Notas destacadas

La nueva película basada en los éxitos del grupo, que debuta hoy en Chile, vuelve a demostrar la habilidad de los suecos para administrar su legado.En mayo, una ejecutiva del sello sueco Polar Music, la subsidiaria de Universal que posee los derechos de la música de ABBA, aseguró que el desaparecido cuarteto sigue vendiendo aproximadamente un millón de discos cada año. Una cifra sorprendente para cualquier artista que navega en la industria musical moderna, pero especialmente llamativa para un grupo separado hace más de 35 años, con integrantes que no cuentan con la exposición mediática de otros sobrevivientes de los proyectos musicales más populares y rentables de la historia, como los Beatles o Pink Floyd.

Lo cierto es que pocos artistas han sabido administrar mejor su legado -y monetizarlo- que el cuarteto de Estocolmo; en especial Björn Ulvaeus y Benny Andersson, la dupla masculina de compositores y letristas del conjunto, que han encontrado un segundo tiempo en sus carreras llevando su imbatible catálogo a los teatros y a los cines.

¿El último ejemplo? Mamma mia! Vamos otra vez, la segunda película inspirada en la música del grupo, que llega hoy a los cines chilenos tras haber recaudado más de US $350 millones en el mundo.

Incluso, debido a proyectos como éste último, se podría afirmar que el impacto actual del grupo es igual o mayor al que tuvieron durante la década que permanecieron juntos, y que se cerró en 1982, con el término de los dos matrimonios que la conformaban (el de Ulvaeus con Agnetha Fältskog y el de Andersson con Anni-Frid “Frida” Lyngstad). El quiebre hizo que la popularidad de ABBA fuera decayendo considerablemente en los 80, pero la reedición de su catálogo por parte de Polar, a fines de esa década, comenzó a revivir el interés por la música de los suecos, a través de populares compilaciones de éxitos inmortales y las irreemplazables voces de su tándem femenino.

La nueva edad de oro

Fue en 1999 que el grupo selló una posición permanente en la cultura pop, gracias al musical Mamma mia!. Andersson y Ulvaeus ya habían iniciado una exitosa carrera como compositores de montajes teatrales cuando la productora Judy Craymer los convenció -tras años de insistencia- de adaptar las canciones de ABBA a una obra musical. El debut en Londres de ese año marcó el inicio de uno de los musicales más exitosos de los últimos 20 años: Mamma mia!ha sido estrenada en más de 50 países (incluyendo 14 años en Broadway) y traducida a 26 idiomas, recaudando más de US $ 2 mil millones a la fecha.

A casi dos décadas de su estreno, el montaje sigue siendo parte fundamental de la popularidad de ABBA frente a nuevas audiencias. No sólo sigue estrenando versiones en nuevos países (este año se sumó Finlandia y Bulgaria), sino que su taquillera adaptación cinematográfica de 2008 añadió una secuela, que llega a salas chilenas un mes después de su debut en el Hemisferio Norte. En ambas ocasiones los ex ABBA han sido productores tanto de la película como de la música de la cinta.

En la nueva entrega, tras la muerte de la protagonista, Donna (Meryl Streep), su hija Sophie (Amanda Seyfried) se prepara para reabrir el hotel que fundó su progenitora como una forma de honrarla. A través de flashbacks se muestra cómo una joven Donna (Lily James) se terminó instalando en la ficticia isla griega donde se desarrolla la historia, conociendo en el camino a los tres hombres que podrían ser el padre biológico de Sophie. Pero cualquier argumento -que en ambas películas es el aspecto más débil- es una excusa para ver el catálogo de los suecos interpretado en pantalla.

Su permanente época de gloria no es sólo financiera. La influencia que el grupo mantiene hasta el día de hoy en la música popular alcanza a diversas generaciones y estilos musicales. La legendaria cantante Cher, que en Mamma mia! 2 regresa a la actuación tras ocho años, reveló que su participación en la película la inspiró a grabar un disco de covers de ABBA que lleva por nombre Dancing queen y se publicará en septiembre. Hasta el grupo de rock nacional Weichafe versionó la balada The winner takes it all en español, con un cover estrenado este año en el programa 3era Voz de La Tercera.

Pero ABBA no vive sólo del pasado. En abril, el grupo anunció la grabación de dos nuevos sencillos, los primeros con formación completa en más de tres décadas, que verán la luz en diciembre en un especial televisivo. No los interpretarán ellos sino hologramas, en un espectáculo que girará por el mundo en 2019. A pesar del hito, difícilmente constituye un regreso: la música de ABBA parece no haberse ido nunca.

Fuente / Foto: https://www.latercera.com/entretencion/noticia/abba-reafirma-vigencia-la-cultura-pop-secuela-mamma-mia/300440/

Entre el 8 y 14 de octubre, el festival ofrecerá una muestra de 25 películas que marcaron su historia.

Aplaudidas, nominadas e invitadas a festivales internacionales. Así son recordadas las 25 cintas nacionales seleccionadas para la Muestra Especial que celebra los 25 años del Festival Internacional de Valdivia. Sin embargo, su exitoso paso por las grandes pantallas no son los motivos por los que forman parte de la programación, más bien se debe a que la trayectoria de sus directores está ligada a la historia de este encuentro cinéfilo. Así, entre el 8 y el 14 de octubre, y en medio de sus distintas secciones y competencias, FICV 2018 proyectará 6 largos y 19 cortometrajes locales que datan desde 1994 a la fecha.

“La idea no es mostrar los mejores de la historia del festival, sino lo primeros pasos de estos directores”, dice Raúl Camargo, director del evento desde 2014. “Tuvimos dos criterios para la selección, uno es que la filmografía de los directores haya partido a la par del festival”, cuenta. El segundo, agrega, es que los participantes tengan al menos un estreno en los últimos años.

Sin fechas confirmadas, la sección de largometrajes abre con La sagrada familia (2005), ópera prima del reciente ganador del Oscar, Sebastián Lelio. El filme, que después de 13 años vuelve a la capital de la Región de los Ríos donde tuvo su premiere latinoamericana, transcurre durante un feriado de semana santa en la casa de playa de una familia de arquitectos. Marco (Néstor Cantillana), estudiante de arquitectura, tiene una relación competitiva con su padre (Sergio Hernández) que queda a la deriva cuando Soledad (Coca Guazzini), su madre, retorna a la ciudad, y se agrava aún más cuando aparece Sofía (Patricia López), su novia.

La programación también incluye a Mirageman (2007), cinta de Ernesto Díaz, que cuenta la decisión de Marko, quien se viste como superhéroe para sacar adelante y motivar a su hermano internado en un centro de salud. Le siguen Gatos viejos (2010), de Sebastián Silva y Pedro Peirano, que retrata la vida cotidiana de Isidora (Bélgica Castro) quien padece síntomas de Alzheimer y tiene una inesperada visita de su hija; El otro día (2012), documental de Ignacio Agüero donde una cámara recorre su casa hasta que suena el timbre y un extraño cambia el relato; Naomi Campbell (2013), primera película de Camila Donoso y Nicolás Videla, que mezcla ficción y documental, y sigue la vida de Yermén, una transexual que conoce a una inmigrante que desea operarse y ser igual a Naomi Campbell.

La selección concluye con Neruda (2016), cinta de Pablo Larraín sobre la persecución que vivió el poeta en 1948, cuando el gobierno de González Videla declaró ilegal al Partido Comunista.

Camargo adelanta que la proyección de estos seis largometrajes se realizará en las tardes, mientras que los cortos tendrán cita durante las mañanas y fueron agrupados en cinco ejes temáticos. Uno de ellos trae cortos sobre infancia y adolescencia, e incluye a la ganadora del Oscar, Historia de un oso (2014) y a Los trapecistas (2006) de la documentalista Maite Alberdi. Habrá un espacio dedicado a cintas experimentales como Reunión (1995), de Tomás Weiss, y a mujeres y vanguardia que incluye el corto documental de Marialy Rivas, Desde siempre (1996).

“Revisamos todos los catálogos”, cuenta el director y agrega: “Encontramos Se arreglan fotos (1998), un corto de Matías Bize de cuando estudiaba, y también Reunión de familia, de Andrés Wood, y que son parte de la sección Los Inicios del Novísimo Cine Chileno”.

 

Foto / Fuente: http://culto.latercera.com/2018/09/01/fic-valdivia-celebra-25-anos-cine-chileno/

El fin de semana recién pasado, en el Centro Cultural, se presentó la obra de teatro “Amores de cantina” del dramaturgo chileno Juan Radrigán. La función se hizo en el marco de la nueva cartelera cultural que implementó este año la Municipalidad de Punta Arenas.

La iniciativa mantendrá de forma constante diversas presentaciones hasta el mes de diciembre, con puestas en escena e invitados nacionales y regionales. Los recintos que se utilizarán para estos espectáculos son el Centro Cultural y el Teatro Municipal.

Según especifica la programación, las obras de teatro contarán con mayor presencia en el escenario, durante el transcurso de esta cartelera. Desde la Dirección de Desarrollo Comunitario (Dideco) del municipio, la cual está encargada de organizar todas estas actividades, precisaron que las puestas en escena más relevantes son “El corazón del gigante egoísta” de la dramaturga Manuela Infante, la cual se exhibirá el 23 de septiembre en el Centro Cultural. Esta propuesta teatral está inspirada en el cuento de Oscar Wilde, “El gigante egoísta”.

El espectáculo desde la entretención busca hacer reflexionar sobre el egoísmo, con un personaje principal llamado Eliodoro, un señor con mucho poder y dinero que está al borde de la muerte por una enfermedad cardiaca. En esa agonía, desde la máquina que marca sus latidos comienza a sonar la voz de su corazón, que hace todo lo posible para dar a conocer su relato con referencias de la cultura popular, humor y contingencia. La función es tanto para niños como adultos.

Otras de las obras que destaca es “Amante de otoño” de José Andrés Peña, cuya función está programada para el 27 de septiembre, en el Centro Cultural. La puesta en escena está enfocada en un hombre mayor que ha fracasado dos veces en sus relaciones matrimoniales. Al tiempo conoce a una joven y hermosa mujer, que le hace cuestionarse y criticarse por su nueva relación, usando al público como confidente y testigo de lo que está ocurriendo. Por su parte, la coprotagonista también plantea dudas, interactuando con el público, haciendo que el montaje sea una comedia de amor, amable, graciosa, emotiva, manifestando que el amor verdadero no tiene edad.

La creatividad de Juan Radrigán vuelve a Punta Arenas, pero en esta ocasión con “El loco y la triste”. Esta obra relata el encuentro de dos personajes marginales; Eva, una prostituta llena de frustraciones y anhelos, y el Huinca, un borracho al borde de la muerte sediento de libertad. Ambos comparten sus experiencias de vida con momentos cómicos y profundos espacios de honestidad. La puesta en escena rescata la esencia de los personajes poniéndolos en un contexto donde sus emociones y anhelos de vida son graficados a través de un mecanismo visual que complementa el relato. El objetivo final del montaje, es acercar al espectador al drama del desposeído. La función está programada para el 29 de septiembre, en el Centro Cultural.

Para el 24 de octubre, en el Centro Cultural, se contempla la presentación de “Secretos de camarín”. Viviana Rodríguez, Julio Milostich, Carmen Gloria Bresky, Ricardo Vergara, Rocío Toscano y Renato Munster, interpretan a sus respectivos personajes en la telenovela, “Verdades Ocultas” de Mega, pero también llevan a cabo este montaje escénico que revela las divertidas anécdotas que suceden en un estudio de grabación.

Los tiempos de espera entre una escena y otra, así como los chascarros que suceden durante los rodajes, las improvisaciones y las vivencias propias del set, son parte del hilo conductor de esta obra de teatro.

Todas las funciones son gratuitas, sin embargo algunas podrían requerir el retiro previo de entradas días antes de cada función.

Fuente y Foto: https://laprensaaustral.cl/espectaculos/el-teatro-nacional-marcara-la-cartelera-cultural-municipal/

Michael Jackson, el conocido «rey del pop», hubiera cumplido 60 años este 29 de agosto.

Falleció a los 50 en 2009. Jackson era un laureado cantante, bailarín, productor, compositor, actor y hasta ícono de la moda para sus admiradores.

La estrella de la música ganó fama mundial como artista en solitario con éxitos como Thriller, Billie Jean y Bad.

Su extensa carrera musical le llevó a ganar hasta 13 premios Grammy y ser considerado un revolucionario.

Aquí te presentamos 5 formas en las que Michael Jackson cambió la música.

1. Abajo con las barreras raciales

Después de que Thriller, su sexto disco en solitario, fuera un gran éxito en 1982, Jackson comenzó a ser llamado el «rey del pop». Durante mucho tiempo, Thrillerfue el mayor éxito de ventas de la historia.

El cantante recibió elogios de la comunidad negra por haber roto las barreras raciales en la industria de la música.

Artistas como Kanye West y The Weeknd nombran a Michael Jackson como una de sus grandes influencias

Fue considerado la primera estrella negra que atrajo a un público de todos los orígenes, marcando el inicio de una nueva era para los futuros artistas afroestadounidenses.

Hoy, muchos artistas negros como Usher, Kanye West y The Weeknd aseguran que el fallecido cantante fue una gran influencia para ellos.

2. Innovación

A pocas personas se les hubiese ocurrido sentarse a ver un video musical de 14 minutos hasta 1983, cuando se estrenó el de Thriller, que cambió nuestra forma de verlos.

El video, en el que Jackson baila con zombis y aparece disfrazado de hombre lobo, rompió los moldes en materia de duración y efectos especiales.

La canción revolucionó el concepto de video musical y sus icónicos pasos de baile todavía son populares e imitados.

La coreografía del icónico video de Michael Jackson ‘Thriller’ video todavía es bailada por miles de fanáticos en todo el mundo

La revista estadounidense de música Rolling Stone escribió que Thriller fue el evento musical televisivo más importante desde que los Beatles aparecieron en el programa de Ed Sullivan.

Michael Jackson usó sus videos como una expresión de arte y no temió invertir grandes sumas de dinero para producirlos.

Thriller supuestamente costó más de US$500.000 en producir, algo que en ese entonces era una cantidad exorbitante.

Tras publicarse, la prestigiosa revista Time consideró a Michael Jackson «un rescate para la industria musical«.

Otros videos como Smooth Criminal, Remember the Time y Black or Whitesiguieron esa estela de innovación y éxitos.

3. Moonwalk

¿Quién puede olvidar la imagen de Michael Jackson agarrándose la entrepierna?

¿O el famoso moonwalk, en el que imita a un hombre caminando en la luna?

Los pasos de Jackson en el video de «Smooth Criminal» han sido estudiados por la ciencia

Michael Jackson tenía la habilidad de deslizarse con tan poco esfuerzo que casi parecía que estuviera usando efectos especiales en sus actuaciones.

Los pasos de Jackson en el video de Smooth Criminal que desafiaban a la gravedad fueron explicados hace poco por los científicos.

Esa ilusión, copiada tantas veces en múltiples partes del mundo, se obtuvo gracias a la ayuda de zapatos especialmente diseñados y de la fuerza de los músculos del torso del artista, lo que sin duda requirió muchas horas de rigurosa práctica.

4. Energía en vivo

Las actuaciones de Michael Jackson en la pantalla tenían a sus admiradores enganchados… pero fueron las que presenciaron en vivo las que terminaron de enamorarles.

El rey del pop era famoso por irradiar energía y transmitir la sensación de disfrutar la vida en el escenario.

Sus seguidores más fieles se ponían a gritar, llorar y hasta se llegaron a producir desmayos durante sus directos.

La última gira que anunció Jackson antes de su muerte emocionó mucho a sus seguidores

Cuando cantó Billie Jean en la celebración del 25° aniversario de la discográfica Motown se ganó un lugar en la historia de la música pop.

El artista también ayudó a crear y popularizar el concepto de «megagiras».

Su gira The Dangerous World Tour en 1992 duró cinco meses y sumó un total de 69 actuaciones.

Antes de su muerte, estaba planeando volver a los escenarios con la gira This Is It; 50 actuaciones que fueron anunciadas como sus últimas.

Los planes de Michael Jackson para volver a los escenarios a lo grande nunca se materializaron

La venta de billetes rompió récords, pero el artista falleció antes de poder llevarla a cabo.

Una de las compañías de eventos más grandes del mundo, AEG Live, calculó que Jackson hubiera ganado US$50 millones solo en los primeros 10 conciertos.

5. Perfil único

Pese a que Jackson obtuvo un éxito descomunal, también tuvo que lidiar con una cuota de polémica en su vida.

Cuando estaba en la cúspide de su carrera, a inicios de la década de los 2000, se carácter cambió después de una serie de acusaciones en su ámbito privado.

Hoy, su legado es una mezcla de talento natural increíble y un comportamiento extraño.

Cuando Michael Jackson asomó a su hijo por un balcón en 2002 fue muy criticado

Esta combinación creó una obsesión mediática que alcanzó niveles incomparables, algo que lo convirtió en una celebridad única.

Con los años, su piel empezó a aclararse y su nariz, a encogerse.

Su misterioso Rancho Neverland y su excéntrico estilo de vida levantaron más de una ceja. Y luego llegaron las múltiples acusaciones de abuso sexual a menores.

El inolvidable artista nunca fue condenado y dedicó sus últimos años a planear su regreso a los escenarios a lo grande, pero su inesperada muerte le impidió materializar su deseo.

 

Fuente: http://www.elmostrador.cl/cultura/2018/08/30/michael-jackson-5-formas-en-las-que-el-rey-del-pop-cambio-el-mundo-de-la-musica-para-siempre/

Las cajitas de música son quizás uno de los mejores regalos que podemos hacer, cuando queremos sorprender a alguien con algo que sea realmente especial y más, cuando la hemos hecho nosotros mismos. ¿Quieres saber cómo hacer una cajita de música? Pues no te pierdas la guía de pasos a continuación.Cajas de música

La caja de música es un instrumento musical que hoy todos conocemos como un objeto pequeño que, cuando se carga correctamente, emite una dulce melodía: a veces melancólica, a veces más alegre (por ejemplo, en las cajitas de música para niños).

La caja de música es un regalo original e inusual en la actualidad. Sin embargo, todavía se regala, especialmente a los niños con motivo de su nacimiento o eventos especiales, como bautizos o cumpleaños especiales. Además de para los niños, es un regalo que conquista incluso a los adultos, especialmente a las mujeres, ya que hay muchas cajitas de música se usan también como joyeros. Veamos entonces cómo hacer una de manera fácil.

Pasos para hacer una cajita de música

Existen varias maneras de hacer una cajita de música. Si tienes mucha destreza puedes fabricar una en madera, pero nosotros vamos a aprovechar una que tengamos por casa y de paso, reciclamos.

Materiales

• Caja pequeña con tapa (puede ser una de zapatos)
• Mecanismo musical (para colocar dentro. Lo puedes comprar en tiendas online como Amazon)
• Tijeras o cutter
• Pegamento o silicona caliente
• Washi Tape (cinta decorativa)

Pasos

1. Comenzaremos antes de nada, limpiando bien la caja para que no hayan restos de polvo y después procedemos con su decoración.
2. Podemos pintarla con pintura acrílica, aunque en nuestro caso, hemos optado por decorar la caja con un poco de cinta washi tape de colores. Lo único que debes hacer es cubrir bien la tapa con la cinta como más te guste (piensa que puedes comprar esta cinta con varios diseños) y luego añadir un lazo o cualquier elemento decorativo para que destaque.
3. La caja, por dentro, también puede ir decorada, pero sobre todo debes asegurarte de hacer un agujero en uno de los laterales de manera que puedas sacar por este la manivela del mecanismo musical. Utiliza unas tijeras o un cuter para hacer el agujero.
4. Una vez tengas el agujero hecho, debes colocar el mecanismo dentro de la caja, lo más próximo que puedas al agujero que has hecho y de este modo te será fácil sacar la manivela por fuera. Una vez has colocado el mecanismo, lo pegas a la caja con un poco de pegamento o con silicona caliente.
5. A continuación utiliza, si quieres un poco de cinta o más washi tape para reforzar las esquinas de la caja, para que te dure más tiempo así como la zona del orificio. Comprueba además que al girar la manivela, suena la música del mecanismo

6. ¡Listo! Ya tendrás hecha de manera fácil tu caja de música y aprovechar además para que sea un joyero o una caja para guardar cosas.

 

Foto / Fuente: https://okdiario.com/howto/2018/08/29/como-hacer-cajita-musica-3047193

La agrupación debutaba anoche en el Teatro Municipal de Las Condes, donde se presentará hasta el domingo 2 de septiembre.

Era el período de la Segunda Guerra Mundial y las tropas soviéticas enfrentaban a los alemanes dirigidos por Hitler. Más allá de las acciones de guerra, dentro de los diferentes batallones existían ensambles cuyo trabajo era animar y elevar la moral de los soldados . “Estos grupos simplemente trabajaban dentro del Ejército ruso, para dar ánimos y alegrar un poco la vida monótona de los militares”, cuenta el coronel Oleg Neklyúdov, director del Ejército Rojo de Moscú Red Star. Una vez terminada la guerra, estas agrupaciones se transformaron en una expresión íntegra de la cultura rusa.

El Ejército Rojo de Moscú Red Star es una de las agrupaciones culturales de origen militar más famosa de Rusia. Se presentaron por primera vez en vivo ante tropas soviéticas en 1978, y en abril de este año cumplieron 40 años de existencia. Conformada por 62 artistas, entre músicos, bailarines y cantantes, todos dirigidos por Neklyúdov, tenía ayer la primera de 10 funciones agendadas en el Teatro Municipal de Las Condes, en su primera visita a Chile.

La agrupación está compuesta por jóvenes que van desde los 19 años hasta adultos de más de 50. “Algunos están haciendo su servicio, y otros están contratados por el Ejército”, cuenta el coronel Neklyúdov. Distintas generaciones al interior del Ejército que cumplen con los requisitos que la agrupación les exige. “Todos hicieron la carrera musical, estudiaron en un conservatorio o en una escuela de música o danza. Son todos profesionales”, explica el director artístico.

El espectáculo cuenta con música tradicional rusa, donde destacan instrumentos como la balalaika (similar a la guitarra, pero de tres cuerdas y caja triangular) y el acordeón, además de un coro en su mayoría masculino, conformado por 20 personas.

El espectáculo incorpora una muestra de danzas típicas con coloridos vestuarios, en los que destacan característicos movimientos de giros y saltos. En cuanto a los instrumentistas, se trata de “una orquesta que no es sinfónica, pero que puede tocar todo tipo de música. Tiene sus cosas especiales porque es un ensamble militar, tiene una sección de ritmos de guitarras, trompetas, clarinetes, todo tipo de estos instrumentos”, comenta Neklyúdov.

Chile y Latinoamérica

Han recorrido más de 49 países. Incluso en 1996 actuaron en la Casa Blanca para el entonces presidente Bill Clinton. Sin embargo, pocas veces han pisado América Latina: solo se presentaron en México, país que han visitado en tres ocasiones y donde actuaron ante más de 10 mil personas en el Auditorio Nacional.

Esta es su primera visita a Chile. Llegaron el domingo recién pasado tras un extenso viaje que los trajo desde Moscú hasta Santiago, con escalas en Dubai y Sao Paulo. Tal como lo hacen en cada país que visitan, planean incluir dentro del repertorio algún clásico local. “Como Chile dista mucho de Rusia, y teníamos poca idea de su cultura y canciones, teníamos que informarnos un poco”, cuenta el coronel. Desde hace 6 meses que estaban enterados de su viaje a Chile, por lo que a pesar de estar constantemente de gira por Rusia, reconocen haber tenido el tiempo suficiente para averiguar y preparar su presentación.

Con ese fin recurrieron a la Embajada de Chile en Moscú, donde les entregaron un acercamiento a la cultura chilena, que les dio una base para su trabajo.

“Sacamos nuestras conclusiones y preparamos unas piezas que no voy a comentar porque es una sorpresa. En las piezas rusas estará representado el ánimo, la cultura y la impresión de cómo somos”, agrega Neklyúdov.

Foto / Fuente: https://www.latercera.com/cultura/noticia/musica-danzas-rusas-espectaculo-del-ejercito-rojo-moscu/299036/

Amazon está subiendo el volumen en el negocio de la música. El minorista en línea más grande del mundo montará la primera campaña de televisión nacional para su servicio de streaming de música, con anuncios que incluirán canciones de Ariana Grande, Kendrick Lamar y Queen.

La iniciativa es parte de un esfuerzo mayor que se extenderá a vallas publicitarias, video y radio en línea y tres países: Estados Unidos, Reino Unido y Alemania.

La música ha ascendido a la lista de prioridades de Amazon.com Inc. debido a la popularidad de los parlantes Echo de la compañía y la asistente virtual Alexa. La música es una de las solicitudes más comunes de Alexa, y las horas de escucha se han duplicado durante el último año, según la compañía.

El servicio de música ha ayudado a Amazon a diferenciar a Echo y Alexa de la competencia, señaló en una entrevista Steve Boom, presidente de Amazon Music. Vender altavoces inteligentes es el último campo de batalla entre los gigantes tecnológicos Apple Inc., Amazon y Google de Alphabet Inc., todos los cuales operan servicios de música.

“Estamos echando combustible al fuego”, dijo Boom en una entrevista. “Nos hemos posicionado como el líder en los servicios de música donde la voz es todo lo que se necesita para controlarlo”.

Difícil de medir

Amazon proporciona pocas métricas para corroborar la creciente popularidad de sus ofertas de música y no ha especificado cuánto planea gastar en la promoción actual.

Pero la compañía con sede en Seattle dice que decenas de millones de personas usan sus dos servicios de música. Amazon Music viene incluido en una membresía de Amazon Prime y ofrece una biblioteca de 2 millones de canciones con nuevas versiones limitadas. Amazon Music Unlimited tiene decenas de millones de canciones y cobra una tarifa mensual.

Amazon ha introducido su servicio de música en más de 35 países en el último año, y contrató a un equipo de ex ejecutivos de la industria y creadores de tendencias para programar listas de reproducción, obtener álbumes exclusivos y crear nuevas funciones diarias como la “Canción del día’.’

La compañía dice que apunta a un consumidor diferente que Apple o Spotify Technology SA. El comprador promedio de Amazon es un poco mayor y menos enfocado en hip hop y R&B. Los usuarios de Amazon pueden igualmente pedir jazz, música country o canciones para sus hijos. El dúo de rock de California Best Coast grabó un álbum para niños únicamente para Amazon, mientras que August Greene, un trío que incluye al pianista de jazz Robert Glasper, lanzó un álbum exclusivamente en el servicio.

Persiguiendo a Spotify

En muchas industrias, la sola amenaza de Amazon hace caer los precios de las acciones. La compañía es la segunda con mayor valuación del mundo, después de Apple. También es un importante proveedor de servicios en la nube, y una amenaza creciente en todo, desde comestibles hasta películas y cuidado de la salud.

Pero en este caso, Amazon está tratando de ponerse al día. Aunque Amazon es un importante minorista de música en línea, es un pequeño jugador en streaming en relación con los dos líderes del mercado, Spotify y Apple.

Spotify ha convencido a más de 80 millones de personas a pagar por su servicio, aumentando su valor a alrededor de US$35.000 millones. Apple, que una vez fue líder con iTunes, se ha posicionado como el número 2.

Negociar los derechos

El crecimiento de esos servicios pagos ha impulsado las ventas de la industria musical durante tres años, proporcionando un gran dividendo a la industria discográfica. Los sellos ahora buscan a Amazon, así como YouTube y Pandora Media Inc., para contrarrestar a Apple y Spotify. Si los nuevos actores pueden conseguir suficientes clientes, los dos líderes perderán influencia en las negociaciones de derechos.

YouTube, propiedad de Google, introdujo en mayo un servicio de música pago y está planeando una campaña de marketing que durará meses y comenzará en el otoño. Pandora, que sigue siendo principalmente un servicio de radio en línea gratuito, ha llegado a acuerdos con los principales proveedores de telefonía para ofrecer sus suscripciones pagas gratis a nuevos usuarios.

 

Fuente: https://www.latercera.com/pulso/noticia/amazon-esta-listo-competir-apple-spotify-musica/288270/

La banda liderada por Thom Yorke es mucho más que sus canciones que por sí solas gozan de popularidad, además fueron pioneros en implementar ciertas estrategias de marketing revolucionarias para la época.

En febrero de 1993 -hace 25 años-, Radiohead debutó con su álbum Pablo Honey, del cual “Creep” se convirtió en uno de sus mayores éxitos. Dos años después, publicaron The Bends, aquel disco que tiene a Don Francisco -Mario Kreutzberger- en la contraportada de uno de sus singles.

Los británicos publicaron su música rock-alternativa en una época en que Internet era una herramienta aún considerada emergente. No todos tenían acceso a navegar fluidamente por la web y quienes lo tenían, carecían de las cientos de plataformas y adelantos que existen actualmente.

Para su tercer trabajo discográfico, Radiohead decidió explotar las bondades de esta nueva forma de comunicación que no solo inspiró el nombre del disco, además les permitió desplegar una innovadora campaña de marketing y seductoras maneras extramusicales que entiquecieron el legado de la banda.

Para publicitar su nuevo álbum OK Computer, la banda planificó el lanzamiento conjunto de diversos objetos que actualmente se consideran de culto. El primero de ellos era un disquete con el nombre del disco y de la banda, el cual contenía varios salvapantallas para Windows 3.1 o 95, alusivos a la placa.

Además, crearon una pequeña radio FM con la forma de un computador de escritorio, y entre los productores y la prensa repartieron mil walkman que reproducían cassetes con una copia del nuevo álbum y un sticker con la frase: “Radiohead OK Computer, July 1, 1997”, fecha en que fue lanzado en Estados Unidos.

Antes de MTV

Entre 1998 y el año 2000 costaba seguir la pista de Radiohead. En la cumbre de su carrera, regresaron en nada más y nada menos que desde las pantallas de MTV.

En aquellos años en que la cadena de televisión aún se dedicaba casi exclusivamente a la música, y los videoclips del momento eran su prioridad, los liderados por Thom York presentaron una serie de clips que se caracterizaban por ser bizarros y difíciles de interpretar tanto visual como auditivamente.

A esta serie de videos breves —que en conjunto conforman casi 15 minutos—, se les denominó “blips” y su objetivo era promocionar su cuarto álbum Kid A (2000).

Fueron emitidos entre tandas comerciales y posteriormente fueron adoptados como inspiración por parte del canal, para crear transiciones psicodélicas sin mayor sentido que la exhibición de una estética.

El precio del arcoíris

Hace una década, específicamente el 10 de octubre de 2007, Radiohead decidió lanzar In rainbows, el séptimo álbum de estudio de los ingleses. En ese entonces, ya podían disfrutar de las bondades de Internet como la masividad y la rapidez que fue en aumento exponencial desde el lanzamiento de OK Computer, y los británicos hicieron uso de esa facilidad.

En su propio sitio web publicaron este álbum disponible para descarga pero con un elemento diferente: los compradores elegían el precio que querían pagar. Los hombres de “Karma police” dieron la opción de adquirirlo gratis o bien pagar el precio que consideraran acorde al producto.

Con esto, Radiohead estaba probando algo nuevo en una época en que se buscaba combatir la piratería. Lo que les interesaba era que sus fanáticos tuvieran su música en sus manos. De hecho, en vez de recibir una recaudación menor a la promedio, notaron que un gran número de seguidores pagó un precio mayor al regular, a pesar de que un 62% lo descargó gratis y solo un 38% ofreció dinero por él.

En promedio, In rainbows fue adquirido por $2.26 dólares, y alcanzó 400 mil descargas las primeras 24 horas desde su lanzamiento. “En cuanto a ganancias digitales, ganamos más dinero que con cualquier otro disco de Radiohead. Y eso es una locura”, dijo Yorke en entrevista con David Byrne para Wired Magazine. “No se supone que sea un modelo de negocio para nadie. Solo fue una respuesta a una situación particular”.

Fuente: http://culto.latercera.com/2018/08/23/mas-alla-la-musica-tres-ideas-radiohead-innovaron-la-industria/

48 expositores de siete países, ocho mesas, cuatro paneles temáticos, un coloquio, un seminario de especialización, dos conferencias, lanzamientos de libros y muestras de cine patrimonial serán parte del VIII Encuentro Internacional de Investigación sobre Cine Chileno y Latinoamericano.

El próximo lunes 3 de septiembre se inicia la octava versión del Encuentro Internacional de Investigación sobre cine chileno y Latinoamericano,una instancia abierta a todo público y con entrada liberada, que la Cineteca Nacional de Chile organiza desde el año 2011, con el fin de promover estudios sobre el cine del país y de la región, desde diversas perspectivas teóricas y distintas disciplinas.

La iniciativa se ha consolidado como uno de los eventos más importantes en torno a la reflexión sobre la cinematografía del continente, con 4 días y diversas actividades para construir puentes reflexivos entre el cine y el público.

El encuentro es financiado por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio y se realizará en las salas de la Cineteca Nacional de Chile, en el Centro Cultural La Moneda.

Aquí puedes revisar un resumen de lo que fue la séptima versión del encuentro:

Coordenadas
3 al 6 de septiembre | 2018
Cineteca Nacional de Chile | Nivel -2
Entrada liberada

Fuente: https://www.biobiochile.cl/noticias/artes-y-cultura/actualidad-cultural/2018/08/23/48-expositores-invitan-a-encuentro-gratuito-de-investigacion-sobre-cine-latino-y-chileno.shtml

Foto: El Club

Un nuevo espacio de apreciación y formación artística inauguró este miércoles la Corporación Cultural Universidad de Concepción, Corcudec, en el foyer de acceso del Teatro UdeC.

La ceremonia, realizada previo a la primera función de la Gala Lírica “Rossini y algo más”, presentó a la “Galería de Arte Teatro UdeC“, la que otorgará un espacio a diversos artistas para exponer sus creaciones en variadas disciplinas, dando vida a la antesala del coliseo.

El rector de la Universidad de Concepción, Carlos Saavedra, señaló que la Casa de Estudios “viene realizando un trabajo de acercamiento a la comunidad y de fuerte vinculación. En esa línea, la Corporación Cultural también ha querido abrir el teatro a otras manifestaciones culturales”.

Por su parte, Mario Cabrera, gerente de Corcudec, manifestó que “queremos que el Teatro sea reconocido como la casa de las artes de los penquistas y en ese sentido debe ser un hogar abierto. La idea es que esté en permanente actividad, que aquellos que pasen por fuera o que entren a boletería vean que hay una exposición y se motiven a disfrutarla. Hoy el concepto de Teatro va más allá de una sala de espectáculos artísticos”.

Uno de los objetivos del nuevo espacio artístico es abrir el Teatro a todas las expresiones del arte permanentemente y que el público que circula por el centro de la ciudad tenga la posibilidad de acceder de forma gratuita y ver exposiciones de pintura fotografía, escultura, artesanía e ilustraciones, entre otras.

“Galería de Arte Teatro UdeC” está disponible para el público a partir de este miércoles 22 con la muestra del vestuario que se ha utilizado en óperas realizadas por Corcudec, su Orquesta Sinfónica y Coro, y que estará disponible hasta el 30 de agosto. Los horarios para visitar esta nueva galería son: 0:00 a 13:00 y de 15:00 a 18:00.

Fuente: https://www.diarioconcepcion.cl/cultura-y-espectaculos/2018/08/23/con-corte-de-cinta-inauguran-galeria-de-arte-teatro-udec.html

Fotografía: Corcudec

El pasado viernes 10 de agosto la comunidad de Licantén (Chile) dio el visto bueno definitivo a un nuevo proyecto del arquitecto chileno Sebastián Irarrázaval. Se trata del Teatro Licantén, un proyecto construido principalmente en madera laminada que contará con una superficie de 2.500 metros cuadrados y una inversión aproximada de 3.000 millones de pesos chilenos (USD 4,47 millones)

El Teatro Licantén es un proyecto acogido a la ley de donaciones culturales, siendo resultado de una iniciativa público-privada en la que participan la Fundación la Fuente —gestores de el Centro Cultural Arauco y la Biblioteca de Constitución—, la empresa Arauco y la Municipalidad de Licantén. Tras su aprobación por parte de la comunidad, el próximo paso es «postular a fondos regionales para el financiamiento de su construcción», explica Irarrázaval en conversación con ArchDaily.

«Es un basamento público con pórticos y galerías y tres volúmenes de mayor altura que albergan el foyer, las butacas y el escenario», comenta el arquitecto chileno. Asimismo, los paneles móviles y las butacas retráctiles permitirán que los espacios funcionen autónomamente como salas de ensayos o exhibiciones.

Estructuralmente, el teatro está pensado como un «exoesqueleto de múltiples piezas que hace legible el traspaso de las cargas verticales desde la cubierta al suelo y, de igual modo, permite leer la forma en que los esfuerzos sísmicos horizontales son resistidos por ella. Los elementos secundarios de la estructura son propuestos en acero», según cuenta el arquitecto ganador del tercer lugar del ODA17,

Con respecto al perfilamiento de cada uno de los volúmenes mayores, «este es el resultado de generar no solo un remate formal en la cumbre, si no que también es la consecuencia de generar un alero o sombrero que protege la madera de la exposición a la lluvia. Esta necesidad de garantizar, mediante la forma, la duración de la madera en el tiempo, también se consigue con el hecho de que los pilares de madera nunca llegan directamente al suelo si no que son continuados por pilares de hormigón tanto en aquellos que forman parte del basamento como en los que forman parte de los 3 volúmenes mayores», finaliza Irarrázaval.

Ficha técnica

Propietario: Municipalidad de Licantén
Ubicación: Licantén, Chile
Financiamiento del proyecto: Empresa Arauco
Gestión del Proyecto: Fundación La Fuente
Arquitecto : Sebastián Irarrázaval
Colaboradora: Constanza Candia
Asesoría teatral y escenotecnia: Ramón López
Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales

 

Fuente: https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/900335/sebastian-irarrazaval-revela-diseno-del-teatro-mataquito-en-chile

Foto:  Sebastián Irarrázaval

Fuente: https://www.latercera.com/entretencion/noticia/madonna-llega-los-60-ee-uu-nueva-musica-la-vista-2/283335/

La ‘reina’ falleció a los 76 años debido a complicaciones de salud. Se había retirado de la música en 2017 por recomendación médica.
Este jueves murió a los 76 años la cantante estadounidense Aretha Frankllin.
En el año 2000, la cadena de televisión VH1 —reconocida actualmente por sus reality shows y una mirada nostágica sobre la música popular actual— realizó un sondeo en el que 700 líderes de la industria eligieron las 100 mejores canciones de rock de todos los tiempos. En el primer lugar quedó «Satisfaction» de The Rolling Stones, mientras que en el segundo lugar no estuvo ni The Beatles ni Bob Dylan ni Led Zeppelin ni Bruce Springsteen sino que Aretha Franklin con «Respect».

Aretha Franklin murió este jueves a los 76 años y rodeada de su familia, que estuvo acompañándola en la ciudad de Detroit, en el estado de Michigan, Estados Unidos, en completa privacidad.

En un comunicado, el entorno cercano de la artista expresó que «en uno de los momentos más oscuros de nuestras vidas, no podemos encontrar las palabras adecuadas para expresar el dolor en nuestro corazón. Hemos perdido la matriarca y el rock de nuestra familia».

Junto con agradecer el apoyo que han recibido durante los últimos días, la familia especificó que el deceso se produjo a las 9:50 hora local con la causa oficial de «avance de cáncer de páncreas de tipo neuroendocrino».

En un principio, los médicos de la cantante habían preparado a sus cercanos sobre un deceso que era inminente desde el pasado lunes. Sin embargo, aguantó un par de días más, tiempo suficiente para que amigos de la vida como Stevie Wonder; su ex esposo, Glynn Turman; y el reverendo Jesse Jackson fueran a visitarla a su casa.

En febrero de 2017, la mujer de «I say a little prayer» había anunciado su retiro definitivo de la música, luego de una última temporada donde tuvo que suspender un mes completo de shows por recomendación de su equipo médico. A comienzos de la década, de hecho, lidió con un cáncer de páncreas que intentó mantener en secreto hasta el final.

«Me siento muy, muy enriquecida y satisfecha con respecto a de donde comenzó mi carrera y de dónde está ahora», dijo Franklin en el momento del adiós, donde daba por terminada una vida de 56 años al servicio de la música popular.

Aretha Louise Franklin saltó a la fama en los años 60, convirtiéndose en un suceso de la música soul bajo el alero del sello Atlantic —y luego de un paso en falso en Columbia Records, que intentó ‘venderla’ como cantante de jazz—. Venía de una familia afroamericana que se trasladó desde el sur al norte de Estados Unidos gracias al auge industrial, y fue hija del reconocido predicador Clarence LeVaughn Franklin, cercano a Martin Luther King.

Esa historia que unió a la religión con la música y el activismo —Barack Obama es uno de sus más reconocidos admiradores— la inició cantando en la iglesia, con el góspel como uno de los géneros que mejor supo explotar.

En 1967 consiguió su primer número 1 en el ranking Billboard con la canción «Respect», para posteriormente ubicar 16 sencillos más entre los 10 más vendidos en Estados Unidos.

Aretha Franklin publicó más de 40 álbumes de estudio, siendo el último «A brand new me» (2017) junto a la Orquesta Filarmónica Real. En 2014, en tanto, lanzó «Aretha Franklin Sings the Great Diva Classics» con reversiones de canciones como «Rolling in the deep» de Adele, «I will survive» de Gloria Gaynor y «Nothing compares 2 U», popularizada por Sinéad O’Connor.

Tras una despedida siempre llega una bienvenida y luego otra despedida y otra bienvenida y así sucesivamente. Pero nunca nos acostumbramos a la emoción de esos momentos, como si lo más importante es lo que empieza o lo que termina. 2018 será, efectivamente, un año muy emocional para Sir Simon Rattle (Liverpool, 1955): el de su gira de despedida frente a la Filarmónica de Berlín y el primero en el que se dedicará exclusivamente a su nueva casa, la London Symphony Orchestra(LSO), después de una temporada compatibilizando su puesto como director principal de la institución berlinesa con el de director artístico de la formación londinense.Si hace dos meses le veíamos en España al frente de la Filarmónica, traído por Ibermúsica, antes de ese gran concierto final en Berlín tocando la Sexta de Mahler, ahora regresa acompañado de la Symphony con dos recitales en el Festival de Santander, este martes y miércoles. El primer concierto está dedicado en exclusiva a otra sinfonía de Mahler, la Novena, mientras que el segundo repertorio incluye las Danzas eslavas Op. 72 de Dvorák, la suite Ma mére l’oye de Ravel y la Sinfonietta de Janácek.

¿Cómo está siendo para usted, en términos emocionales, esta temporada musical?

Hemos tenido una hermosa gira de despedida con la Filarmónica de Berlín. Por supuesto, muchas de las cosas que hicimos las hicimos por última vez. Pero, al mismo tiempo, sentía la emoción que se siente ante una nueva relación, con un nuevo tipo de agrupación musical, la London Symphony Orchestra: un grupo extraordinario, virtuoso y muy abierto. Es un sabor diferente de orquesta, pero la he encontrado increíblemente viva e intensa. En ese sentido, estoy entusiasmado ante la posibilidad de un nuevo comienzo.

Parece como si la sucesión se hubiese producido de una forma extrañamente veloz. ¿No le habría gustado tener un tiempo para usted entre un proyecto y otro?

De algún modo, las circunstancias requirieron que yo empezase antes en Londres. Simplemente porque Valery [Gergiev] dejó la orquesta sin avisar. Aunque eso fue ya en 2015, sentía que la orquesta necesitaba un cuidado especial. Es verdad que, normalmente, no compatibilizaría la dirección de dos formaciones, como he hecho el último año. Pero pensé que era muy importante para la Symphony, para que todos decidiésemos ir juntos en la misma dirección. Al mismo tiempo, no hay nada malo en no querer llegar al límite al final de 16 años; es más, fue maravilloso notar que había algo más floreciendo mientras tanto. Fue algo fortuito, pero al final el resultado fue excelente, gracias a que este último año básicamente sólo he dirigido en Londres y Berlín.

Antes hablaba de sabores. Suele comparar el paso de Berlín a Londres en términos enológicos. ¿Podría explicarlo?

Berlín es un vino tinto excelente, mientras que Londres es uno blanco genial. Y es maravilloso poder conseguir colores muy diferentes de cada una. Con la London Symphony hemos tocado la Novena de Mahler unas 10 veces en esta temporada y lo que más me sobrecoge es la intensidad desesperada con que la tocan. Es una orquesta sin arrogancia, que no habla de su gran tradición musical, aunque, por supuesto, tienen la suya. Mira hacia delante y, en cada concierto, esa intensidad va en aumento, a medida que encuentran las conexiones con el repertorio.

Aparte de Mahler, en Santander tocarán un segundo set de música de finales del siglo XIX y comienzos del XX.

 Es una música estupenda para esta formación. Una de las cosas que más me ha gustado en los últimos años ha sido descubrir estas colecciones de danzas de Dvorák y presentarlas como una pieza única. Es algo que raramente se hace, incluso cuando una o dos de estas composiciones sean bien conocidas. Pero cuando las escuchas agrupadas, es un viaje completamente distinto. Aunque la última danza de nuestro repertorio supone un diferente tipo de despedida que la que ofrece la Novena de Mahler, hay una extraña melancolía. Particularmente en nuestro segundo repertorio, hay un arco muy amplio de emociones, y será algo muy interesante sobre lo que trabajar a lo largo de este año.

¿Y respecto a Ravel?

Naturalmente, al ser la LSO la orquesta de Pierre Monteux durante un tiempo, todavía tiene una afinidad inmediata y natural con la música francesa y esa clase de sonidos.

¿Diría que este tipo de sonido es el que podría identificar su etapa al frente de la LSO? ¿O le interesa explorar territorios más alejados?

Como cualquier gran orquesta, ésta puede ser enormemente versátil. Hay ciertas áreas, como las danzas de Dvorák, que encajan perfectamente con ella, pero no sé cuándo podrán tocar el conjunto completo. Incluso cuando estaba en Berlín, tenía un estupendo intérprete checo de fagot que me decía que había piezas de ese ciclo que no había tocado en todos los años que había estado con la Filarmónica de su país.

¿Le interesa dar preponderancia a unos compositores respecto a otros?

Lo bueno de trabajar con músicos así es que puedes hacer que se expandan en diferentes direcciones y rápidamente te darás cuenta de que la manera de hacer cada pieza del repertorio en ese camino afecta al resto. Y que, al final, no puedes tocar Bach del mismo modo en que lo haces con Bruckner. Necesitas que estos compositores se ayuden unos a otros y también en el otro sentido. Por eso me atrevo a decir que no hay límites que esta orquesta no pueda alcanzar. Están preparados para cualquier cosa y por eso es una aventura excitante.

Siempre se ha mostrado muy interesado en el aspecto educativo de la música, especialmente en su relación con la infancia y la juventud. Ésta es una de las huellas más importantes que ha dejado a su paso por la Philharmoniker. ¿Y en Londres? ¿Cuál es el objetivo de sus proyectos educativos?

Lo importante es que la música alcance a toda la sociedad. En Londres es algo que llevamos haciendo 25 años, mientras que en Berlín fue algo completamente nuevo; he de decir que raramente se habían preocupado de ello, así que tuvimos que hacer todo tipo de proyectos diferentes. Al ser parte de los cimientos de la London Symphony desde hace mucho tiempo, de forma permanente y sin llamar la atención, se ha trabajado en aspectos como los coros de los diferentes distritos de la ciudad. De esa forma, están atrayendo a una enorme cantidad de niños cada temporada.

¿Dónde diría que se establece el salto de lo didáctico a lo social?

Creo que una orquesta moderna debe involucrar e involucrarse, en vez de, simplemente, ponernos enfrente. Ayudar a la gente a hacer cosas, y no sólo darles la posibilidad de experimentarlas. En definitiva, que el público no sea una masa de oyentes pasivos, sino que puedan montar sus propios proyectos. Estoy feliz de haber contribuido en Berlín a llevar todo esto un poco más a esa parte de Europa.

Aunque se sigue viendo a la música clásica como encerrada en su torre de marfil, ajena a los problemas del mundo y gueto de ricos, usted se sigue empeñando en romper este estereotipo. ¿Por qué?

La música cura, la música reúne a la gente, la música ayuda al entendimiento. Por encima incluso de la palabra hablada, es una forma de comunicación que puede unirnos de formas que otros medios no pueden. Si colaboras con alguien, lógicamente tienes que comunicarte a través de la música. Respecto al tema de la inmigración, toda Europa tiene un enorme reto por delante en estos días y la música puede jugar un gran papel en ello. Recuerdo especialmente aquella velada en Berlín dando la bienvenida a los refugiados: fue un gesto de una noche, y cada orquesta ha tenido sus propios métodos de tratar este asunto, pero he de decir que en contadas ocasiones he sentido una intensidad de escucha de cualquier público, gente que había ido a festivales de clásica y gente que no había escuchado una nota antes. Algo inolvidable.

Fuente: http://www.elmundo.es/cultura/musica/2018/08/13/5b70b3b7268e3e4d238b462c.htmlFoto: DOUG PETERS

Aquí te recomendamos las mejores películas sobre música que puedes ver en Netflix.
Estos son las mejores alternativas para que disfrutes en Netflix.La música seguirá siendo una gran acompañante en nuestra vida cotidiana, ya sea en el trabajo o en el estudio. Sin embargo, muchos desconocen el verdadero origen de las canciones compuestas por grandes artistas conocidos, es por ello, Netflix cuenta con un catálogo de series y películas referenciales a ello.

Si te consideras una gran amante de música y no puedes vivir sin ella, a continuación, te presentaremos los mejores largometrajes sobre música que puedes ver en Netflix.

Purple Rain

La película fue estrenada en 1984 y relataba algunas partes de la biografía del fallecido Prince. La historia se desarrolla en un ambiente ochentero y, de hecho, fue pensado para mostrar el gran talento del cantante.

 

Mi nombre es John Lennon

Con solo verla, podrás tener una idea que cómo se convirtió en un icono de la música. La película narra sobre un joven adolescente británico llamado John, además muestra sus inicios la agrupación legendaria: Los Beatles.

August Rush

En esta película no escuchará canciones populares, pero podrás disfrutar algunos temas acordes a la música clásica, ya que los protagonistas tienen conocimientos superdotados. El filme muestra la verdadera pasión de un compositor.

Rock of Ages

Si eres amante del género Rock, entonces esta cinta te fascinará. Dentro del largometraje escucharás canciones de Def Leppard, Journey, Joan Jett, Bon Jovi y otros. Sin duda disfrutarás algunos temas clásicos.

Janis: Little Gilr Blue

Es una documental sobre la legendaria cantante Janis Joplin, quién deslumbró con sus canciones al tener una poderosa voz y la gran intensidad en la interpretación. Al verlo podrás saber algunos hechos que vivió durante su carrera.

Amy

Su trágica muerte sorprendió al mundo, pero sus canciones quedaron inmortalizadas. El documental muestra la otra cara de Amy Winehouse, pero al mismo tiempo podrás escuchar sus grandes composiciones.

Fuente: https://larepublica.pe/tendencias/1297097-netflix-son-mejores-peliculas-amantes-musica

La cantante anunció que comenzará la primera de 27 actuaciones en el Park Theater el 28 de diciembre.

Lady Gaga va camino a Las Vegas para una residencia musical que comenzará en diciembre e incluirá dos tipos de espectáculo.

La cantante anunció el martes que comenzará la primera de 27 actuaciones en el Park Theater el 28 de diciembre.
Lady Gaga Enigma resaltará los más grandes éxitos bailables de la estrella pop, mientras que “Lady Gaga Jazz & Piano” incluirá canciones más austeras. Los boletos salen a la venta el 13 de agosto.

Gaga ha ganado seis premios Grammy y es más conocida por éxitos de dance-pop como Poker Face y Born This Way. También lanzó un álbum de jazz con Tony Bennett.

Fuente: https://www.latercera.com/entretencion/noticia/lady-gaga-tendra-una-residencia-musical-las-vegas/277125/

Foto: AFP.