El pasado mes de julio la carismática profesora de canto, Karen Rodenas, lanzó en los canales digitales su tercer sencillo titulado “Solo tú”. Éste es un cover de Matia Bazar donde se fusionan los elementos del jazz, pop y hip hop, en un mezcla de sonidos e improvisaciones que son acompañados por la también profesora Celeste Shaw.
Tras su aparición en La Casa Italia en diciembre 2017, donde debutó en un recital íntimo como solista y una nueva faceta como compositora, Karen ha cosechado dos sencillos más (“Floreciente» y «Luz de luna») siendo “Sólo tú” el tercer trabajo realizado por esta talentosa profesora Projazz.
Karen está enfocada en lanzar su disco en una gira por el sur a finales de este año. En el disco podremos encontrar la fusión del mundo jazzístico de Karen con sus propias composiciones, expresando toda la honestidad y frescura que la caracteriza. De igual forma, estará acompañado de excelentes arreglos y sonidos musicales gracias a los talentosos Américo Olivari, Miguel Pérez, Juan Pablo Jaramillo y Sebastián Prado.
Acompaña a Karen Rodenas este 6 de septiembre
Thelonious Lugar de Jazz será el escenario donde se estará presentando Karen Rodenas el próximo jueves 6 de septiembre a la 21:00Hrs. La entrada tendrá un valor de $3.000 y compartirá escenario junto a Américo Olivari, Miguel Pérez, Juan Pablo Jaramillo y Sebastián Prado.
El pasado viernes 10 de agosto la comunidad de Licantén (Chile) dio el visto bueno definitivo a un nuevo proyecto del arquitecto chileno Sebastián Irarrázaval. Se trata del Teatro Licantén, un proyecto construido principalmente en madera laminada que contará con una superficie de 2.500 metros cuadrados y una inversión aproximada de 3.000 millones de pesos chilenos (USD 4,47 millones)
El Teatro Licantén es un proyecto acogido a la ley de donaciones culturales, siendo resultado de una iniciativa público-privada en la que participan la Fundación la Fuente —gestores de el Centro Cultural Arauco y la Biblioteca de Constitución—, la empresa Arauco y la Municipalidad de Licantén. Tras su aprobación por parte de la comunidad, el próximo paso es «postular a fondos regionales para el financiamiento de su construcción», explica Irarrázaval en conversación con ArchDaily.
«Es un basamento público con pórticos y galerías y tres volúmenes de mayor altura que albergan el foyer, las butacas y el escenario», comenta el arquitecto chileno. Asimismo, los paneles móviles y las butacas retráctiles permitirán que los espacios funcionen autónomamente como salas de ensayos o exhibiciones.
Estructuralmente, el teatro está pensado como un «exoesqueleto de múltiples piezas que hace legible el traspaso de las cargas verticales desde la cubierta al suelo y, de igual modo, permite leer la forma en que los esfuerzos sísmicos horizontales son resistidos por ella. Los elementos secundarios de la estructura son propuestos en acero», según cuenta el arquitecto ganador del tercer lugar del ODA17,
Con respecto al perfilamiento de cada uno de los volúmenes mayores, «este es el resultado de generar no solo un remate formal en la cumbre, si no que también es la consecuencia de generar un alero o sombrero que protege la madera de la exposición a la lluvia. Esta necesidad de garantizar, mediante la forma, la duración de la madera en el tiempo, también se consigue con el hecho de que los pilares de madera nunca llegan directamente al suelo si no que son continuados por pilares de hormigón tanto en aquellos que forman parte del basamento como en los que forman parte de los 3 volúmenes mayores», finaliza Irarrázaval.
Ficha técnica
Propietario: Municipalidad de Licantén Ubicación:Licantén, Chile Financiamiento del proyecto: Empresa Arauco Gestión del Proyecto: Fundación La Fuente Arquitecto : Sebastián Irarrázaval Colaboradora: Constanza Candia Asesoría teatral y escenotecnia: Ramón López Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales
La Reina del Pop, autoexiliada del país de Trump, celebra sus seis décadas, en Portugal. La cantante busca recuperar su sitial con un próximo disco inspirado en ritmos lusos y africanos.
Su irrupción en mayo pasado en el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York fue por partida doble y de alto impacto. En la ocasión la dueña de himnos como Papa don’t preach yHoliday, apareció en la alfombra roja con un look gótico, de un vestido oscuro y la presencia de cruces en una corona y otra grande formada en su pecho, que cumplía con el motivo definido para la cita sobre las últimas tendencias de la moda: el imaginario católico, el mismo mundo que tantas veces en su carrera ha escandalizado con su figura de liberación sexual.
El mayor despliegue estaba reservado para después, en que despacharía una performance que sólo los invitados pudieron apreciar y con dificultad algunos capturaron con sus celulares. Like a prayer, interpretada junto a un coro de monjes, más una nueva canción identificada como Beautiful game y un cover de Hallelujah de Leonard Cohen fueron el trío de temas que cantó en la última Met Gala.
Esa es, a la fecha, la última presentación en vivo de Madonna, la monarca del pop que hoy celebra 60 años en medio de lo que se podría denominar como un respiro antes de volver a la carga y reclamar con nuevos éxitos su estatus de figura dominante de la música popular.
Luego de Rebel heart, que salió al mercado en marzo de 2015 y fue recibido con tibieza, sin dejar grandes hits, la nacida en Michigan alista lo que será su álbum número 14. La creación de este nuevo trabajo ofrecerá al menos una particularidad, fuera de ser el primero de la diva del pop instalada en las seis décadas: la influencia del país en que hoy reside, Portugal.
En entrevista para la edición de agosto de Vogue Italia dio pistas concretas de por dónde podría encaminarse y anunció que saldrá a fines de 2018. “(En Lisboa) Siempre escucharás mucho fado y mucha música kuduro de Angola. Mucho jazz también (…) Acabo de conocer a muchos músicos realmente increíbles, y terminé trabajando con muchos de ellos en mi nuevo disco, por lo que Lisboa ha influido en mi música y mi trabajo. ¿Cómo no podría? No veo cómo podría haber pasado este año sin estar informada de todo este aporte de cultura”, explicó la protagonista de Evita, hoy instalada junto a cuatro de sus seis hijos en Lapa, una de las zonas más opulentas de la capital lusa.
Su intenso uso de Instagram ha sido otra manera de dar cuenta de su vida fuera de EE.UU. y su nuevo trabajo, como sugerir que volvería a unirse al productor francés Mirwais, que la acompañó en cuatro discos, comenzando por Music, 18 años atrás.
Más allá de algún guiño que pueda realizar a la música local, entre los artistas que realizarían colaboraciones suenan con fuerza Nicki Minaj y Drake, siguiendo la tónica de su última década, donde ha reclutado a nombres como Justin Timberlake, Pharrell Williams y M.I.A.
Humanitaria y excéntrica
La misma entrevista a Vogue le sirvió para detallar las razones de su traslado, partiendo por el apoyo que quiso brindarle a su hijo David Banda (12) en su anhelo de ser futbolista profesional, y que también habría contemplado otras opciones como Turín o Barcelona.
“Sentí que necesitábamos un cambio, y quería salir de Estados Unidos por un tiempo -como saben, esta no es la mejor hora de EEUU-, no porque salir provoque algo diferente o cambie algo. He vivido en otros lugares; viví en Londres por 10 años. Me gusta ponerme en situaciones incómodas y tomar riesgos”.
Los 60 años también encuentran a Madonna en uno de sus momentos de mayor actividad en temas humanitarios. Sin ir más lejos, en julio estuvo junto a sus hijos en Malaui, para celebrar el aniversario del Hospital Pediátrico Mercy James, el primer centro de atención infantil del país africano que creó a través de su fundación Raising Malaui. Sus dos hijas menores, gemelas de cinco años, las adoptó en ese país a inicios de 2017.
Aunque su último show en estricto rigor se remonta a marzo de 2016, para la parada final del tour de su álbum más reciente, se espera que su nuevo disco la devuelva a las giras mundiales, y también a Chile. De concretarse, sería su primera visita al país desde diciembre de 2012,cuando en el marco del The MDNA Tour, realizó un polémico concierto en el Estadio Nacional, que se vio recortado por la torrencial lluvia que cayó en la capital.
Antes, eso sí, tendrá la celebración de su cumpleaños, que en 2017 hizo noticia por una excéntrica jornada en Italia, en la localidad de Puglia, que incluyó que la voz de Material girl entrara montada en un caballo blanco.
La ‘reina’ falleció a los 76 años debido a complicaciones de salud. Se había retirado de la música en 2017 por recomendación médica.
Este jueves murió a los 76 años la cantante estadounidense Aretha Frankllin.
En el año 2000, la cadena de televisión VH1 —reconocida actualmente por sus reality shows y una mirada nostágica sobre la música popular actual— realizó un sondeo en el que 700 líderes de la industria eligieron las 100 mejores canciones de rock de todos los tiempos. En el primer lugar quedó «Satisfaction» de The Rolling Stones, mientras que en el segundo lugar no estuvo ni The Beatles ni Bob Dylan ni Led Zeppelin ni Bruce Springsteen sino que Aretha Franklin con «Respect».
Los listados son odiosos y generan polémica (y algunos tienen más relevancia que otros), pero independiente de cualquier ingrediente anexo, el ranking en cuestión celebró el legado y la trascendencia de ‘Lady Soul’ dentro de la historia del rock and roll. La voz femenina más poderosa que recuerde el género y que acaba de apagarse debido a complicaciones de salud.
La artista estadounidense Aretha FranklinAFP
Aretha Franklin murió este jueves a los 76 años y rodeada de su familia, que estuvo acompañándola en la ciudad de Detroit, en el estado de Michigan, Estados Unidos, en completa privacidad.
En un comunicado, el entorno cercano de la artista expresó que «en uno de los momentos más oscuros de nuestras vidas, no podemos encontrar las palabras adecuadas para expresar el dolor en nuestro corazón. Hemos perdido la matriarca y el rock de nuestra familia».
Junto con agradecer el apoyo que han recibido durante los últimos días, la familia especificó que el deceso se produjo a las 9:50 hora local con la causa oficial de «avance de cáncer de páncreas de tipo neuroendocrino».
En febrero de 2017, la mujer de «I say a little prayer» había anunciado su retiro definitivo de la música, luego de una última temporada donde tuvo que suspender un mes completo de shows por recomendación de su equipo médico. A comienzos de la década, de hecho, lidió con un cáncer de páncreas que intentó mantener en secreto hasta el final.
«Me siento muy, muy enriquecida y satisfecha con respecto a de donde comenzó mi carrera y de dónde está ahora», dijo Franklin en el momento del adiós, donde daba por terminada una vida de 56 años al servicio de la música popular.
Aretha Louise Franklin saltó a la fama en los años 60, convirtiéndose en un suceso de la música soul bajo el alero del sello Atlantic —y luego de un paso en falso en Columbia Records, que intentó ‘venderla’ como cantante de jazz—. Venía de una familia afroamericana que se trasladó desde el sur al norte de Estados Unidos gracias al auge industrial, y fue hija del reconocido predicador Clarence LeVaughn Franklin, cercano a Martin Luther King.
Esa historia que unió a la religión con la música y el activismo —Barack Obama es uno de sus más reconocidos admiradores— la inició cantando en la iglesia, con el góspel como uno de los géneros que mejor supo explotar.
En 1967 consiguió su primer número 1 en el ranking Billboard con la canción «Respect», para posteriormente ubicar 16 sencillos más entre los 10 más vendidos en Estados Unidos.
Aretha Franklin publicó más de 40 álbumes de estudio, siendo el último «A brand new me» (2017) junto a la Orquesta Filarmónica Real. En 2014, en tanto, lanzó «Aretha Franklin Sings the Great Diva Classics» con reversiones de canciones como «Rolling in the deep» de Adele, «I will survive» de Gloria Gaynor y «Nothing compares 2 U», popularizada por Sinéad O’Connor.
Eres músico, productor cultural, emprendedor creativo o tienes proyectos culturales? La Escuela de Emprendimiento Creativo y Cultural – ECCU en asociación con CD Baby Español y Sonando promueven la charla «Construyendo la Industria Musical» sobre Distribución Digital y Cómo funciona el negocio de la música en los derechos artísticos y autorales, con la participación de Marco Blanco (Sony Music, EMI, Chilevisión) y Matias Moreno (CD Baby Español).
La actividad es gratis, ¡Inscríbete ya!Fecha: 31 de Agosto, viernes.
Hora: 18h30
Local: Román Díaz, 55, SL 205, Providencia
PROGRAMA
18h30 – 19h Acreditación
19h – 19h10 Presentación ECCU con Alex Paredes
19h20 – 20h Charla «Cómo funciona el negocio de la música: Derechos artísticos y autorales» con Marco Blanco
20h – 21h Charla Distribución Digital de CD Baby Chile con Matias Moreno
21h – 21h30 Cierre con comentarios y Networking
MARCO BLANCO MAILLARD – Productor musical en Chilevisión, fue Gerente de Repertorio Nacional en el Extranjero en SCD, Royalty Manager en Sony Records, IT Support en la empresa EMI y IT Manager en la empresa EMI Music Publishing. La idea es dar a los músicos y gestores musicales una visión de cómo funcionan los EDITORIALES MUSICALES, SELLOS DISCOGRÁFICOS Y SOCIEDADES DE GESTIÓN DE DERECHOS.
MATIAS MORENO – Business Development de CD Baby (USA) y AVL Digital en Chile y Perú. Productor de +300 eventos, 4 Festivales, +10 Giras por todo el continente americano, +15 artistas representados, +10 producciones discográficas lanzadas al mercado. La idea es entregar a los músicos y gestores musicales una visión de como funciona el proceso de distribución digital de sus músicas, EPs, etc. Además de entregar informaciones sobre el proceso de distribución con la plataforma CD Baby.
Si te gusta crear música para los más pequeños, tienes hasta el 3 de diciembre para presentar una canción inédita dirigida a las audiencias más pequeñas.
Con el fin de impulsar la creación musical para la infancia, la Sociedad Chilena de Autores e Intérpretes Musicales (SCD) invita a todos los músicos a participar en la segunda edición del concurso “Vittorio Cintolesi: Canciones para los niños de hoy”.
Este certamen invita a crear melodías y canciones con mensajes dirigidos especialmente a los niños y, además, tiene el objetivo de contribuir a través de la música al desarrollo de los niños y niñas de nuestro país.
El nombre del concurso es en reconocimiento a la memoria del destacado pianista, compositor y arreglador chileno Vittorio Cintolesi, un artista integral que resaltó por su extensa creación de música infantil, reconocida ampliamente en Chile y América Latina, particularmente por su trabajo en la música del programa infantil de televisión “Pin Pon”.
Al certamen pueden postular todos los autores y compositores chilenos o extranjeros residentes en Chile, mayores de 18 años, de cualquier género, trayectoria o estilo musical. Para participar hay que presentar unacanción inédita y creada por el o los postulantes, con un contenido pensado y orientado al mundo infantil, considerando como referencia la primera infancia y la preadolescencia (de 0 a 13 años).
Las postulaciones estarán abiertas desde el lunes 13 de agosto hasta el 3 de diciembre de 2018 las 18:00 horas. Quienes deseen inscribirse deberán hacer llegar sus obras a las oficinas de SCD (Bernarda Morín 440, Providencia) o de forma digital a través de www.scd.cl , en ambos casos adjuntando la documentación requerida.
Del total de temas en competencia, un jurado especializado elegirá 8 obras que pasarán a formar parte de un disco compilatorio llamado “Vittorio Cintolesi: Música para los niños de hoy”, que será editado y publicado por SCD.
Además, los ganadores recibirán un único premio en dinero, el que será entregado al compositor o a los compositores de las obras.
El próximo jueves 6 de septiembre el rock clásico y progresivo invaden el Teatro Nescafé de las Artes con el concierto de Stick men + David Cross. El reconocido violinista de King Crimson, David Cross, se une al trío compuesto por el guitarrista Markus Reuter, el bajista y stickista Tony Levin y el baterista Pat Mastelotto en un concierto donde mostrarán una mezcla de rock pesado, metálico, y corrosivo, todo lo cual consagra a esta agrupación como la más innovadora de la actual escena musical progresiva.
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Cuando aún sigue viva en el recuerdo su gira de despedida de la Filarmónica de Berlín, el director inglés se presenta en el Festival de Santander al frente de su nueva casa, la London Symphony.
Tras una despedida siempre llega una bienvenida y luego otra despedida y otra bienvenida y así sucesivamente. Pero nunca nos acostumbramos a la emoción de esos momentos, como si lo más importante es lo que empieza o lo que termina. 2018 será, efectivamente, un año muy emocional para Sir Simon Rattle (Liverpool, 1955): el de su gira de despedida frente a la Filarmónica de Berlín y el primero en el que se dedicará exclusivamente a su nueva casa, la London Symphony Orchestra(LSO), después de una temporada compatibilizando su puesto como director principal de la institución berlinesa con el de director artístico de la formación londinense.Si hace dos meses le veíamos en España al frente de la Filarmónica, traído por Ibermúsica, antes de ese gran concierto final en Berlín tocando la Sexta de Mahler, ahora regresa acompañado de la Symphony con dos recitales en el Festival de Santander, este martes y miércoles. El primer concierto está dedicado en exclusiva a otra sinfonía de Mahler, la Novena, mientras que el segundo repertorio incluye las Danzas eslavas Op. 72 de Dvorák, la suite Ma mére l’oye de Ravel y la Sinfonietta de Janácek.
¿Cómo está siendo para usted, en términos emocionales, esta temporada musical?
Hemos tenido una hermosa gira de despedida con la Filarmónica de Berlín. Por supuesto, muchas de las cosas que hicimos las hicimos por última vez. Pero, al mismo tiempo, sentía la emoción que se siente ante una nueva relación, con un nuevo tipo de agrupación musical, la London Symphony Orchestra: un grupo extraordinario, virtuoso y muy abierto. Es un sabor diferente de orquesta, pero la he encontrado increíblemente viva e intensa. En ese sentido, estoy entusiasmado ante la posibilidad de un nuevo comienzo.
Parece como si la sucesión se hubiese producido de una forma extrañamente veloz. ¿No le habría gustado tener un tiempo para usted entre un proyecto y otro?
De algún modo, las circunstancias requirieron que yo empezase antes en Londres. Simplemente porque Valery [Gergiev] dejó la orquesta sin avisar. Aunque eso fue ya en 2015, sentía que la orquesta necesitaba un cuidado especial. Es verdad que, normalmente, no compatibilizaría la dirección de dos formaciones, como he hecho el último año. Pero pensé que era muy importante para la Symphony, para que todos decidiésemos ir juntos en la misma dirección. Al mismo tiempo, no hay nada malo en no querer llegar al límite al final de 16 años; es más, fue maravilloso notar que había algo más floreciendo mientras tanto. Fue algo fortuito, pero al final el resultado fue excelente, gracias a que este último año básicamente sólo he dirigido en Londres y Berlín.
Antes hablaba de sabores. Suele comparar el paso de Berlín a Londres en términos enológicos. ¿Podría explicarlo?
Berlín es un vino tinto excelente, mientras que Londres es uno blanco genial. Y es maravilloso poder conseguir colores muy diferentes de cada una. Con la London Symphony hemos tocado la Novena de Mahler unas 10 veces en esta temporada y lo que más me sobrecoge es la intensidad desesperada con que la tocan. Es una orquesta sin arrogancia, que no habla de su gran tradición musical, aunque, por supuesto, tienen la suya. Mira hacia delante y, en cada concierto, esa intensidad va en aumento, a medida que encuentran las conexiones con el repertorio.
Aparte de Mahler, en Santander tocarán un segundo set de música de finales del siglo XIX y comienzos del XX.
Es una música estupenda para esta formación. Una de las cosas que más me ha gustado en los últimos años ha sido descubrir estas colecciones de danzas de Dvorák y presentarlas como una pieza única. Es algo que raramente se hace, incluso cuando una o dos de estas composiciones sean bien conocidas. Pero cuando las escuchas agrupadas, es un viaje completamente distinto. Aunque la última danza de nuestro repertorio supone un diferente tipo de despedida que la que ofrece la Novena de Mahler, hay una extraña melancolía. Particularmente en nuestro segundo repertorio, hay un arco muy amplio de emociones, y será algo muy interesante sobre lo que trabajar a lo largo de este año.
¿Y respecto a Ravel?
Naturalmente, al ser la LSO la orquesta de Pierre Monteux durante un tiempo, todavía tiene una afinidad inmediata y natural con la música francesa y esa clase de sonidos.
¿Diría que este tipo de sonido es el que podría identificar su etapa al frente de la LSO? ¿O le interesa explorar territorios más alejados?
Como cualquier gran orquesta, ésta puede ser enormemente versátil. Hay ciertas áreas, como las danzas de Dvorák, que encajan perfectamente con ella, pero no sé cuándo podrán tocar el conjunto completo. Incluso cuando estaba en Berlín, tenía un estupendo intérprete checo de fagot que me decía que había piezas de ese ciclo que no había tocado en todos los años que había estado con la Filarmónica de su país.
¿Le interesa dar preponderancia a unos compositores respecto a otros?
Lo bueno de trabajar con músicos así es que puedes hacer que se expandan en diferentes direcciones y rápidamente te darás cuenta de que la manera de hacer cada pieza del repertorio en ese camino afecta al resto. Y que, al final, no puedes tocar Bach del mismo modo en que lo haces con Bruckner. Necesitas que estos compositores se ayuden unos a otros y también en el otro sentido. Por eso me atrevo a decir que no hay límites que esta orquesta no pueda alcanzar. Están preparados para cualquier cosa y por eso es una aventura excitante.
Siempre se ha mostrado muy interesado en el aspecto educativo de la música, especialmente en su relación con la infancia y la juventud. Ésta es una de las huellas más importantes que ha dejado a su paso por la Philharmoniker. ¿Y en Londres? ¿Cuál es el objetivo de sus proyectos educativos?
Lo importante es que la música alcance a toda la sociedad. En Londres es algo que llevamos haciendo 25 años, mientras que en Berlín fue algo completamente nuevo; he de decir que raramente se habían preocupado de ello, así que tuvimos que hacer todo tipo de proyectos diferentes. Al ser parte de los cimientos de la London Symphony desde hace mucho tiempo, de forma permanente y sin llamar la atención, se ha trabajado en aspectos como los coros de los diferentes distritos de la ciudad. De esa forma, están atrayendo a una enorme cantidad de niños cada temporada.
¿Dónde diría que se establece el salto de lo didáctico a lo social?
Creo que una orquesta moderna debe involucrar e involucrarse, en vez de, simplemente, ponernos enfrente. Ayudar a la gente a hacer cosas, y no sólo darles la posibilidad de experimentarlas. En definitiva, que el público no sea una masa de oyentes pasivos, sino que puedan montar sus propios proyectos. Estoy feliz de haber contribuido en Berlín a llevar todo esto un poco más a esa parte de Europa.
Aunque se sigue viendo a la música clásica como encerrada en su torre de marfil, ajena a los problemas del mundo y gueto de ricos, usted se sigue empeñando en romper este estereotipo. ¿Por qué?
La música cura, la música reúne a la gente, la música ayuda al entendimiento. Por encima incluso de la palabra hablada, es una forma de comunicación que puede unirnos de formas que otros medios no pueden. Si colaboras con alguien, lógicamente tienes que comunicarte a través de la música. Respecto al tema de la inmigración, toda Europa tiene un enorme reto por delante en estos días y la música puede jugar un gran papel en ello. Recuerdo especialmente aquella velada en Berlín dando la bienvenida a los refugiados: fue un gesto de una noche, y cada orquesta ha tenido sus propios métodos de tratar este asunto, pero he de decir que en contadas ocasiones he sentido una intensidad de escucha de cualquier público, gente que había ido a festivales de clásica y gente que no había escuchado una nota antes. Algo inolvidable.
Aquí te recomendamos las mejores películas sobre música que puedes ver en Netflix.
Estos son las mejores alternativas para que disfrutes en Netflix.La música seguirá siendo una gran acompañante en nuestra vida cotidiana, ya sea en el trabajo o en el estudio. Sin embargo, muchos desconocen el verdadero origen de las canciones compuestas por grandes artistas conocidos, es por ello, Netflix cuenta con un catálogo de series y películas referenciales a ello.
Si te consideras una gran amante de música y no puedes vivir sin ella, a continuación, te presentaremos los mejores largometrajes sobre música que puedes ver en Netflix.
Purple Rain
La película fue estrenada en 1984 y relataba algunas partes de la biografía del fallecido Prince. La historia se desarrolla en un ambiente ochentero y, de hecho, fue pensado para mostrar el gran talento del cantante.
Mi nombre es John Lennon
Con solo verla, podrás tener una idea que cómo se convirtió en un icono de la música. La película narra sobre un joven adolescente británico llamado John, además muestra sus inicios la agrupación legendaria: Los Beatles.
August Rush
En esta película no escuchará canciones populares, pero podrás disfrutar algunos temas acordes a la música clásica, ya que los protagonistas tienen conocimientos superdotados. El filme muestra la verdadera pasión de un compositor.
Rock of Ages
Si eres amante del género Rock, entonces esta cinta te fascinará. Dentro del largometraje escucharás canciones de Def Leppard, Journey, Joan Jett, Bon Jovi y otros. Sin duda disfrutarás algunos temas clásicos.
Janis: Little Gilr Blue
Es una documental sobre la legendaria cantante Janis Joplin, quién deslumbró con sus canciones al tener una poderosa voz y la gran intensidad en la interpretación. Al verlo podrás saber algunos hechos que vivió durante su carrera.
Amy
Su trágica muerte sorprendió al mundo, pero sus canciones quedaron inmortalizadas. El documental muestra la otra cara de Amy Winehouse, pero al mismo tiempo podrás escuchar sus grandes composiciones.
La cantante anunció que comenzará la primera de 27 actuaciones en el Park Theater el 28 de diciembre.
Lady Gaga va camino a Las Vegas para una residencia musical que comenzará en diciembre e incluirá dos tipos de espectáculo.
La cantante anunció el martes que comenzará la primera de 27 actuaciones en el Park Theater el 28 de diciembre. Lady Gaga Enigma resaltará los más grandes éxitos bailables de la estrella pop, mientras que “Lady Gaga Jazz & Piano” incluirá canciones más austeras. Los boletos salen a la venta el 13 de agosto.
Gaga ha ganado seis premios Grammy y es más conocida por éxitos de dance-pop como Poker Face y Born This Way. También lanzó un álbum de jazz con Tony Bennett.
La sexta versión del festival de rock que se realiza en lampa, a 30 min de Santiago.
Se anunció un encuentro interesante de rock nacional: el festival Lampa Rock 2018, que reunirá a bandas como Fiskales Ad Hok, Devil Presley, Saken y varios otros, el sábado 27 de octubre en la Parcela Los Aromos de Lampa.
Se trata de una cita al aire libre, a 30 minutos de Santiago, que se realiza desde hace 6 años y por primera vez se hará más en grande. Habrá buses de acercamiento desde Santiago, 14 bandas en escena de diversos estilos desde hard rock, punk, blues, metal y otros. También habrá puestos de comida, de cerveza artesanal y juegos infantiles, así que un buen panorama familiar.
Sábado 27 de octubre a partir de las 12:00 hrs. (Las puertas abrirán a las 11:00 hrs.)
Camino Noviciado Norte. Parcela Los Aromos. Lote E-2. Lampa https://goo.gl/GKdb6V
Primera Preventa $3.000 a través de sistema Eventrid.
Venta de Comida y bebidas.
Movilización pública hasta las 21:00 hrs y también del festival con ticket en mano. (Se publicarán los horarios y recorridos).
Estacionamientos privados dentro del mismo recinto.
*Evento apto para todo público, prohibido el ingreso de alimentos y bebidas alcohólicas.
Sobre la oportunidad Sonora – Festival internacional de Compositoras, nació de las ansias de reafirmar la posición de creadora y compositora de la mujer dentro de la música. Sonora, surge de las ganas de cantar en varias lenguas, dialectos, géneros y estilos, acompañadas por instrumentos o por nuestras propias voces: las compositoras existen!!
El festival es articulado y gestionado por productoras y mujeres que trabajan con música de cada ciudad convocada y, en 2017, llegó a más de 50 ciudades y 15 países!. En Chile, en su segunda edición, Sonora actúa en 7 ciudades con productoras locales (Santiago, Valparaíso, Viña del Mar, Puerto Montt, Concepción, Talagante y La Serena), todas conectadas bajo una coordinación general para la formación de una red que fortalezca el trabajo de la mujer en la música. El festival tiene como mayor objetivo evidenciar la composición femenina.
Sobre Sonora • Festival Internacional de Compositoras 2018
El Sonora • Festival Internacional de Compositoras surgió en Brasil, en 2016, con la intención de visibilizar el trabajo de las mujeres compositoras y legitimar la presencia de la compositora en el escenario musical, estimulando, a través de la colectividad, su fortalecimiento en el ámbito individual.
En 2018 el festival se realizará en 74 ciudades / 16 países, siendo hoy el mayor festival de música femenina del mundo.
El Sonora fue pensado a partir del hashtag #mulherescriando, que fue ideada por la musicista Deh Mussulini con la intención de romper el imaginario de que hay pocas compositoras. Con la repercusión, algunas compositoras esparcidas por Brasil han concebido la idea de un festival dirigido a las mujeres que crean su arte. Amorina, Bia Nogueira, Deh Mussulini y Flavia Elena de Belo Horizonte, Ana Luisa Barral Salvador, LaBaq de Sao Paulo, Ilessi de Río de Janeiro e Isabel Bretz de Belo Horizonte, Lisboa y Dublín. Esas son las mujeres que pensaron la forma y el concepto del Sonora, ya partir de ahí, varias otras mujeres agregaron a las ideas y las iniciativas del proyecto. El Sonora es íntegramente ejecutado por mujeres (cis y transgénero), de forma colaborativa, a través de una red de compositoras y productoras.
La compañía Circonciente representó a Chile y a México en el festival de teatro alternativo francés Avignon Off, con la puesta en escena de 22 funciones de Risas de papel, montaje que resultó ganador del “Coup de couer” (“Flechazo al corazón”) de los premios Tornasol.
En la pieza teatral participaron como creadores los chilenos Camila Aguirre(directora); Rocío Troc (diseño y realización de vestuario); y Eduardo Jimenez Cavieres (diseño de iluminación y escenografía).
La coproducción chileno-mexicana tuvo muy buena recepción del público, prensa y crítica francesa. Fue la calidad artística del proyecto lo que lo llevó a esta premiación, que evoca a la defensa y protección del planeta, biodiversidad, clima, ecología y solidaridad humanista: feminismo, igualdad de derechos, justicia, amistad entre los pueblos, libertad de movimiento y derecho a la educación.
Risas de Papel fue seleccionada entre 90 proyectos postulados con la temática de protección del medio ambiente y promoción de la ecología humanista. Seis miembros del jurado vieron la obra en diferentes días, otorgándoles el premio especial del jurado: el “Coup de Coeur” (flechazo al corazón).
“Risas de Papel”
La directora de la obra, Camila Aguirre, declaró: “Para nosotros ha sido muy bueno hacer este equipo de coproducción entre dos países latinoamericanos, hemos sido la presencia de latinoamérica aquí en Avignon Off y estamos muy contentos primero de representar tanto a Chile como a México”, contó.
“Hemos conformado un gran equipo que habla desde nuestro lugar, nuestro continente y esto que también sirva de motivación a los jóvenes artistas que puedan venir también a representar nuestra cultura y nuestra visión del mundo en este importante festival de Europa, creo que las puertas siempre están abiertas”, agregó.
A su regreso, la compañía Circonciente gestiona una temporada de Risas de papel por diferentes ciudades de Chile, entre enero y marzo de 2019.
Gracias a un convenio realizado con Studio Master la comunidad Projazz tendrá la oportunidad de arrendar un estudio de grabación de alto a nivel a un precio espectacular. Cada jornada (9 horas) tendrá un costo de $100 mil,(valor hora de grabación $11.111). Precio normal $200.000.
Esta promoción es válida para profesores/as, estudiantes y funcionarios/as
Considerado uno de los mejores álbumes en vivo de la historia del rock, “Second Out” de la banda Genesis es revivido este sábado 1 de septiembre en el Teatro NESCAFÉ de las Artes por la reconocida banda Argentina GENETICS.
Conmemorando los 40 años de su lanzamiento, GENETICS nos presenta un espectáculo donde interpretarán los éxitos de la gira de 1977, logrando la sonoridad original apoyándose en elementos tecnológicos que les permiten recrear instrumentos utilizados en los 70 como el mellotron y el uso de un sintetizador igual al que utilizaba el tecladista de Genesis, Tony Banks.
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Hace 49 años, ‘The Beatles’ se tomó la foto más icónica del grupo. Datos alrededor de la portada de su undécimo álbum ‘Abbey Road’.
19 curiosidades de la foto más famosa de Los BeatlesFoto: Beatles Maniac 11
1. Ese 8 de agosto de 1969, la sesión de fotos duró 10 minutos.
2. Un policía se tomó la molestia de parar el tráfico mientras The Beatlescruzaban la calle.
3. Iain Mcmillan, el fotógrafo, era un amigo de John Lennon y Yoko Ono.
4. Linda McCartney, la esposa de Paul, que también era fotógrafa, tomó fotos del grupo mientras esperaban para cruzar.
5. Mcmillan uso una cámara Hasselblad, un lente gran angular de 50mm, una apertura de f-22 y a 1/500 segundos.
6. Paul McCartney hizo un boceto de la portada antes de que salieran a hacer la foto.
7. En total se tomaron seis fotos.
8. La imagen que eligieron era la única en la que todos estaban caminando al mismo tiempo.
9. El 22 de mayo del 2012, una de las fotos de esta sesión se subastó por 25.000 dólares.
10. Los fanáticos de la conspiración que decía que McCartney había muerto y que The Beatles lo habían reemplazado por un farsante, tomaron la portada como una pista. John Lennon, vestido totalmente de blanco, representaba el sacerdote, Ringo Starr, de negro, representaba el enterrador, Paul McCartney, descalzo, era el muerto, y al final George Harrison, el sepulturero.
11. En cuatro de las seis fotos que se tomaron, McCartney cruzó la calle descalzo cuatro veces, y las otras dos uso sandalias.
12. A excepción de George Harrison, todos llevaban puesto trajes diseñados por Tommy Nutter.
13. La grabación del undécimo álbum de estudio Abbey Road comenzó en abril del año 1969.
14. El lanzamiento oficial fue en el Reino Unido el 26 de septiembre de 1969.
15. Abbey Road fue el último trabajo discográfico de The Beatles.
16. El álbum inicialmente se iba a llamar Everest, pero ir a la montaña para tomar la foto era un poco inconveniente.
17. Este fue el primer álbum de The Beatles que fue grabado usando tecnología de ocho pistas.
18. George Harrison fue uno de los primeros en comprar un Moog, y el instrumento terminó en los estudios de Abbey Road en agosto de 1969.
19. Para el tema The End, la penúltima pista del disco, Harrison, McCartney y Lennon se compartieron el solo para guitarra, uno tocando detrás después del otro. Para Starr, esta fue la única vez que tocó un solo para batería.
La guitarra de plástico del Guitar Hero no solo consiguió sonar como el solo más demente de Lynyrd Skynyrd: también revitalizó a una industria tan averiada como la musical.
Cuando la pequeña Harmonix anunció en plena era Napster el lanzamiento del primer Guitar Hero, lo hizo acompañado de un periférico con forma de guitarra plástica que no recibió mucha atención.
La compañía norteamericana se había especializado en adaptar juegos japoneses de karaoke, por lo que un proyecto de esas características no tenía mucho sentido fuera del país de Kenso.
Videojuegos de baile y simuladores de instrumentos existían desde mucho antes en Japón: DrumMania, BeatMania o Guitar Freaks, por nombrar algunos, lo demuestran. Harmonix, de hecho, llevó a occidente la esencia de Guitar Freaks, disminuyendo los niveles de dificultad y curando una lista de canciones que agregó desde “Take me out” de Franz Ferdinand a “Killer Queen” de Queen y “Ziggy stardust” de Bowie.
La firma fundada en 1995 por dos alumnos del Instituto de Tecnología de Massachusetts, Alex Rigopolus y Eran Egozy, no había dado resultados importantes hasta que entró en juego RedOctane, algo así como el luthier de la famosa guitarra plástica.
Vamos a decirlo claramente: el éxito fue inmediato.
Incluso, exprimiendo todavía más la idea de simular a una banda de rock enchufada al televisor, los desarrolladores ampliaron la apuesta a más perféricos/instrumentos y nuevas sagas. Así nacieron Rock Band, SingStar, Dj Hero y BandFuse, entre otras.
Por qué Guitar Hero salvó a la música
Polemista experimentado, Lars Ulrich, el baterista de Metallica, tuvo solo halagos para el nuevo fenómeno.
“Son juegos que conectan a generaciones de amantes de la música y permiten que, por ejemplo, mis hijos se entusiasmen con Deep Purple, Black Sabbath, Foo Fighters y otras de mis bandas favoritas”, señaló a los medios.
Metallica, después del episodio Napster, fue uno de los primeros grupos que entendió que los simuladores de instrumentos eran una potencial fuente de nuevos ingresos para la industria de la música.
Y así sucedió. Cuando apareció Guitar Hero: Aerosmith, los discos de la banda de Steven Tyler se vendieron un 40% más.
Metallica, por su lado, tomó nota de la experiencia y sacó a las bateas su disco Death magnetic en CD, vinilo y como versión descargable para Guitar Hero III.
Es decir, el disco completo podría ser jugado el mismo día que apareció para el resto de formatos.
Lo que hicieron Guitar Hero y los videojuegos que vinieron después fue centrar la experiencia del jugador en el rock de guitarras. Para ello echaron mano a la histórica discoteca de la década del 60 y, por supuesto, a todos los estilos posteriores que sentaron raíces en la música de Led Zeppelin, The Beatles y Black Sabbath.
La saga iluminó, por así decirlo, a algo que nunca debió salir de foco: las canciones. Y de paso revitalizó los bolsillos de la industria de la música: cifras de la cadena GameStop consultadas por CNBC dieron luces sobre los videojuegos que más recaudaron en Estados Unidos. Y los títulos con periféricos (guitarras, baterías, micrófonos o tornamesas) llevan la delantera.
Guitar Hero III lidera el ranking de CNBC con US$830 millones y, más abajo, donde destaca la saga de shooters Call of Duty, aparecen Rock Band y Guitar Hero World Tour.
Estos son algunos de los títulos de culto del género, que incluyen estilos como rock, pop, soul y hip-hop, en una selección de Culto.
1- The Beatles: Rock Band (PlayStation 3, Xbox 460, Wii)
Un verdadero videojuego de colección. El título publicado por Harmonix en 2009 no solo revive la intensa historia del cuarteto de Liverpool, desde su histórico primer show en The Tavern hasta el mítico concierto en la azotea el edificio de Apple Corps en Londres. También echa mano a lo más selecto de la discografía de los autores de “Tomorrow never knows”, “Revolution” y “Something”. Además cuenta con la posibilidad de comprar réplicas del bajo Höfner de McCartney, la batería Ludwig de Ringo y las guitarras Rickenbacker y Gretsch de Lennon y Harrison completando la experiencia de los “Fab four”.
2- SingStar Motown (PlayStation 3)
La saga SingStar es una serie de videojuegos de karaoke y el capítulo Motown utiliza como catálogo al principal sello discográfico surgido en los años 50. Uno que hizo escuela en la música popular global alcanzando esa cumbre distintiva que conocemos como “sonido Motown”, mérito inexpugnable del pop y R&B de sus cultores. El título permite (intentar) interpretar únicamente en voz los temas de gente tan importante para la música como The Supremes, Stevie Wonder, The Jackson 5 y Marvin Gaye, entre muchos otros.
3- Rock Band 3 (PlayStation 3, Xbox 360)
En medio de la época dorada de este tipo de videojuegos, Rock Band 3 fue desarrollado por Harmonix, publicado por MTV Games y distribuido por la gigante Electronic Arts. Acá podemos formar nuestra propia banda musical con cantante, guitarrista, bajista y/o baterista, con un repertorio de canciones que incluye a “Bohemian rhapsody” de Queen, “Free bird” de Lynyrd Skynyrd, “Jerry was a car driver” de Primus y “Just like heaven” de The Cure, entre 83 temas, muy en la línea del Guitar Hero: Warriors of Rock, que además de Black Sabbath, Megadeth, Slipknot y Muse, incluye un modo historia narrado por Gene Simmons de Kiss.
4- BandFuse: Rock Legends (PlayStation 3, Xbox 360)
Al igual que en Rocksmith, acá los usuarios pueden conectar una guitarra eléctrica real y tocar gracias a un adaptador que lleva el sonido de tus dedos a la consola. Músicos de la talla de Slash de Guns N’ Roses o Zakk Wylde de Ozzy Osbourne operan como tutores para aprender a dominar el instrumento entre canciones como “You oughta know” de Alanis Morissette, “No rain” de Blind Melon, “Alive” de Pearl Jam o “Show I stay or should I go” de The Clash.
5- DJ Hero 2 (PlayStation 3, Xbox 360, Wii)
Lo distintivo acá es el periférico: una tornamesa con la que debemos convertirnos en un reputado DJ y productor musical mezclando canciones y estilos. La experiencia se completa con 85 temas de gente como Dr. Dre, The Chemical Brothers, Daft Punk, Kanye West, Lady Gaga y Rihanna. Como dato, se puede ocupar al conocido DJ Deadmau5 como personaje en el juego.
6- Guitar Hero: Metallica (PlayStation 3, Xbox 360)
Recorre las primeras dos décadas de carrera de Metallica, para repasar su discografía desde el heavy de Kill’em all (1983) hasta el insípido St. Anger (2003), reescribiendo la historia de los californianos según el evangelio de James Hetfield, Kirk Hammett y Lars Ulrich: esto es omitiendo la participación de los históricos Dave Mustaine, Cliff Burton y Jason Newsted en la banda. Algo que también puede leerse como un espaldarazo a su actual bajista Robert Trujillo. El catálogo de canciones incluye la mayoría de las cumbres de Metallica: “One”, “Battery”, “Enter sandman”, “Fuel”, “No leaf clover” y temas como “The unforgiven”, “Sad but true” y “Nothing else matters”.
7- SingStar Queen (PlayStation 3)
Un tremendo título con la difícil misión de emular la voz del legendario Freddie Mercury y sus secuaces. El juego ofrece la posibilidad de intentarlo en 24 canciones, desde “Somebody to love” y “Radio Ga Ga” hasta la demandante “Bohemian rhapsody”, “I want to break free” y “We are the champions” en distintos niveles de dificultad.
8- Def Jam Rapstar (PlayStation 3, Xbox 360, Wii)
Un título dedicado por completo al hip hop, donde debemos interpretar y rapear temas con un micrófono inalámbrico y, claro, demostrar si se tiene o no flow. Y apreciar el talento de los MCs y músicos de un nutrido catálogo donde destacan Beastie Boys, Notorious B.I.G., 2Pac, 50 Cent, Dizzee Rascal, Ice Cube, Outkast, Public Enemy, Run-D.M.C., Kanye West y Snoop Dogg.
9- SingStar ABBA (PlayStation 3)
Acá un juego dedicado exclusivamente a la banda sueca con 25 de sus hits para cantar. Desde “Dancing queen” a “Mamma mia” pasando por “Super trouper”, “Take a chance on me” y “Gimme! gimme! gimme! (a man after midnight)”.
10- AC/DC Live: Rock Band (PlayStation 3, Xbox 360)
Un título necesario para entender cómo operan las guitarras en el universo de los hermanos Young. Eso sí, el título dedicado a la banda australiana cuenta con apenas 18 canciones de los hombres de “Back in black”. Y todas son crudas versiones en directo, configurando una experiencia breve aunque intensa.
11- Michael Jackson: The Experience (PlayStation 3, Xbox 360, Wii)
Aunque lo central es emular los pasos de baile de Michael Jackson en coreografías como las de “Bad”, “Beat it”, “Billie Jean” y “Smooth criminal”, el título también cuenta con un modo de karaoke para atreverse a cantar las canciones del “rey del pop”.
12- Guitar Hero: Aerosmith (PlayStation 3, Xbox 360)
El juego sigue los pasos de la banda de Steven Tyler, Joe Perry, Brad Whitford, Tom Hamilton y Joey Kramer, con sus propias canciones como soporte pero además con las de la gente que los inspiró a hacer música: Cheap Trick, The Kinks, Joan Jett y The Clash. El juego solo ocupa la guitarra como periférico.
13- Rock Band: Green Day (PlayStation 3, Xbox 360)
A diferencia del título anterior, acá podemos emular los bajos, guitarras, voces y baterías del catálogo de Green Day. El título sigue la historia de la banda profundizando en sus discos Dookie (1994), American idiot (2004) y 21st Century breakdown (2009), sin dejar de lado éxitos como “Good riddance (time of your life)” del Nimrod (1997) o “Minority” del Warning (2000).
14- SingStar Mecano (PlayStation 3)
Juego de karaoke dedicado por completo al grupo madrileño que brilló durante los años ochenta y primeros de los noventa gracias a la voz de Ana Torroja y el señero sonido de los hermanos Nacho y José María Cano. Incluye 30 temas como “Bailando salsa”, “Hawaii-Bombay”, “Me cuesta tanto olvidarte”, “Hoy no me puedo levantar”, “Barco a Venus” y “Aire”.
15- Singstar (PlayStation 3)
Es el juego de karaoke por defecto. E incluye un nutrido catálogo de temas de Blur, Beck, Britney Spears, Scissor Sisters, Outkast, David Bowie, The Killers, Blind Melon y tantos otros, siempre listo para prender cualquier fiesta. Como ocurre con las sagas Guitar Hero, Dj Hero y Rock Band, Singstar incluye un amplio catálogo online donde se pueden comprar más canciones para ampliar la experiencia de juego.
Si bien tenían estilos musicales muy diferentes, ‘La voz’ y ‘El Rey del rock’ cantaron juntos una noche de primavera a comienzos de los 60.
Elvis Presley ingresó a las Fuerzas Armadas estadounidenses el 24 de marzo de 1958. Dos años después -el 5 de marzo de 1960- dejó de cumplir servicio y se retiró del ejército. Si bien no fue hasta marzo de 1964 que fue desligado oficialmente de la institución, El Rey se dedicó inmediatamente a retomar la música, y lo hizo con nadie más y nadie menos que Frank Sinatra.
El oriundo de Misisipi estuvo alejado de la música durante este periodo, y temía que el público lo hubiese olvidado restándole el derecho a retornar a los escenarios con el éxito de antaño. Además, sufrió la muerte de su madre Gladys.
El Rey estaba desolado.
Frank Sinatra, el reconocido cantante de jazz y blues, decidió organizar un forma diferente para marcar su retorno a la escena musical con un especial televisivo llamado Frank Sinatra Timex Show: bienvenido a casa Elvis.
La iniciativa llamó la atención entre las fanaticadas de ambos artistas no solo por los géneros disimiles en que triunfaban, también por la declaraciones que Frank Sinatra dio contra el estilo insigne de Presley: “El rock and roll huele falso y falso. Está cantado y escrito en su mayor parte por matones cretinos… se las arregla para ser la música marcial de todos los delincuentes con colas en la faz de la tierra… Es la forma más brutal, fea, desesperada, viciosa de expresión que he tenido la desgracia de escuchar”, escribió en la revista francesa Western World en 1957.
Pero, a sus 45 años, Sinatra veía amenazado su prestigio y popularidad por parte de este joven 20 años más joven que atraía a las masas y enloquecía al público. Por sugerencia de su hija Nancy, la voz de “Fly me to the moon” decidió unirse a su amenaza artística en vez de declararle la guerra.
El lugar fue el Hotel Fontainebleau de Miami, y el día de grabación fue el 26 de marzo de 1960. El Rey se veía distinto. Más recatado, con la mirada sombría y movimientos contenidos en un esmoquin negro a juego con el de Sinatra. Sin embargo, esto no fue impedimento para que una mirada o una sonrisa desataran el fervor de la audiencia.
Tras la interpretación de un par de canciones por parte de Elvis, Sinatra regresó al escenario para cantar a dúo con él. “Haces brujería, y yo haré otro tipo de magia”, dijo ‘La voz’, quien comenzó a cantar una reversión de “Love me tender” mezclada con “Witchcraft”.
Presley cobró 125 mil dólares de la época por su participación en el show que fue emitido el 12 de mayo de ese año. Desde entonces, los artistas desarrollaron una amistad que se mantuvo con los años.
Del 5 de septiembre al 17 de octubre, el GAM ofrecerá el taller Star Wars y sus claves como cine de autor, a cargo del periodista y crítico de cine Leopoldo Muñoz.
El taller contempla seis clases y tendrá un valor de 70 mil pesos por todas las sesiones. Todos los detalles, en el sitio del GAM. Inscripciones al correo bibliogam@gam.cl.
Acompaña a Karen Rodenas este 6 de septiembre
