aplacar los rumores de un supuesto retiro programado, tal como pasara en 2016 con la gira “The End” con su icónica banda “Black Sabbath”.

Uno de los detonantes para parar esta frenética carrera, es principalmente su ausencia familiar reiterada, que él siente le ha pasado la cuenta y el desencanto con la caída de las ventas de discos. Aunque eso no significa que su amor por la música no permanezca intacto: «Es para lo que vivo. Si no fuera por la música, probablemente estaría muerto «.

Así es como vemos salir al escenario a un Ozzy más energizado y feliz que nunca. El recinto del Movistar Arena repleto de punta a punta se levanta en una ovación al maestro de ceremonia que abre sin ninguna anticipación, con ‘Bark at the Moon’ desatando la locura en los fanáticos, a tal punto que en la platea se puede ver a un grupo de guardias tratando de contener a un fanático que daba la impresión que se iba a lanzar a la cancha.

Otro momento caótico, fue cuando el guitarrista Zakk Wylde descendió del escenario y se acercó a los fans, desatando la locura entre aquellos que querían poder sacar una foto o video de los extraordinarios solos del músico.

Cabe recordar, que Wylde se unió originalmente a la banda de Osbourne hace tres décadas y respaldó al legendario líder de 1987 a 1995, luego nuevamente en 1998, de 2001 a 2004 y también de 2006 a 2009. Su guitarra se puede escuchar en los álbumes de estudio de Osbourne «No Rest For The Wicked “, » No More Tears “, » Ozzmosis “, » Down to Earth “, » Under Cover » y » Black Rain “. El primer álbum con Wylde fue doble platino y «No More Tears» sigue siendo el álbum más exitoso de Ozzy, sumando que también apareció con en tres álbumes en vivo. Además, que los une una profunda amistad y familiaridad, al punto que Ozzy es padrino de su hijo y Wylde se refiere a Sharon Osbourne, como “mamá”.

La única sensación amarga, es sentir que realmente el show de ayer fue una fiesta de despedida. Una que nadie parecía creer, pero que realmente estaba ocurriendo, no menor es que esto ya se había planificado con anterioridad, pero había quedado en nada, quedando la esperanza que Osbourne continúe entreteniendo a personas de todo el mundo, como uno de los mejores vocalistas en la historia de Heavy Metal.

Setlist

• Bark at the Moon
• Let Me Hear You Scream
• Crowley
• I Don’t Know
• Fairies Wear Boots (Black Sabbath)
• Suicide Solution
• Road to Nowhere
• War Pigs (Black Sabbath)
• Shot in the Dark
• Rat Salad (Black Sabbath)
• Iron Man (Black Sabbath)
• I Don’t Want to Change the World
• Crazy Train

Encore:

• Mama, I’m Coming Home
• Paranoid (Black Sabbath)

Fuente: http://www.elmostrador.cl/cultura/2018/05/10/ozzy-osbourne-en-chile-la-despedida-de-las-giras-mundiales-del-principe-de-la-oscuridad/

En 1960 tocaron juntos por última vez durante una gira por Europa. Un caja de cuatro discos lanzada en EEUU recoge tres presentaciones deslumbrantes de ese viaje.

A principios de 1959 Miles Davis se sentía en la cima del mundo. Tenía razones para ello: lideraba la mejor banda de jazz del momento -y con toda seguridad, una de las mejores de la historia. Y acababa de grabar un álbum que marcó un hito: Kind of Blue, una obra maestra melancólica y de sofisticada elegancia. El disco fue un éxito de ventas y crítica y le abrió las puertas de Europa. Pero no todo brillaba al interior del Quinteto de Miles: el saxofonista John Coltrane estaba cada vez más lejos del líder; quería formar su propia banda.

Luego de exitosas presentaciones en Nueva York, San Francisco y Chicago, el Olympia de París los esperaba en marzo de 1960. Era la primera estación de un tour que comprendía Estocolmo, Amsterdam, Copenhague, Frankfurt y Berlín. Pero Coltrane no quería viajar.

Poco antes de partir, Wayne Shorter, por entonces un joven saxo, llamó a Miles Davis de parte de Coltrane para asumir el reemplazo. El trompetista, célebre por su carácter, le gritó: “¡Si necesito un saxofonista, conseguiré uno!”.

Entre marzo y abril de ese año, Miles Davis (1926-1991) y John Coltrane (1926-1967) tocaron juntos por última vez. Dos músicos geniales en un momento de transición: el trompetista, un artista de vanguardia, el más influyente de la historia del género, abría la ruta del jazz modal con su obra cumbre; a su vez, el saxofonista estaba en una búsqueda furiosa de su propia voz y parecía haberla encontrado en Giant Steps, grabado después de Kind of Blue.

Miles Davis & John Coltrane: The final tour es una caja de cuatro discos recién lanzada en EEUU que recoge el primer tramo de esa gira (París, Copenhague y Estocolmo). En ella participó casi la misma formación de Kind of Blue: Paul Chambers en el bajo, Jimmy Cobb en la batería y Wynton Kelly en el piano (en lugar de Bill Evans).

El primer concierto abre con All of you de Cole Porter y en él se siente de inmediato la tensión entre ambos: tras el inicio seguro y elegante del trompetista, el saxo irrumpe con una energía desbordante, en un solo que saca chispas. Lo mismo ocurre con So what: la trompeta lírica de Miles contrasta con la urgencia que despliega Coltrane.

“Trane era el saxofonista más fuerte y rápido que jamás haya escuchado (…) Era tan apasionado, feroz, y tan tranquilo y gentil cuando no estaba tocando”, diría Miles Davis, quien lo descubrió en Filadelfia en 1955, en una época sombría por sus problemas con las drogas. Coltrane salió de la banda precisamente por sus adicciones y estuvo una temporada con Thelonious Monk. Cuando regresó con Miles Davis en 1957, había superado sus problemas; con la experiencia en el Quinteto logró madurez y en 1960 estaba listo para partir.

Los conciertos de la gira pueden oírse como un duelo fenomenal entre la fuerza arrolladora de Coltrane, que logra tantos aplausos como silbidos, y el soberbio talento del líder. Y no solo eso: Chambers, Cobb y Kelly equilibran la balanza y entregan momentos de enorme inspiración. Ningún concierto y ningún tema suena igual a los otros.

Miles Davis regresó a Europa en octubre de ese año, pero ya sin Coltrane: el saxo había formado nueva banda y comenzaba su vuelo propio de jazz y espiritualidad.

Fuente: http://culto.latercera.com/2018/05/06/miles-coltrane-tour-final-dos-gigantes-del-jazz/

El hombre que dirige la sección del Festival de Cannes que le ha dado más visibilidad a las películas chilenas en la última década enfrenta su último año en el cargo, y analiza la producción nacional y del mundo.

A 250 metros hacia el este del moderno Palais des Festivals et des Congrès de Cannes se ubica una magnífica construcción que parece salida de un imaginario túnel del tiempo. Es la galería de arte La Malmaison, un vestigio impecable de lo que fuera el Grand Hôtel de 1863, durante muchos años el único alojamiento de lujo en el balneario de la Costa Azul. Ahí, todos los años, durante dos semanas del mes de mayo, el arte plástico deja paso a una distintiva muestra paralela del Festival de Cannes que para muchos críticos y cinéfilos del mundo a menudo es superior a la glamorosa Selección Oficial de la muestra. Es la llamada Quincena de Realizadores, el encuentro nacido bajo el impulso de Mayo del 68 y que desde hace una década viene siendo la gran ventana del cine chileno en Francia.

Fundada por la Sociedad de Realizadores de Cine (SRF, Société des Réalisateurs de Films), la Quincena es en rigor un festival aparte, con sus propias reglas, sus propios directores y su particular estilo de vida: más pausado, menos predecible, más radical, casi siempre más jugado. Tiene una gran sala de proyección ubicada en los pisos subterráneos del adyacente hotel Marriott (ex Palais Stéphanie) y en esa sala será donde el miércoles reciba un homenaje Martin Scorsese, quien nació al mundo en la Quincena, cuando su cinta Calles peligrosas (1973) se exhibió ahí.

Como Scorsese, son numerosos los cineastas de alcance mundial que han debutado acá. Ahí llegó un experimental George Lucas antes de Star Wars con TXH 1138 (1971), un desconocido Werner Herzog con También los enanos empezaron pequeños (1970), un provocador Tobe Hooper con La masacre de Texas (1974) antes de Poltergeist o un sorprendente Spike Lee con She’s gotta have it (1986) antes de Haz lo correcto.

En ese contexto, el cine chileno ha sido privilegiado: desde 2008, cuando se exhibió con éxito Tony Manero de Pablo Larraín, la presencia de la producción local ha sido muy bien recibida. Las películas más ambiciosas de Larraín (No y Neruda) han tenido ahí su estreno, pero también Navidad de Sebastián Lelio y, por supuesto, La danza de la realidad y Poesía sin fin, los filmes que marcaron el regreso de Alejandro Jodorowsky al cine tras 30 años de ausencia. En esta muestra se dio también el largometraje póstumo de Raúl Ruiz, La ventana de enfrente, y además El verano de los peces voladores, el debut en ficción de Marcela Said. Y acá se estrenó Allende, mi abuelo Allende, por el que Marcia Tambutti Allende ganó el premio L’Œil d’Or a Mejor Documental, que entrega Cannes año a año.

“Han sido siete años de duro trabajo”, dice a Culto Edouard Waintrop (65), el delegado general de la Quincena de Cannes, festival que comienza el martes. Este es su último período al mando de la sección después de que la SRF nombró al italiano Paolo Moretti, quien asumirá en 2019. “No fue mi idea dejar la muestra, pero tampoco puedo decir que esté triste. Siete años es bastante”.

¿Cómo ha percibido la evolución del cine chileno?

Creemos que Chile es un lugar mayor dentro del cine latinoamericano, que es actualmente además un gran continente para el cine mundial. No lo digo sólo por Pablo Larraín, sino que por Marcela Said o por directores que incluso no han sido seleccionados en la Quincena, como Fernando Guzzoni (Jesús).

¿Qué logros en particular destacaría en su período al frente de la Quincena?

Es difícil para mí contestar esa pregunta. Aún así creo que a la larga estamos orgullosos de haberle dado espacio a nuevos talentos como Chloé Zhao (The rider), Damien Chazelle (Whiplash) o Miguel Gomes (Las mil y una noches), pero también de llevar a una audiencia mayor filmes de Larraín comoNeruda y No. Y estamos muy contentos de haber presentado un nuevo y maravilloso lado cómico de Bruno Dumont (El pequeño Quinquín) desde el año 2014.

Varios cineastas, entre ellos Pablo Larraín, han dicho que prefieren la Quincena a la Selección Oficial, ¿Por qué?

Creo que el público que asiste a nuestra sala es más amplio y recibe mejor a los cineastas que en otras secciones del Festival. Y puede que nosotros seamos también más acogedores que en otras secciones.

¿Cree que la Quincena de Realizadores sigue animada por el mismo interés de renovación que hizo posible su creación hace 50 años?

Siempre es un buen lugar para mostrar las nuevas direcciones que está tomando el cine. Por lo demás, estoy seguro de que la Competencia Oficial ha considerado nuestras elecciones durante todos estos años.

¿Ve una contradicción entre cine y Netflix? ¿O no es tan en blanco y negro?

Veo una contradicción entre el cine que se puede ver en las salas y el cine que se ve en Netflix. Pero, por otro lado, hoy Netflix es el medio en que el público del mundo puede ver el cine que se hace en todas partes y que no llega a salas de sus países debido a la mala distribución de películas. Además, en este momento es en Netflix o en otras plataformas donde algunos de los mejores cineastas están trabajando (Scorsese, Soderbergh, Jeremy Saulnier, Anurag Kashyap). Por lo tanto algún tipo de compromiso debe hacerse al respecto.

Fuente: http://culto.latercera.com/2018/05/05/gael-garcia-bernal-chile-lugar-mayor-del-cine-latinoamericano/

Se acaba de estrenar Ultimo año, documental chileno sobre un grupo de estudiantes sordos que deben ingresan a un colegio tradicional. Desde el 17 de mayo se exhibirá El despertar de Camila, película con Francisca Walker, basada en el caso real de una muchacha afectada por un accidente cerebral

Quinientos estudiantes sordos entran todos los años a colegios tradicionales y es probable que nunca encuentren a un compañero en similares condiciones. Van virtualmente a un territorio extranjero donde se habla una lengua que no entienden. No es la de señas, por cierto. Es el español común y silvestre que ellos difícilmente articulan.

Esta circunstancia ancha y ajena es la que define el documentalUltimo año (2017), de los realizadores Viviana Corvalán (1981) y Francisco Espinoza (1977). La película, que es parte del ciclo Miradoc, se estrenó ayer en el Centro Arte Alameda y la Cineteca Nacional, a sólo dos semanas que entre a salas El despertar de Camila (2017). La cinta de ficción de Rosario Giménez Gili retrata el caso de una muchacha que sufre un accidente cerebrovascular. En ambos casos, pero en formatos y con puntos de vistas diversos, se aborda el conflicto entre protagonistas con capacidades diferentes y un medio indiferente o muchas veces hostil,

“Todo partió cuando yo llegué a a hacer talleres de educación artística al colegio Santiago Apóstol en el año 2011. En ese proceso invité a Francisco Espinoza a realizar un registro de las actividades”, comenta Viviana Corvalán (1981), que junto a Francisco Espinoza (1977) dirigió Ultimo año. “Nos dimos cuenta de varias cuestiones sorprendentes, entre ellas que después de octavo básico ellos no tienen colegios especiales donde estudiar”, agrega Corvalán.

En Ultimo año se siguen los destinos de cinco muchachos de octavo año básico del colegio Santiago Apóstol, cada cual con inquietudes particulares. Está el de habilidades manuales y con intenciones de ser arquitecto, la chica revoltosa que mediante señas dice “sólo quiero h…”, el amante de las películas que pretender ser cineasta. El momento clave es cuando postulan a los establecimientos, uno de ellos para estudiantes con habilidades artísticas, y los padres son informados del panorama real, sin matices ni anestesia.

“Hay apenas 30 vacantes para todo el colegio… No hay afán de discriminar, sino que queremos saber si ellos son aptos para el nivel de exigencia requerido”, les comunica el director de un establecimiento. Este proceso tiene además una segunda parte: si quedan seleccionados, los chicos sordos muchas veces no encuentran un ambiente adecuado.

“El lenguaje de señas no es un medio de comunicación, es un idioma aparte y como tal debería reconocerse legalmente. Además, en los colegios no hay tampoco profesores sordos (que son sus iguales) y muchas veces faltan más personas que manejen el lenguaje de señas”, acota Corvalán, quien dice haber tomado como ejemplo fílmico el celebrado documental El país de los sordos (1992), de Nicolas Philibert.

Discapacidad tardía

Nicole Duarte (30) tenía 17 años cuando sufrió el accidente cerebrovascular que cambió el curso de su vida, Estudiante autoexigente y aficionada a los deportes, Duarte experimentó el infarto cerebral mientras dormía. Aún cree que el excesivo estrés puede haber sido una de las circunstancias que gatilló la condición.

El resto de una juventud difícil y los daños motores del accidente vascular son parte de la historia de El despertar de Camila (2018), la película de Rosario Jiménez Gili (40) que se estrena el 17 de mayo, Apoyada por la Fundación Nacional de Discapacitados, El despertar de Camila es protagonizada por Francisca Walker (El verano de los peces voladores) en el rol central.

“A diferencia de personas con otras discapacidades, quienes sufren un accidente de este tipo están en una suerte de tierra de nadie. No nacieron así, sino que deben aprender a convivir con ella en algún momento de sus vidas” dice Giménez Gili, quien debuta en el largometraje y tardó seis años en hacer la película.

“Nicole era una muchacha muy activa, con buenas notas, muchas amigas. Pero sufre el accidente y debe buscar la rehabilitación motriz, entre otras cosas”, agrega. “Actualmente está bien, trabaja, tiene hijos, pero nunca pudo estudiar. Y eso pasó por el accidente cerebral. De alguna manera ella aprendió a tomarse la vida de otra manera después de lo que le pasó. Quizás en forma más relajada”, cuenta Jiménez.

También en la ficción se mueve Campeones (2018), el nuevo éxito del cine español, con tres semanas al tope de la taquilla en ese país y más de un millón de espectadores en salas. De hecho, es la cinta hispana más exitosa en lo que va del año.

Su historia se inspira en un caso real, como la chilena El despertar de Camila. Protagonizada por Javier Gutiérrez (La isla mínima), Campeones comienza con los avatares de Marco (Javier Gutiérrez), un entrenador de básquetbol arrogante y agresivo que choca su auto en estado de ebriedad y es condenado por el juez respectivo. Le dan a elegir entre dos años de cárcel o dirigir un club llamado Los Amigos. Lo integran personas mentalmente discapacitadas y el alguna vez soberbio Marco prefiere encargarse del equipo que ir a prisión.

La historia de Campeones es básicamente la relación que establece Marco con Los Amigos. ¿El gran detalle de la película? Los jugadores no son actores. Son personas con capacidades diferentes.

Fuente:  http://culto.latercera.com/2018/05/03/cine-personas-capacidades-diferentes-llega-a-salas/

• La red social se conecta con la aplicación musical para que puedas publicar lo que estás escuchando y tus seguidores puedan dirigirse hasta esa pista o lista en concreto.

Las «stories», esas historias efímeras en Instagram (pero que antes fueron feudo de Snapchat y que después copiaron Facebook y WhatsApp), ganan cada vez más adeptos. La posibilidad de emitir mensajes que desaparecen al cabo de24 horas (aunque quedan archivados en la plataforma y podemos recuperarlas, eso sí) es una función que se repite en muchas redes sociales. El contenido varía: ya sean vídeos explicando qué comes, imágenes con efectos especiales y «stickers» o simplemente un texto con colores brillantes, pocos de los 800 usuarios que conforman Instagram son ajenos a esta nueva moda.

Muchos han encontrado en las «stories» la forma de compartir canciones desde plataformas musicales, sobre todo Spotify, quien alberga 75 millones de usuarios que no les importa pagar para escuchar música, algo casi implensable antaño. Facebook ha visto el filón, por lo que ha llegado a un acuerdo con Spotify por el que puedes compartir música a través de sus redes sociales directamente sin salir de la aplicación musical, incluidas las famosas «stories» de Instagram.

Para ello, solo es necesario abrir Spotify y, dentro de la canción que queremos publicar en Instagram, darle a «compartir». En esta opción nos debería aparecer entre las opciones «Historias de Instagram», lo que nos llevará a nuestra cuenta en la red social . Allí podremos «customizar» el pantallazo de la canción que hayamos elegido con las opciones habituales de Instagram.

Una vez publicada, nuestros seguidores encontrarán un enlace para abrir la canción en Spotify y poder disfrutarla igual que nosotros.

Fuente: http://www.abc.es/tecnologia/redes/abci-como-compartir-musica-spotify-historias-instagram-201805041711_noticia.html

Las tres bandas ganadores se presentarán en un concierto triple en Patio Bellavista y quienes obtengan el primer lugar además podrán grabar un single en un estudio profesional. Además hay premios en dinero: $300.000 para el tercer lugar, $500.000 para el segundo lugar y $700.000 para los primeros.

Postula Aquí 

Este complejo de 376 hectáreas situado en el balneario de Qingdao (este) ha costado cincuenta mil millones de yuanes (6,5 mil millones de euros), según el conglomerado privado chino Wanda, iniciador del proyecto.

Tres estudios -incluido “el más grande del mundo”, que mide 10.000 metros cuadrados- ya han sido construidos. Diez más se construirán en los próximos años, asegura el grupo especializado en el sector inmobiliario, cinematográfico y deportivo.

Además de los espacios de rodaje y posproducción, esta faraónica “Ciudad oriental del Cine” también incluye una sala de espectáculos, una escuela, un hospital, hoteles de lujo e incluso un club náutico, inspirado en el de Mónaco.

También se quiere atraer al gran público con un gigantesco centro comercial de 360.000 metros cuadrados. Además de tiendas, restaurantes o un parque acuático, incluye “el cine más grande de Asia”.

“Es la inversión más grande de la historia mundial en el sector cinematográfico y de la televisión”, asegura Wanda.

El grupo, dirigido por el empresario Wang Jianlin (cuarta fortuna de China de acuerdo con Bloomberg) no es un novato en el cine. Ha producido películas, adquirió en 2012 la cadena estadounidense AMC y compró en 2016 el estudio hollywoodiense Legendary (Jurassic World, Interstellar).

Sin DiCaprio

“Este lugar ayudará al cine chino en su desarrollo y promocionará su camino hacia lo internacional”, expresó este sábado Wang. Sólo un puñado de títulos chinos consiguen por ahora seducir al público extranjero.

Además de algunas películas chinas, ya se han rodado dos superproducciones sinoestadounidenses en esta Ciudad del Cine de Qingdao: “La Gran Muralla” (2016, con Matt Damon) y “Pacific Rim Uprising” (2018).

La construcción se inició con gran pompa en 2013 durante una fastuosa ceremonia en presencia de Nicole Kidman, Leonardo DiCaprio y John Travolta.

Pero este sábado durante la inauguración no estuvo presente ninguna estrella extranjera. Una señal de que ahora Wanda muestra cierta cautela.

“Al principio estos estudios querían atraer las grandes producciones hollywoodenses. Pero luego los estadounidenses descubrieron que es difícil rodar en China: dificultades de comunicación, diferentes métodos de trabajo y la duración del proceso para conseguir los permisos para filmar”, apunta Natacha Devillers, productora francesa asentada en China desde hace una década.

“Desde el éxito relativo de ‘La Gran Muralla’, el número de coproducciones planeadas ha bajado considerablemente”, declara. Esta superproducción del realizador chino fue rentable, pero duramente criticada por los espectadores.

‘Algunas decepciones’

Wanda espera a pesar de todo convertir esta Ciudad del Cine en “la base de producción más atractiva del mundo”, por delante de Hollywood.

El grupo está muy endeudado después de un frenesí de compras en el extranjero. Desde 2017, las autoridades le han obligado a vender muchos hoteles o el 20% que poseía en el club de fútbol español Atlético de Madrid.

En cuanto a los estudios inaugurados, los vendió a un rival del sector inmobiliario, contentándose ahora con administrarlos.

“China es siempre más grande, más grande que los demás”, dice la productora Devillers. “Ahora el desafío será atraer suficientes películas por año para hacer funcionar la operación”, agrega.

Fotografía: Archivo | Donald Tong (CC0) Pexels

Fuente: http://www.biobiochile.cl/noticias/artes-y-cultura/actualidad-cultural/2018/04/28/china-inauguro-su-propio-y-gigantesco-hollywood-para-impulsar-el-cine.shtml

La cinta chilena “Una mujer fantástica”, de Sebastián Lelio, se alzó este domingo como gran triunfadora de los Premios Platino al coronarse como mejor película iberoamericana. El film, que hace poco fue galardonado con el Oscar a mejor película de habla no inglesa, se llevó también los premios a mejor guion, mejor montaje, mejor dirección para Lelio y mejor interpretación femenina para su protagonista, Daniela Vega.

“Una mujer fantástica”, también ganadora del premio Óscar a mejor película extranjera, es un grito contra la discriminación y los prejuicios de la sociedad ante las personas transexuales.

“Esta película superó todas nuestras expectativas”, dijo el director al recibir la estatuilla plateada junto a todo el equipo de la película.“Ahora todos nosotros tenemos una opinión sobre lo que es identidad de género”, agregó para cerrar con un “¡Viva Chile!”. El año pasado la ganadora del Platino a mejor película fue la argentina “El ciudadano ilustre”, de Gastón Duprat y Mariano Cohn.

La argentina “Zama”, que con ocho nominaciones era la principal rival del filme chileno, tuvo que conformarse con los premios técnicos de mejor dirección de arte, mejor dirección de fotografía y mejor dirección de sonido.

El Platino a mejor actuación masculina lo recibió el chileno Alfredo Castro por la película “Los perros”, mientras que Vega, actriz transgénero, fue ovacionada al recibir el Platino a mejor interpretación femenina.

La española “Verano 1993”, de Carla Simón, recibió el Platino a mejor ópera prima y el Platino al cine, educación y valores fue para el drama “Handía”, filmado en euskera y dirigido por Aitor Arregi y Jon Garaño. El film “Tadeo Jones 2: el secreto del Rey Midas” se alzó con el Platino a mejor animación y el premio para la mejor ficción documetal fue para la española “Muchos hijos, un mono y un castillo”, de Gustavo Salmerón.

La gala, realizada en Xcaret, en la Riviera Maya, fue presentada por el mexicano Eugenio Derbez y contó con números del grupo mexicano “Maná”, un dueto entre la española Malú y el argentino Axel y un número musical por parte del actor español Asier Etxeandia.

Daniela Vega, en tanto, se manifestó contenta por el reconocimiento.

A continuación te dejamos con algunas imágenes del elenco de “Una Mujer Fantástica” tras la ceremonia de los premios Platino.

Una de las fotografías, que fueron difundidas a través de las redes sociales del filme, tiene relación con uno de los momentos más emblemáticos y emotivos del grupo: su presentación en el festival Live AID de 1985, donde repletaron el Estadio Wembley de Londres en uno de los eventos benéficos más importantes de la historia del rock.

El concierto, que se realizó paralelamente en el John F. Kennedy Stadium de Filadelfia (Estados Unidos), se convirtió en un hito del grupo: fueron vistos, a través de TV, por más de 1.9 millones de personas, un verdadero récord para la época.

En otra de las postales, vemos a Malek junto a Gwilym Lee, el actor que en la historia serás uno de sus principales aliados: el guitarristaBryan May.

Para los fanáticos de la banda, la cuenta regresiva para el estreno del filme ya está en marcha: el 2 de noviembre debutará en salas, con la dirección de Dexter Fletcher luego que Bryan Singer abandonara el proyecto entre acusaciones de acoso y maltrato laboral.

Fuente: http://www.biobiochile.cl/noticias/artes-y-cultura/musica/2018/04/27/pelicula-sobre-queen-retratara-uno-de-sus-momentos-mas-emotivos-publicaron-dos-imagenes.shtml

La banda de pop volvió al estudio para registrar nuevas canciones por primera desde la década del 80.

El cuarteto sueco —integrado por Benny Andersson, Anni-Frid “Frida” Lyngstad, Björn Ulvaeus y Agnetha Fältskog— señaló que el nuevo material es una “consecuencia inesperada” de su reciente decisión de organizar una gira de “realidad virtual”.

“Los cuatro creímos que, después de unos 35 años, podría ser divertido unir fuerzas nuevamente e ir al estudio”, publicó la banda en Instagram.

“Y fue como si el tiempo se hubiera detenido”, añadieron.

De momento, no se ha establecido una fecha de lanzamiento para las nuevas canciones.

El libro, editado por LOM, es un buen registro del desarrollo de las tres obras que ha realizado el colectivo desde 2010: Clotario, Brigadas y Constitución.El grupo, surgido de la Escuela de Teatro de la Universidad Católica, se forma en 2010, cuando Claudia Echenique les pide una obra sobre Clotario Blest Riffo, el legendario líder sindical, pensando en destacar algún “héroe” de la Historia de Chile. Así surge Clotario, cuando se llamaban “Compañía a Lo Pobre” (que cambiaron por Colectivo Obras Públicas ya que el primer nombre lo reclamaba otra compañía).

Luego vendría Brigada (2012), una obra que rescata la época de las brigadas muralistas (los 60 e inicios de los70), con énfasis en lo musical (la música en vivo es un elemento fundamental en el trabajo del Colectivo Obras Públicas) en la Nueva Canción Chilena, en especial la “Cantata de Santa María de Iquique”. Entre las brigadas muralistas aparecen la Elmo Catalán y la Inti Peredo, de los Socialistas, la Ramona Parra, del Partido Comunista, la Hernán Mery, de la Democracia Cristiana, y la Rolando Matus, del Partido Nacional (partido de derecha que surgió en 1966 de la fusión del Partido Conservador Unido, Liberal y Acción Nacional, y desaparece en 1994 al unirse al Partido Unión de Centro Centro).

La última obra de la Trilogía Ciudadana es Constitución (2014), “una crítica política al sistema constitucional que nos gobierna” (pp 137), para lo cual usaron como guía el libro “Poder Popular Constituyente, de Gabriel Salazar, junto a “El leviatán” y otros.

“Trilogía Ciudadana: De la calle al libro” es un gran registro del trabajo del Colectivo Obras Públicas, en el que explican las motivaciones para crear estas obras, parte del proceso creativo, algunas giras y anécdotas, además de incluir los textos y las partituras de la música de éstas. Trilogía Ciudadana es un gran esfuerzo por sistematizar su trabajo y de dar dignidad al Teatro Callejero, ese que se hace en el espacio público, que democratiza la cultura, que politiza la ciudad.

Teatro callejero Trilogía ciudadana. De la calle al libro se presentará hoy 26 de abril, a las 19:00 horas en Plaza Libertad de Prensa, Concha y Toro 33, Santiago (Metro República).

Teatro Callejero

Trilogía Ciudadana: De la calle al libro

Claudia Echenique Saavedra, Sofía Zagal García, Gabriel Contreras Hernández, José Del Río Briones
LOM ediciones
Santiago de Chile, diciembre de 2017

La música en castellano volvió a tener una noche de gala tras la celebración de los Grammy Latino en noviembre del año pasado.Y como en aquella cita, Luis Fonsi y Daddy Yankee fueron los hombres que más protagonismo adquirieron pese a que Shakira y J Balvin partían como grandes favoritos con una docena de nominaciones cada uno.

Despacito se convirtió en la canción del año para unos Billboard Latino cargados de categorías y en los que se destacó a Ozuna como Artista del año, a Maluma como Artista social del año y a Shakira como Mejor Artista Latina del año.

En una gala en la que se rindió homenaje a la trayectoria de Maná, Las Vegas vio las actuaciones de grandes clásicos de la música en castellano como David Bisbal, Chayanne, Jennifer Lopez, Shakira o la propia formación mexicana. También pasaron por el escenario Bad Bunny, Maluma, Ozuna, Nicky Jam, J Balvin o De La Ghetto.

Lista de ganadores de los Premios Billboard 2018 Latino:

Hot Latin Song Canción del Año

Luis Fonsi & Daddy Yankee con Justin Bieber, Despacito

Canción Latin Rhythm del Año

J Balvin & Willy William Featuring Beyoncé, Mi Gente

Artista Latin Rhythm del Año, solista

Daddy Yankee

Artista Latin Pop del Año, Dúo o Grupo

CNCO

Artista Pop latino del año en solitario

Shakira

Álbum pop del año

Shakira, El dorado

Canción del Año, Airplay

Luis Fonsi & Daddy Yankee con Justin Bieber, Despacito

Artista del Año, Redes Sociales

Maluma

Canción Latin Pop del Año

Luis Fonsi & Daddy Yankee con Justin Bieber, Despacito

Hot Latin Songs Artista del Año, Dúo o Grupo

Calibre 50

Top Latin Album del Año

Nicky Jam, Fénix

Hot Latin Songs Artista del Año, Masculino

Luis Fonsi

Artista del Año

Ozuna

Artista revelación

Christian Nodal

Fuente: https://as.com/tikitakas/2018/04/27/portada/1524807387_215911.html

Los postulantes interesados deben enviar sus antecedentes y documentos de acuerdo a las bases de postulación.

Inicio de Postulación | Lunes 16 de Abril de 2018

Cierre de Postulación | Lunes 30 de Abril hasta las 18:00 hrs.

Descargar las Bases.

Fuente: http://www.culturapuentealto.cl/entrada/319/concurso-publico-para-director-titular-de-la-orquesta-sinfonica-juvenil-de-puente-alto/

Miguel (Patricio Wood) se gana la vida lavando platos en un boliche de La Habana, pero cada cierto rato deja los trapos a un lado para poner atención a lo que aparece en el televisor a sus espaldas. Generalmente lo hace cuando dan las noticias que involucran los últimos acontecimientos en Estados Unidos. Puede ser una matanza en un pueblo perdido o una cumbre política en Washington. Da lo mismo. Lo que le importa es ver en vivo y en directo algo del país al que quiere llegar y al que alguna vez se embarcó en un malogrado viaje en balsa.

En la casa, que no es de él, Miguel cuida religiosamente de su amigo Diego (Jorge Martínez), un enfermo terminal de Sida que pasa sus días sobre un catre herrumbroso y acompañado del abanico que le refresca la cara ante la fiebre y el calor habanero. No son pareja, pero se estiman a prueba de todo. El heterosexual Miguel, hastiado del sistema, espera el permiso para largarse del país. El homosexual Diego sólo espera la muerte, pero parece enfrentar las cosas con mejor humor que su sombrío compañero. Los dos son los protagonistas de Ultimos días en La Habana, del cubano Fernando Pérez (1944).

¿Suena parecido a algo? Hace 25 años, el director Tomás Gutiérrez Alea (con la ayuda de Juan Carlos Tabío) dirigió la improbable historia de amistad entre un gay y un hetero en La Habana. El gay se llamaba Diego (interpretado por Jorge Perugorría), igual que el moribundo personaje de Ultimos días en La Habana (2016) . Aunque muchos han querido ver en la película una especie de continuación al ya clásico del cine de la isla, en realidad se trata más bien de un homenaje. Es un tributo de grandes a grandes: Fernando Pérez es probablemente el realizador cubano vivo más importante, mientras que Tomás Gutiérrez Alea (1928-1996) es el más destacado de todos los cineastas salidos de la isla.

La película, estrenada en su país de origen en el 2016, ha tenido una distribución internacional más bien lenta. Por la misma razón postula a los Premios Platino (que entregan los productores de cine latinoamericanos) en la ceremonia de este domingo 29 en el Gran Teatro Tlachco del santuario natural Xcaret, en la Riviera Maya (México). El filme del veterano cineasta cubano compite en siete categorías, destacando Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor, donde fue nominado Jorge Martínez en el rol de Diego.

Ahora, a través del Cine Arte Normandie, el largometraje de Fernando Pérez llegará a Chile durante el mes de mayo. Es uno de los dos largometrajes cubanos recientes que trae Los Filmes de la Arcadia junto a Santa y Andrés (2016), de Carlos Lechuga (ver recuadro). La película de alguna manera propone una suerte de inversión de los roles políticos de Fresa y chocolate, al menos en el personaje heterosexual. Si en el filme de Gutiérrez Alea (el único en la historia en la historia de Cuba en ser nominado al Oscar extranjero) el estudiante David (Vladimir Cruz) era un adepto incondicional a la revolución, en Ultimos días en La Habana Miguel no cree absolutamente en ningún tipo de proyecto socialista.

El filme desliza críticas solapadas a cierto tipo de cubano anclado a un pasado añejo y lleno de proclamas revolucionarias vacías, en este caso representado por Clara (Coralía Veloz), que interpreta a la tía de Diego. Exhibida con éxito de críticas el año pasado en el Festival de Berlín, la cinta opera como una máquina de contrastes entre cierta alegría que pueden expresar personajes juveniles (como la sobrina de Diego) y la sombría actitud de los desencantados. A propósito de esto, el realizador comentaba el año pasado al diario El País: ”Cuba ha cambiado en que los valores empiezan a relativizarse. Ahora vemos personajes cuyas actitudes podrían ser reprobables desde el punto de vista ético y yo no quiero que sean juzgados. Con la película espero que el espectador se plantee porqué los personajes actúan así. Gran parte de la población cubana está más interesada en solucionar sus problemas diarios que los compromisos con la sociedad. Con Últimos días en La Habana sabemos cómo vive la gente de la calle, que no aparece habitualmente ni en el cine ni en los medios. Yo no protesto, constato”.

Fuente: http://www.latercera.com/cultura/noticia/ultimos-dias-la-habana-nuevo-exito-del-cine-cubano/141951/

Hasta el 28 de mayo se puede postular en las categorías de Cine Internacional, Chileno y Cortos.Cerca de mil películas son las que cada año postulan a las competencias oficiales del Santiago Festival Internacional de Cine (Sanfic), correspondientes a Cine Chileno, Internacional y Cortometraje. Hoy, preparándose para su 14° edición, que va del 19 y 26 de agosto, se abrió la convocatoria para participar.

Dirigida a directores y productores, la inscripción a las competencias no tiene costo y estará abierta hasta el 28 de mayo. Las bases del certamen están publicadas en la página del festival (www.sanfic.cl), organizado por la fundación CorpArtes desde 2005.

Las reglas generales definen que pueden postular cintas de ficción y documental, nacionales e internacionales, a excepción de corto, sólo para producciones locales. Todas las postulaciones deben realizarse a través de Festhome: The online Film Festival Submission Center.

Las bases especifican que todos los filmes deben haber sido terminados después del 1 de febrero de 2017. Y todas las cintas nacionales se deben comprometer a realizar su premier nacional en Sanfic 14.

Las competencias de Cine Chileno e Internacional premian a Mejor película, Mejor director y Mejor actriz o actor. En la competencia de cine nacional, que el año pasado distinguió a Sapo (Juan Pablo Ternicier), quedan como finalistas entre seis y ocho largometrajes.En internacional se seleccionan entre ocho y diez filmes. En categoría cortometraje, se extienden hasta 18 filmes.

Para esta nueva edición, la Directora Ejecutiva de CorpArtes, Francisca Florenzano precisa que la línea curatorial de este año estará enfocada a impresionar y convocar. “Que la selección no este dirigida solo a los grandes cinéfilos, sino que también en poder mover a la gente para que vaya a las salas”, explica, refiriéndose al desafío de aumentar la audiencia frente a estudios que indican la baja de espectadores en el cine.

La convocatoria extendió el llamado a participar en Sanfic Industria, que se celebra desde 2011 y que fue creada como un espacio de fomento y desarrollo para directores, guionistas y productores. El plazo de postulación se extiende hasta el 15 de junio y las bases están disponibles en el sitio web oficial.

Son cuatro las actividades concursables de Sanfic Industria 2018, que se realizarán entre el 20 al 24 de agosto. Destaca el Work in progress Latinoamericano, que premiará producciones de cineastas latinos o extranjeros residentes. Y Santiago Lab, que dará cita a proyectos en etapa de desarrollo, tanto de ficción o documental. Además entregará el Premio Kinema, que busca reconocer las obras que fomenten y difundan locaciones del país.

Fuente: http://www.latercera.com/cultura/noticia/sanfic-abre-convocatoria-competencias/140251/

En distintas partes del mundo se despidió de forma masiva al DJ y productor fallecido el viernes 19 de abril.

El día sábado la iglesia Utrecht en Países Bajos conmemoró a Tim Bergling -más conocido como Avicii- tocando tres canciones con sus campanas: “Wake Me Up,” “Without You” y “Hey Brother”.

El artista de 28 años también fue recordado durante la última jornada del festival musical Coachella, donde en unas grandes pantallas se proyectó su imagen mientras sonaba “Without you” en el show de Kygo.

En entrevista con Variety, Neil Johnson de Geffen Records, quien trabajó con Avicii, reveló que el DJ y productor estaba trabajando en música nueva antes de morir.

“Estábamos trabajando en ello y era su mujer música en años, honestamente. Y lo sé porque grabamos y editamos todos sus álbumes. Él estaba tan inspirado. Estaba muy emocionado”.

“Hizo sesiones de grabación por meses. De hecho teníamos que frenarlo a veces porque llegaba a trabajar 16 horas seguidas. Tenía que darle un límite. Es una tragedia. Teníamos está increíble música mágica”.

Respecto al futuro de estas grabaciones, Johnson asegura que no tiene claro qué ocurrirá ya que es primera vez que le ocurre algo así: “Me reuniré a hablar con la familia una vez que todos hayan tenido un respiro (…) Intentaré pedir consejo a sus familiares para que entre todos intentemos pensar qué hubiese querido Tim”.

El domingo, la policía de Omán confirmó que no existen sospechas criminales en torno a la muerte de Avicii. Sin embargo, las causas de su deceso aún son inciertas.

Fuente: http://culto.latercera.com/2018/04/23/avicii-trabajaba-en-nueva-musica-morir/