La agrupación debutaba anoche en el Teatro Municipal de Las Condes, donde se presentará hasta el domingo 2 de septiembre.
Era el período de la Segunda Guerra Mundial y las tropas soviéticas enfrentaban a los alemanes dirigidos por Hitler. Más allá de las acciones de guerra, dentro de los diferentes batallones existían ensambles cuyo trabajo era animar y elevar la moral de los soldados . “Estos grupos simplemente trabajaban dentro del Ejército ruso, para dar ánimos y alegrar un poco la vida monótona de los militares”, cuenta el coronel Oleg Neklyúdov, director del Ejército Rojo de Moscú Red Star. Una vez terminada la guerra, estas agrupaciones se transformaron en una expresión íntegra de la cultura rusa.
El Ejército Rojo de Moscú Red Star es una de las agrupaciones culturales de origen militar más famosa de Rusia. Se presentaron por primera vez en vivo ante tropas soviéticas en 1978, y en abril de este año cumplieron 40 años de existencia. Conformada por 62 artistas, entre músicos, bailarines y cantantes, todos dirigidos por Neklyúdov, tenía ayer la primera de 10 funciones agendadas en el Teatro Municipal de Las Condes, en su primera visita a Chile.
La agrupación está compuesta por jóvenes que van desde los 19 años hasta adultos de más de 50. “Algunos están haciendo su servicio, y otros están contratados por el Ejército”, cuenta el coronel Neklyúdov. Distintas generaciones al interior del Ejército que cumplen con los requisitos que la agrupación les exige. “Todos hicieron la carrera musical, estudiaron en un conservatorio o en una escuela de música o danza. Son todos profesionales”, explica el director artístico.
El espectáculo cuenta con música tradicional rusa, donde destacan instrumentos como la balalaika (similar a la guitarra, pero de tres cuerdas y caja triangular) y el acordeón, además de un coro en su mayoría masculino, conformado por 20 personas.
El espectáculo incorpora una muestra de danzas típicas con coloridos vestuarios, en los que destacan característicos movimientos de giros y saltos. En cuanto a los instrumentistas, se trata de “una orquesta que no es sinfónica, pero que puede tocar todo tipo de música. Tiene sus cosas especiales porque es un ensamble militar, tiene una sección de ritmos de guitarras, trompetas, clarinetes, todo tipo de estos instrumentos”, comenta Neklyúdov.
Chile y Latinoamérica
Han recorrido más de 49 países. Incluso en 1996 actuaron en la Casa Blanca para el entonces presidente Bill Clinton. Sin embargo, pocas veces han pisado América Latina: solo se presentaron en México, país que han visitado en tres ocasiones y donde actuaron ante más de 10 mil personas en el Auditorio Nacional.
Esta es su primera visita a Chile. Llegaron el domingo recién pasado tras un extenso viaje que los trajo desde Moscú hasta Santiago, con escalas en Dubai y Sao Paulo. Tal como lo hacen en cada país que visitan, planean incluir dentro del repertorio algún clásico local. “Como Chile dista mucho de Rusia, y teníamos poca idea de su cultura y canciones, teníamos que informarnos un poco”, cuenta el coronel. Desde hace 6 meses que estaban enterados de su viaje a Chile, por lo que a pesar de estar constantemente de gira por Rusia, reconocen haber tenido el tiempo suficiente para averiguar y preparar su presentación.
Con ese fin recurrieron a la Embajada de Chile en Moscú, donde les entregaron un acercamiento a la cultura chilena, que les dio una base para su trabajo.
“Sacamos nuestras conclusiones y preparamos unas piezas que no voy a comentar porque es una sorpresa. En las piezas rusas estará representado el ánimo, la cultura y la impresión de cómo somos”, agrega Neklyúdov.
Amazon está subiendo el volumen en el negocio de la música. El minorista en línea más grande del mundo montará la primera campaña de televisión nacional para su servicio de streaming de música, con anuncios que incluirán canciones de Ariana Grande, Kendrick Lamar y Queen.
La iniciativa es parte de un esfuerzo mayor que se extenderá a vallas publicitarias, video y radio en línea y tres países: Estados Unidos, Reino Unido y Alemania.
La música ha ascendido a la lista de prioridades de Amazon.com Inc. debido a la popularidad de los parlantes Echo de la compañía y la asistente virtual Alexa. La música es una de las solicitudes más comunes de Alexa, y las horas de escucha se han duplicado durante el último año, según la compañía.
El servicio de música ha ayudado a Amazon a diferenciar a Echo y Alexa de la competencia, señaló en una entrevista Steve Boom, presidente de Amazon Music. Vender altavoces inteligentes es el último campo de batalla entre los gigantes tecnológicos Apple Inc., Amazon y Google de Alphabet Inc., todos los cuales operan servicios de música.
“Estamos echando combustible al fuego”, dijo Boom en una entrevista. “Nos hemos posicionado como el líder en los servicios de música donde la voz es todo lo que se necesita para controlarlo”.
Difícil de medir
Amazon proporciona pocas métricas para corroborar la creciente popularidad de sus ofertas de música y no ha especificado cuánto planea gastar en la promoción actual.
Pero la compañía con sede en Seattle dice que decenas de millones de personas usan sus dos servicios de música. Amazon Music viene incluido en una membresía de Amazon Prime y ofrece una biblioteca de 2 millones de canciones con nuevas versiones limitadas. Amazon Music Unlimited tiene decenas de millones de canciones y cobra una tarifa mensual.
Amazon ha introducido su servicio de música en más de 35 países en el último año, y contrató a un equipo de ex ejecutivos de la industria y creadores de tendencias para programar listas de reproducción, obtener álbumes exclusivos y crear nuevas funciones diarias como la “Canción del día’.’
La compañía dice que apunta a un consumidor diferente que Apple o Spotify Technology SA. El comprador promedio de Amazon es un poco mayor y menos enfocado en hip hop y R&B. Los usuarios de Amazon pueden igualmente pedir jazz, música country o canciones para sus hijos. El dúo de rock de California Best Coast grabó un álbum para niños únicamente para Amazon, mientras que August Greene, un trío que incluye al pianista de jazz Robert Glasper, lanzó un álbum exclusivamente en el servicio.
Persiguiendo a Spotify
En muchas industrias, la sola amenaza de Amazon hace caer los precios de las acciones. La compañía es la segunda con mayor valuación del mundo, después de Apple. También es un importante proveedor de servicios en la nube, y una amenaza creciente en todo, desde comestibles hasta películas y cuidado de la salud.
Pero en este caso, Amazon está tratando de ponerse al día. Aunque Amazon es un importante minorista de música en línea, es un pequeño jugador en streaming en relación con los dos líderes del mercado, Spotify y Apple.
Spotify ha convencido a más de 80 millones de personas a pagar por su servicio, aumentando su valor a alrededor de US$35.000 millones. Apple, que una vez fue líder con iTunes, se ha posicionado como el número 2.
Negociar los derechos
El crecimiento de esos servicios pagos ha impulsado las ventas de la industria musical durante tres años, proporcionando un gran dividendo a la industria discográfica. Los sellos ahora buscan a Amazon, así como YouTube y Pandora Media Inc., para contrarrestar a Apple y Spotify. Si los nuevos actores pueden conseguir suficientes clientes, los dos líderes perderán influencia en las negociaciones de derechos.
YouTube, propiedad de Google, introdujo en mayo un servicio de música pago y está planeando una campaña de marketing que durará meses y comenzará en el otoño. Pandora, que sigue siendo principalmente un servicio de radio en línea gratuito, ha llegado a acuerdos con los principales proveedores de telefonía para ofrecer sus suscripciones pagas gratis a nuevos usuarios.
La banda liderada por Thom Yorke es mucho más que sus canciones que por sí solas gozan de popularidad, además fueron pioneros en implementar ciertas estrategias de marketing revolucionarias para la época.
En febrero de 1993 -hace 25 años-, Radiohead debutó con su álbum Pablo Honey, del cual “Creep” se convirtió en uno de sus mayores éxitos. Dos años después, publicaron The Bends, aquel disco que tiene a Don Francisco -Mario Kreutzberger- en la contraportada de uno de sus singles.
Los británicos publicaron su música rock-alternativa en una época en que Internet era una herramienta aún considerada emergente. No todos tenían acceso a navegar fluidamente por la web y quienes lo tenían, carecían de las cientos de plataformas y adelantos que existen actualmente.
Para su tercer trabajo discográfico, Radiohead decidió explotar las bondades de esta nueva forma de comunicación que no solo inspiró el nombre del disco, además les permitió desplegar una innovadora campaña de marketing y seductoras maneras extramusicales que entiquecieron el legado de la banda.
Para publicitar su nuevo álbum OK Computer, la banda planificó el lanzamiento conjunto de diversos objetos que actualmente se consideran de culto. El primero de ellos era un disquete con el nombre del disco y de la banda, el cual contenía varios salvapantallas para Windows 3.1 o 95, alusivos a la placa.
Además, crearon una pequeña radio FM con la forma de un computador de escritorio, y entre los productores y la prensa repartieron mil walkman que reproducían cassetes con una copia del nuevo álbum y un sticker con la frase: “Radiohead OK Computer, July 1, 1997”, fecha en que fue lanzado en Estados Unidos.
Antes de MTV
Entre 1998 y el año 2000 costaba seguir la pista de Radiohead. En la cumbre de su carrera, regresaron en nada más y nada menos que desde las pantallas de MTV.
En aquellos años en que la cadena de televisión aún se dedicaba casi exclusivamente a la música, y los videoclips del momento eran su prioridad, los liderados por Thom York presentaron una serie de clips que se caracterizaban por ser bizarros y difíciles de interpretar tanto visual como auditivamente.
A esta serie de videos breves —que en conjunto conforman casi 15 minutos—, se les denominó “blips” y su objetivo era promocionar su cuarto álbum Kid A (2000).
Fueron emitidos entre tandas comerciales y posteriormente fueron adoptados como inspiración por parte del canal, para crear transiciones psicodélicas sin mayor sentido que la exhibición de una estética.
El precio del arcoíris
Hace una década, específicamente el 10 de octubre de 2007, Radiohead decidió lanzar In rainbows, el séptimo álbum de estudio de los ingleses. En ese entonces, ya podían disfrutar de las bondades de Internet como la masividad y la rapidez que fue en aumento exponencial desde el lanzamiento de OK Computer, y los británicos hicieron uso de esa facilidad.
En su propio sitio web publicaron este álbum disponible para descarga pero con un elemento diferente: los compradores elegían el precio que querían pagar. Los hombres de “Karma police” dieron la opción de adquirirlo gratis o bien pagar el precio que consideraran acorde al producto.
Con esto, Radiohead estaba probando algo nuevo en una época en que se buscaba combatir la piratería. Lo que les interesaba era que sus fanáticos tuvieran su música en sus manos. De hecho, en vez de recibir una recaudación menor a la promedio, notaron que un gran número de seguidores pagó un precio mayor al regular, a pesar de que un 62% lo descargó gratis y solo un 38% ofreció dinero por él.
En promedio, In rainbows fue adquirido por $2.26 dólares, y alcanzó 400 mil descargas las primeras 24 horas desde su lanzamiento. “En cuanto a ganancias digitales, ganamos más dinero que con cualquier otro disco de Radiohead. Y eso es una locura”, dijo Yorke en entrevista con David Byrne para Wired Magazine. “No se supone que sea un modelo de negocio para nadie. Solo fue una respuesta a una situación particular”.
48 expositores de siete países, ocho mesas, cuatro paneles temáticos, un coloquio, un seminario de especialización, dos conferencias, lanzamientos de libros y muestras de cine patrimonial serán parte del VIII Encuentro Internacional de Investigación sobre Cine Chileno y Latinoamericano.
El próximo lunes 3 de septiembre se inicia la octava versión del Encuentro Internacional de Investigación sobre cine chileno y Latinoamericano,una instancia abierta a todo público y con entrada liberada, que la Cineteca Nacional de Chile organiza desde el año 2011, con el fin de promover estudios sobre el cine del país y de la región, desde diversas perspectivas teóricas y distintas disciplinas.
La iniciativa se ha consolidado como uno de los eventos más importantes en torno a la reflexión sobre la cinematografía del continente, con 4 días y diversas actividades para construir puentes reflexivos entre el cine y el público.
Programación | Cedida
El encuentro es financiado por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio y se realizará en las salas de la Cineteca Nacional de Chile, en el Centro Cultural La Moneda.
Aquí puedes revisar un resumen de lo que fue la séptima versión del encuentro:
Coordenadas
3 al 6 de septiembre | 2018
Cineteca Nacional de Chile | Nivel -2
Entrada liberada
Un nuevo espacio de apreciación y formación artística inauguró este miércoles la Corporación Cultural Universidad de Concepción, Corcudec, en el foyer de acceso del Teatro UdeC.
La ceremonia, realizada previo a la primera función de la Gala Lírica “Rossini y algo más”, presentó a la “Galería de Arte Teatro UdeC“, la que otorgará un espacio a diversos artistas para exponer sus creaciones en variadas disciplinas, dando vida a la antesala del coliseo.
El rector de la Universidad de Concepción, Carlos Saavedra, señaló que la Casa de Estudios “viene realizando un trabajo de acercamiento a la comunidad y de fuerte vinculación. En esa línea, la Corporación Cultural también ha querido abrir el teatro a otras manifestaciones culturales”.
Por su parte, Mario Cabrera, gerente de Corcudec, manifestó que “queremos que el Teatro sea reconocido como la casa de las artes de los penquistas y en ese sentido debe ser un hogar abierto. La idea es que esté en permanente actividad, que aquellos que pasen por fuera o que entren a boletería vean que hay una exposición y se motiven a disfrutarla. Hoy el concepto de Teatro va más allá de una sala de espectáculos artísticos”.
Uno de los objetivos del nuevo espacio artístico es abrir el Teatro a todas las expresiones del arte permanentemente y que el público que circula por el centro de la ciudad tenga la posibilidad de acceder de forma gratuita y ver exposiciones de pintura fotografía, escultura, artesanía e ilustraciones, entre otras.
“Galería de Arte Teatro UdeC” está disponible para el público a partir de este miércoles 22 con la muestra del vestuario que se ha utilizado en óperas realizadas por Corcudec, su Orquesta Sinfónica y Coro, y que estará disponible hasta el 30 de agosto. Los horarios para visitar esta nueva galería son: 0:00 a 13:00 y de 15:00 a 18:00.
A lo largo de la historia se han relacionado tribus urbanas con diferentes estilos sonoros
¿Hay relación entre nuestra personalidad y lo que escuchamos?
¿Somos lo que escuchamos? Desde que surgió la música, los gustos de cada uno han definido en muchos sentidos la personalidad de cada uno. Los hippies escuchaban folk, psicodelia y rock progresivo, los ‘emos’ rock y pop gótico y oscuro. Muchos movimientos sociales han tenido su propia banda sonora.
Sin embargo, no parece claro que nuestros gustos musicales definan cómo somos. Tan solo escuchamos lo que representa mejor nuestros ideales vitales o políticos. Ejemplo de esto son los aficionados al heavy metal, cuya personalidad está en muchos casos lejos de la violencia y dureza que suele asociarse a este género. Así lo demuestra un estudio que hizo la Universidad de Heriot-Watt, que dio como resultado que muchos son personas pacíficas y amables.
Esta misma encuesta, realizada a un total de 37.000 personas por Internet, destacó que esos mismos seguidores al heavy metal tenían una personalidad muy similar a la de los fans de la música clásica. De este modo, aunque existan grandes diferencias en los estilos musicales, los perfiles psicológicos pueden ser parecidos entre las personas.
Una conclusión similar sacó la Universidad de Queensland (Australia) en 2008. Los investigadores F. Baker y W. Bor respaldaron las teorías a las que llegaron A.C. North y D.J. Hargreaves en 2005; y descartaron, por ejemplo, que la música sea causa de que alguien sea antisocial. Al contrario, según esta investigación, identificarse con un estilo musical concreto indica vulnerabilidad emocional.
Datos del estudio de North y Hargreaves
Los amantes del blues tienen una alta autoestima y acostumbran a ser personas creativas, amables y extrovertidas.
Los seguidores de los estilos jazz o soul los definen de la misma manera que a los del blues.
Los que disfrutan más con el rap o la ópera obtienen adjetivos similares también. Las personas que prefieren la música clásica tan solo varían en que son más introvertidos que los anteriores.
En el caso de los amantes del country, son personas trabajadoras y extrovertidas.
Por otro lado, los que prefieren los ritmos reggae son vagos, pero al mismo tiempo son creativos, amables y extrovertidos, y también tienen la autoestima alta.
Los aficionados a la música «indie» disponen de una autoestima más baja y son personas creativas, pero poco trabajadoras y amables.
Y los fanáticos del rock y el heavy metal también tienen baja autoestima, son personas creativas, introvertidas y amables, aunque no demasiado trabajadoras.
El pasado viernes 10 de agosto la comunidad de Licantén (Chile) dio el visto bueno definitivo a un nuevo proyecto del arquitecto chileno Sebastián Irarrázaval. Se trata del Teatro Licantén, un proyecto construido principalmente en madera laminada que contará con una superficie de 2.500 metros cuadrados y una inversión aproximada de 3.000 millones de pesos chilenos (USD 4,47 millones)
El Teatro Licantén es un proyecto acogido a la ley de donaciones culturales, siendo resultado de una iniciativa público-privada en la que participan la Fundación la Fuente —gestores de el Centro Cultural Arauco y la Biblioteca de Constitución—, la empresa Arauco y la Municipalidad de Licantén. Tras su aprobación por parte de la comunidad, el próximo paso es «postular a fondos regionales para el financiamiento de su construcción», explica Irarrázaval en conversación con ArchDaily.
«Es un basamento público con pórticos y galerías y tres volúmenes de mayor altura que albergan el foyer, las butacas y el escenario», comenta el arquitecto chileno. Asimismo, los paneles móviles y las butacas retráctiles permitirán que los espacios funcionen autónomamente como salas de ensayos o exhibiciones.
Estructuralmente, el teatro está pensado como un «exoesqueleto de múltiples piezas que hace legible el traspaso de las cargas verticales desde la cubierta al suelo y, de igual modo, permite leer la forma en que los esfuerzos sísmicos horizontales son resistidos por ella. Los elementos secundarios de la estructura son propuestos en acero», según cuenta el arquitecto ganador del tercer lugar del ODA17,
Con respecto al perfilamiento de cada uno de los volúmenes mayores, «este es el resultado de generar no solo un remate formal en la cumbre, si no que también es la consecuencia de generar un alero o sombrero que protege la madera de la exposición a la lluvia. Esta necesidad de garantizar, mediante la forma, la duración de la madera en el tiempo, también se consigue con el hecho de que los pilares de madera nunca llegan directamente al suelo si no que son continuados por pilares de hormigón tanto en aquellos que forman parte del basamento como en los que forman parte de los 3 volúmenes mayores», finaliza Irarrázaval.
Ficha técnica
Propietario: Municipalidad de Licantén Ubicación:Licantén, Chile Financiamiento del proyecto: Empresa Arauco Gestión del Proyecto: Fundación La Fuente Arquitecto : Sebastián Irarrázaval Colaboradora: Constanza Candia Asesoría teatral y escenotecnia: Ramón López Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales
La Reina del Pop, autoexiliada del país de Trump, celebra sus seis décadas, en Portugal. La cantante busca recuperar su sitial con un próximo disco inspirado en ritmos lusos y africanos.
Su irrupción en mayo pasado en el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York fue por partida doble y de alto impacto. En la ocasión la dueña de himnos como Papa don’t preach yHoliday, apareció en la alfombra roja con un look gótico, de un vestido oscuro y la presencia de cruces en una corona y otra grande formada en su pecho, que cumplía con el motivo definido para la cita sobre las últimas tendencias de la moda: el imaginario católico, el mismo mundo que tantas veces en su carrera ha escandalizado con su figura de liberación sexual.
El mayor despliegue estaba reservado para después, en que despacharía una performance que sólo los invitados pudieron apreciar y con dificultad algunos capturaron con sus celulares. Like a prayer, interpretada junto a un coro de monjes, más una nueva canción identificada como Beautiful game y un cover de Hallelujah de Leonard Cohen fueron el trío de temas que cantó en la última Met Gala.
Esa es, a la fecha, la última presentación en vivo de Madonna, la monarca del pop que hoy celebra 60 años en medio de lo que se podría denominar como un respiro antes de volver a la carga y reclamar con nuevos éxitos su estatus de figura dominante de la música popular.
Luego de Rebel heart, que salió al mercado en marzo de 2015 y fue recibido con tibieza, sin dejar grandes hits, la nacida en Michigan alista lo que será su álbum número 14. La creación de este nuevo trabajo ofrecerá al menos una particularidad, fuera de ser el primero de la diva del pop instalada en las seis décadas: la influencia del país en que hoy reside, Portugal.
En entrevista para la edición de agosto de Vogue Italia dio pistas concretas de por dónde podría encaminarse y anunció que saldrá a fines de 2018. “(En Lisboa) Siempre escucharás mucho fado y mucha música kuduro de Angola. Mucho jazz también (…) Acabo de conocer a muchos músicos realmente increíbles, y terminé trabajando con muchos de ellos en mi nuevo disco, por lo que Lisboa ha influido en mi música y mi trabajo. ¿Cómo no podría? No veo cómo podría haber pasado este año sin estar informada de todo este aporte de cultura”, explicó la protagonista de Evita, hoy instalada junto a cuatro de sus seis hijos en Lapa, una de las zonas más opulentas de la capital lusa.
Su intenso uso de Instagram ha sido otra manera de dar cuenta de su vida fuera de EE.UU. y su nuevo trabajo, como sugerir que volvería a unirse al productor francés Mirwais, que la acompañó en cuatro discos, comenzando por Music, 18 años atrás.
Más allá de algún guiño que pueda realizar a la música local, entre los artistas que realizarían colaboraciones suenan con fuerza Nicki Minaj y Drake, siguiendo la tónica de su última década, donde ha reclutado a nombres como Justin Timberlake, Pharrell Williams y M.I.A.
Humanitaria y excéntrica
La misma entrevista a Vogue le sirvió para detallar las razones de su traslado, partiendo por el apoyo que quiso brindarle a su hijo David Banda (12) en su anhelo de ser futbolista profesional, y que también habría contemplado otras opciones como Turín o Barcelona.
“Sentí que necesitábamos un cambio, y quería salir de Estados Unidos por un tiempo -como saben, esta no es la mejor hora de EEUU-, no porque salir provoque algo diferente o cambie algo. He vivido en otros lugares; viví en Londres por 10 años. Me gusta ponerme en situaciones incómodas y tomar riesgos”.
Los 60 años también encuentran a Madonna en uno de sus momentos de mayor actividad en temas humanitarios. Sin ir más lejos, en julio estuvo junto a sus hijos en Malaui, para celebrar el aniversario del Hospital Pediátrico Mercy James, el primer centro de atención infantil del país africano que creó a través de su fundación Raising Malaui. Sus dos hijas menores, gemelas de cinco años, las adoptó en ese país a inicios de 2017.
Aunque su último show en estricto rigor se remonta a marzo de 2016, para la parada final del tour de su álbum más reciente, se espera que su nuevo disco la devuelva a las giras mundiales, y también a Chile. De concretarse, sería su primera visita al país desde diciembre de 2012,cuando en el marco del The MDNA Tour, realizó un polémico concierto en el Estadio Nacional, que se vio recortado por la torrencial lluvia que cayó en la capital.
Antes, eso sí, tendrá la celebración de su cumpleaños, que en 2017 hizo noticia por una excéntrica jornada en Italia, en la localidad de Puglia, que incluyó que la voz de Material girl entrara montada en un caballo blanco.
La ‘reina’ falleció a los 76 años debido a complicaciones de salud. Se había retirado de la música en 2017 por recomendación médica.
Este jueves murió a los 76 años la cantante estadounidense Aretha Frankllin.
En el año 2000, la cadena de televisión VH1 —reconocida actualmente por sus reality shows y una mirada nostágica sobre la música popular actual— realizó un sondeo en el que 700 líderes de la industria eligieron las 100 mejores canciones de rock de todos los tiempos. En el primer lugar quedó «Satisfaction» de The Rolling Stones, mientras que en el segundo lugar no estuvo ni The Beatles ni Bob Dylan ni Led Zeppelin ni Bruce Springsteen sino que Aretha Franklin con «Respect».
Los listados son odiosos y generan polémica (y algunos tienen más relevancia que otros), pero independiente de cualquier ingrediente anexo, el ranking en cuestión celebró el legado y la trascendencia de ‘Lady Soul’ dentro de la historia del rock and roll. La voz femenina más poderosa que recuerde el género y que acaba de apagarse debido a complicaciones de salud.
La artista estadounidense Aretha FranklinAFP
Aretha Franklin murió este jueves a los 76 años y rodeada de su familia, que estuvo acompañándola en la ciudad de Detroit, en el estado de Michigan, Estados Unidos, en completa privacidad.
En un comunicado, el entorno cercano de la artista expresó que «en uno de los momentos más oscuros de nuestras vidas, no podemos encontrar las palabras adecuadas para expresar el dolor en nuestro corazón. Hemos perdido la matriarca y el rock de nuestra familia».
Junto con agradecer el apoyo que han recibido durante los últimos días, la familia especificó que el deceso se produjo a las 9:50 hora local con la causa oficial de «avance de cáncer de páncreas de tipo neuroendocrino».
En febrero de 2017, la mujer de «I say a little prayer» había anunciado su retiro definitivo de la música, luego de una última temporada donde tuvo que suspender un mes completo de shows por recomendación de su equipo médico. A comienzos de la década, de hecho, lidió con un cáncer de páncreas que intentó mantener en secreto hasta el final.
«Me siento muy, muy enriquecida y satisfecha con respecto a de donde comenzó mi carrera y de dónde está ahora», dijo Franklin en el momento del adiós, donde daba por terminada una vida de 56 años al servicio de la música popular.
Aretha Louise Franklin saltó a la fama en los años 60, convirtiéndose en un suceso de la música soul bajo el alero del sello Atlantic —y luego de un paso en falso en Columbia Records, que intentó ‘venderla’ como cantante de jazz—. Venía de una familia afroamericana que se trasladó desde el sur al norte de Estados Unidos gracias al auge industrial, y fue hija del reconocido predicador Clarence LeVaughn Franklin, cercano a Martin Luther King.
Esa historia que unió a la religión con la música y el activismo —Barack Obama es uno de sus más reconocidos admiradores— la inició cantando en la iglesia, con el góspel como uno de los géneros que mejor supo explotar.
En 1967 consiguió su primer número 1 en el ranking Billboard con la canción «Respect», para posteriormente ubicar 16 sencillos más entre los 10 más vendidos en Estados Unidos.
Aretha Franklin publicó más de 40 álbumes de estudio, siendo el último «A brand new me» (2017) junto a la Orquesta Filarmónica Real. En 2014, en tanto, lanzó «Aretha Franklin Sings the Great Diva Classics» con reversiones de canciones como «Rolling in the deep» de Adele, «I will survive» de Gloria Gaynor y «Nothing compares 2 U», popularizada por Sinéad O’Connor.
Cuando aún sigue viva en el recuerdo su gira de despedida de la Filarmónica de Berlín, el director inglés se presenta en el Festival de Santander al frente de su nueva casa, la London Symphony.
Tras una despedida siempre llega una bienvenida y luego otra despedida y otra bienvenida y así sucesivamente. Pero nunca nos acostumbramos a la emoción de esos momentos, como si lo más importante es lo que empieza o lo que termina. 2018 será, efectivamente, un año muy emocional para Sir Simon Rattle (Liverpool, 1955): el de su gira de despedida frente a la Filarmónica de Berlín y el primero en el que se dedicará exclusivamente a su nueva casa, la London Symphony Orchestra(LSO), después de una temporada compatibilizando su puesto como director principal de la institución berlinesa con el de director artístico de la formación londinense.Si hace dos meses le veíamos en España al frente de la Filarmónica, traído por Ibermúsica, antes de ese gran concierto final en Berlín tocando la Sexta de Mahler, ahora regresa acompañado de la Symphony con dos recitales en el Festival de Santander, este martes y miércoles. El primer concierto está dedicado en exclusiva a otra sinfonía de Mahler, la Novena, mientras que el segundo repertorio incluye las Danzas eslavas Op. 72 de Dvorák, la suite Ma mére l’oye de Ravel y la Sinfonietta de Janácek.
¿Cómo está siendo para usted, en términos emocionales, esta temporada musical?
Hemos tenido una hermosa gira de despedida con la Filarmónica de Berlín. Por supuesto, muchas de las cosas que hicimos las hicimos por última vez. Pero, al mismo tiempo, sentía la emoción que se siente ante una nueva relación, con un nuevo tipo de agrupación musical, la London Symphony Orchestra: un grupo extraordinario, virtuoso y muy abierto. Es un sabor diferente de orquesta, pero la he encontrado increíblemente viva e intensa. En ese sentido, estoy entusiasmado ante la posibilidad de un nuevo comienzo.
Parece como si la sucesión se hubiese producido de una forma extrañamente veloz. ¿No le habría gustado tener un tiempo para usted entre un proyecto y otro?
De algún modo, las circunstancias requirieron que yo empezase antes en Londres. Simplemente porque Valery [Gergiev] dejó la orquesta sin avisar. Aunque eso fue ya en 2015, sentía que la orquesta necesitaba un cuidado especial. Es verdad que, normalmente, no compatibilizaría la dirección de dos formaciones, como he hecho el último año. Pero pensé que era muy importante para la Symphony, para que todos decidiésemos ir juntos en la misma dirección. Al mismo tiempo, no hay nada malo en no querer llegar al límite al final de 16 años; es más, fue maravilloso notar que había algo más floreciendo mientras tanto. Fue algo fortuito, pero al final el resultado fue excelente, gracias a que este último año básicamente sólo he dirigido en Londres y Berlín.
Antes hablaba de sabores. Suele comparar el paso de Berlín a Londres en términos enológicos. ¿Podría explicarlo?
Berlín es un vino tinto excelente, mientras que Londres es uno blanco genial. Y es maravilloso poder conseguir colores muy diferentes de cada una. Con la London Symphony hemos tocado la Novena de Mahler unas 10 veces en esta temporada y lo que más me sobrecoge es la intensidad desesperada con que la tocan. Es una orquesta sin arrogancia, que no habla de su gran tradición musical, aunque, por supuesto, tienen la suya. Mira hacia delante y, en cada concierto, esa intensidad va en aumento, a medida que encuentran las conexiones con el repertorio.
Aparte de Mahler, en Santander tocarán un segundo set de música de finales del siglo XIX y comienzos del XX.
Es una música estupenda para esta formación. Una de las cosas que más me ha gustado en los últimos años ha sido descubrir estas colecciones de danzas de Dvorák y presentarlas como una pieza única. Es algo que raramente se hace, incluso cuando una o dos de estas composiciones sean bien conocidas. Pero cuando las escuchas agrupadas, es un viaje completamente distinto. Aunque la última danza de nuestro repertorio supone un diferente tipo de despedida que la que ofrece la Novena de Mahler, hay una extraña melancolía. Particularmente en nuestro segundo repertorio, hay un arco muy amplio de emociones, y será algo muy interesante sobre lo que trabajar a lo largo de este año.
¿Y respecto a Ravel?
Naturalmente, al ser la LSO la orquesta de Pierre Monteux durante un tiempo, todavía tiene una afinidad inmediata y natural con la música francesa y esa clase de sonidos.
¿Diría que este tipo de sonido es el que podría identificar su etapa al frente de la LSO? ¿O le interesa explorar territorios más alejados?
Como cualquier gran orquesta, ésta puede ser enormemente versátil. Hay ciertas áreas, como las danzas de Dvorák, que encajan perfectamente con ella, pero no sé cuándo podrán tocar el conjunto completo. Incluso cuando estaba en Berlín, tenía un estupendo intérprete checo de fagot que me decía que había piezas de ese ciclo que no había tocado en todos los años que había estado con la Filarmónica de su país.
¿Le interesa dar preponderancia a unos compositores respecto a otros?
Lo bueno de trabajar con músicos así es que puedes hacer que se expandan en diferentes direcciones y rápidamente te darás cuenta de que la manera de hacer cada pieza del repertorio en ese camino afecta al resto. Y que, al final, no puedes tocar Bach del mismo modo en que lo haces con Bruckner. Necesitas que estos compositores se ayuden unos a otros y también en el otro sentido. Por eso me atrevo a decir que no hay límites que esta orquesta no pueda alcanzar. Están preparados para cualquier cosa y por eso es una aventura excitante.
Siempre se ha mostrado muy interesado en el aspecto educativo de la música, especialmente en su relación con la infancia y la juventud. Ésta es una de las huellas más importantes que ha dejado a su paso por la Philharmoniker. ¿Y en Londres? ¿Cuál es el objetivo de sus proyectos educativos?
Lo importante es que la música alcance a toda la sociedad. En Londres es algo que llevamos haciendo 25 años, mientras que en Berlín fue algo completamente nuevo; he de decir que raramente se habían preocupado de ello, así que tuvimos que hacer todo tipo de proyectos diferentes. Al ser parte de los cimientos de la London Symphony desde hace mucho tiempo, de forma permanente y sin llamar la atención, se ha trabajado en aspectos como los coros de los diferentes distritos de la ciudad. De esa forma, están atrayendo a una enorme cantidad de niños cada temporada.
¿Dónde diría que se establece el salto de lo didáctico a lo social?
Creo que una orquesta moderna debe involucrar e involucrarse, en vez de, simplemente, ponernos enfrente. Ayudar a la gente a hacer cosas, y no sólo darles la posibilidad de experimentarlas. En definitiva, que el público no sea una masa de oyentes pasivos, sino que puedan montar sus propios proyectos. Estoy feliz de haber contribuido en Berlín a llevar todo esto un poco más a esa parte de Europa.
Aunque se sigue viendo a la música clásica como encerrada en su torre de marfil, ajena a los problemas del mundo y gueto de ricos, usted se sigue empeñando en romper este estereotipo. ¿Por qué?
La música cura, la música reúne a la gente, la música ayuda al entendimiento. Por encima incluso de la palabra hablada, es una forma de comunicación que puede unirnos de formas que otros medios no pueden. Si colaboras con alguien, lógicamente tienes que comunicarte a través de la música. Respecto al tema de la inmigración, toda Europa tiene un enorme reto por delante en estos días y la música puede jugar un gran papel en ello. Recuerdo especialmente aquella velada en Berlín dando la bienvenida a los refugiados: fue un gesto de una noche, y cada orquesta ha tenido sus propios métodos de tratar este asunto, pero he de decir que en contadas ocasiones he sentido una intensidad de escucha de cualquier público, gente que había ido a festivales de clásica y gente que no había escuchado una nota antes. Algo inolvidable.
Aquí te recomendamos las mejores películas sobre música que puedes ver en Netflix.
Estos son las mejores alternativas para que disfrutes en Netflix.La música seguirá siendo una gran acompañante en nuestra vida cotidiana, ya sea en el trabajo o en el estudio. Sin embargo, muchos desconocen el verdadero origen de las canciones compuestas por grandes artistas conocidos, es por ello, Netflix cuenta con un catálogo de series y películas referenciales a ello.
Si te consideras una gran amante de música y no puedes vivir sin ella, a continuación, te presentaremos los mejores largometrajes sobre música que puedes ver en Netflix.
Purple Rain
La película fue estrenada en 1984 y relataba algunas partes de la biografía del fallecido Prince. La historia se desarrolla en un ambiente ochentero y, de hecho, fue pensado para mostrar el gran talento del cantante.
Mi nombre es John Lennon
Con solo verla, podrás tener una idea que cómo se convirtió en un icono de la música. La película narra sobre un joven adolescente británico llamado John, además muestra sus inicios la agrupación legendaria: Los Beatles.
August Rush
En esta película no escuchará canciones populares, pero podrás disfrutar algunos temas acordes a la música clásica, ya que los protagonistas tienen conocimientos superdotados. El filme muestra la verdadera pasión de un compositor.
Rock of Ages
Si eres amante del género Rock, entonces esta cinta te fascinará. Dentro del largometraje escucharás canciones de Def Leppard, Journey, Joan Jett, Bon Jovi y otros. Sin duda disfrutarás algunos temas clásicos.
Janis: Little Gilr Blue
Es una documental sobre la legendaria cantante Janis Joplin, quién deslumbró con sus canciones al tener una poderosa voz y la gran intensidad en la interpretación. Al verlo podrás saber algunos hechos que vivió durante su carrera.
Amy
Su trágica muerte sorprendió al mundo, pero sus canciones quedaron inmortalizadas. El documental muestra la otra cara de Amy Winehouse, pero al mismo tiempo podrás escuchar sus grandes composiciones.
La cantante anunció que comenzará la primera de 27 actuaciones en el Park Theater el 28 de diciembre.
Lady Gaga va camino a Las Vegas para una residencia musical que comenzará en diciembre e incluirá dos tipos de espectáculo.
La cantante anunció el martes que comenzará la primera de 27 actuaciones en el Park Theater el 28 de diciembre. Lady Gaga Enigma resaltará los más grandes éxitos bailables de la estrella pop, mientras que “Lady Gaga Jazz & Piano” incluirá canciones más austeras. Los boletos salen a la venta el 13 de agosto.
Gaga ha ganado seis premios Grammy y es más conocida por éxitos de dance-pop como Poker Face y Born This Way. También lanzó un álbum de jazz con Tony Bennett.
La sexta versión del festival de rock que se realiza en lampa, a 30 min de Santiago.
Se anunció un encuentro interesante de rock nacional: el festival Lampa Rock 2018, que reunirá a bandas como Fiskales Ad Hok, Devil Presley, Saken y varios otros, el sábado 27 de octubre en la Parcela Los Aromos de Lampa.
Se trata de una cita al aire libre, a 30 minutos de Santiago, que se realiza desde hace 6 años y por primera vez se hará más en grande. Habrá buses de acercamiento desde Santiago, 14 bandas en escena de diversos estilos desde hard rock, punk, blues, metal y otros. También habrá puestos de comida, de cerveza artesanal y juegos infantiles, así que un buen panorama familiar.
Sábado 27 de octubre a partir de las 12:00 hrs. (Las puertas abrirán a las 11:00 hrs.)
Camino Noviciado Norte. Parcela Los Aromos. Lote E-2. Lampa https://goo.gl/GKdb6V
Primera Preventa $3.000 a través de sistema Eventrid.
Venta de Comida y bebidas.
Movilización pública hasta las 21:00 hrs y también del festival con ticket en mano. (Se publicarán los horarios y recorridos).
Estacionamientos privados dentro del mismo recinto.
*Evento apto para todo público, prohibido el ingreso de alimentos y bebidas alcohólicas.
La compañía Circonciente representó a Chile y a México en el festival de teatro alternativo francés Avignon Off, con la puesta en escena de 22 funciones de Risas de papel, montaje que resultó ganador del “Coup de couer” (“Flechazo al corazón”) de los premios Tornasol.
En la pieza teatral participaron como creadores los chilenos Camila Aguirre(directora); Rocío Troc (diseño y realización de vestuario); y Eduardo Jimenez Cavieres (diseño de iluminación y escenografía).
La coproducción chileno-mexicana tuvo muy buena recepción del público, prensa y crítica francesa. Fue la calidad artística del proyecto lo que lo llevó a esta premiación, que evoca a la defensa y protección del planeta, biodiversidad, clima, ecología y solidaridad humanista: feminismo, igualdad de derechos, justicia, amistad entre los pueblos, libertad de movimiento y derecho a la educación.
Risas de Papel fue seleccionada entre 90 proyectos postulados con la temática de protección del medio ambiente y promoción de la ecología humanista. Seis miembros del jurado vieron la obra en diferentes días, otorgándoles el premio especial del jurado: el “Coup de Coeur” (flechazo al corazón).
“Risas de Papel”
La directora de la obra, Camila Aguirre, declaró: “Para nosotros ha sido muy bueno hacer este equipo de coproducción entre dos países latinoamericanos, hemos sido la presencia de latinoamérica aquí en Avignon Off y estamos muy contentos primero de representar tanto a Chile como a México”, contó.
“Hemos conformado un gran equipo que habla desde nuestro lugar, nuestro continente y esto que también sirva de motivación a los jóvenes artistas que puedan venir también a representar nuestra cultura y nuestra visión del mundo en este importante festival de Europa, creo que las puertas siempre están abiertas”, agregó.
A su regreso, la compañía Circonciente gestiona una temporada de Risas de papel por diferentes ciudades de Chile, entre enero y marzo de 2019.
Hace 49 años, ‘The Beatles’ se tomó la foto más icónica del grupo. Datos alrededor de la portada de su undécimo álbum ‘Abbey Road’.
19 curiosidades de la foto más famosa de Los BeatlesFoto: Beatles Maniac 11
1. Ese 8 de agosto de 1969, la sesión de fotos duró 10 minutos.
2. Un policía se tomó la molestia de parar el tráfico mientras The Beatlescruzaban la calle.
3. Iain Mcmillan, el fotógrafo, era un amigo de John Lennon y Yoko Ono.
4. Linda McCartney, la esposa de Paul, que también era fotógrafa, tomó fotos del grupo mientras esperaban para cruzar.
5. Mcmillan uso una cámara Hasselblad, un lente gran angular de 50mm, una apertura de f-22 y a 1/500 segundos.
6. Paul McCartney hizo un boceto de la portada antes de que salieran a hacer la foto.
7. En total se tomaron seis fotos.
8. La imagen que eligieron era la única en la que todos estaban caminando al mismo tiempo.
9. El 22 de mayo del 2012, una de las fotos de esta sesión se subastó por 25.000 dólares.
10. Los fanáticos de la conspiración que decía que McCartney había muerto y que The Beatles lo habían reemplazado por un farsante, tomaron la portada como una pista. John Lennon, vestido totalmente de blanco, representaba el sacerdote, Ringo Starr, de negro, representaba el enterrador, Paul McCartney, descalzo, era el muerto, y al final George Harrison, el sepulturero.
11. En cuatro de las seis fotos que se tomaron, McCartney cruzó la calle descalzo cuatro veces, y las otras dos uso sandalias.
12. A excepción de George Harrison, todos llevaban puesto trajes diseñados por Tommy Nutter.
13. La grabación del undécimo álbum de estudio Abbey Road comenzó en abril del año 1969.
14. El lanzamiento oficial fue en el Reino Unido el 26 de septiembre de 1969.
15. Abbey Road fue el último trabajo discográfico de The Beatles.
16. El álbum inicialmente se iba a llamar Everest, pero ir a la montaña para tomar la foto era un poco inconveniente.
17. Este fue el primer álbum de The Beatles que fue grabado usando tecnología de ocho pistas.
18. George Harrison fue uno de los primeros en comprar un Moog, y el instrumento terminó en los estudios de Abbey Road en agosto de 1969.
19. Para el tema The End, la penúltima pista del disco, Harrison, McCartney y Lennon se compartieron el solo para guitarra, uno tocando detrás después del otro. Para Starr, esta fue la única vez que tocó un solo para batería.
La guitarra de plástico del Guitar Hero no solo consiguió sonar como el solo más demente de Lynyrd Skynyrd: también revitalizó a una industria tan averiada como la musical.
Cuando la pequeña Harmonix anunció en plena era Napster el lanzamiento del primer Guitar Hero, lo hizo acompañado de un periférico con forma de guitarra plástica que no recibió mucha atención.
La compañía norteamericana se había especializado en adaptar juegos japoneses de karaoke, por lo que un proyecto de esas características no tenía mucho sentido fuera del país de Kenso.
Videojuegos de baile y simuladores de instrumentos existían desde mucho antes en Japón: DrumMania, BeatMania o Guitar Freaks, por nombrar algunos, lo demuestran. Harmonix, de hecho, llevó a occidente la esencia de Guitar Freaks, disminuyendo los niveles de dificultad y curando una lista de canciones que agregó desde “Take me out” de Franz Ferdinand a “Killer Queen” de Queen y “Ziggy stardust” de Bowie.
La firma fundada en 1995 por dos alumnos del Instituto de Tecnología de Massachusetts, Alex Rigopolus y Eran Egozy, no había dado resultados importantes hasta que entró en juego RedOctane, algo así como el luthier de la famosa guitarra plástica.
Vamos a decirlo claramente: el éxito fue inmediato.
Incluso, exprimiendo todavía más la idea de simular a una banda de rock enchufada al televisor, los desarrolladores ampliaron la apuesta a más perféricos/instrumentos y nuevas sagas. Así nacieron Rock Band, SingStar, Dj Hero y BandFuse, entre otras.
Por qué Guitar Hero salvó a la música
Polemista experimentado, Lars Ulrich, el baterista de Metallica, tuvo solo halagos para el nuevo fenómeno.
“Son juegos que conectan a generaciones de amantes de la música y permiten que, por ejemplo, mis hijos se entusiasmen con Deep Purple, Black Sabbath, Foo Fighters y otras de mis bandas favoritas”, señaló a los medios.
Metallica, después del episodio Napster, fue uno de los primeros grupos que entendió que los simuladores de instrumentos eran una potencial fuente de nuevos ingresos para la industria de la música.
Y así sucedió. Cuando apareció Guitar Hero: Aerosmith, los discos de la banda de Steven Tyler se vendieron un 40% más.
Metallica, por su lado, tomó nota de la experiencia y sacó a las bateas su disco Death magnetic en CD, vinilo y como versión descargable para Guitar Hero III.
Es decir, el disco completo podría ser jugado el mismo día que apareció para el resto de formatos.
Lo que hicieron Guitar Hero y los videojuegos que vinieron después fue centrar la experiencia del jugador en el rock de guitarras. Para ello echaron mano a la histórica discoteca de la década del 60 y, por supuesto, a todos los estilos posteriores que sentaron raíces en la música de Led Zeppelin, The Beatles y Black Sabbath.
La saga iluminó, por así decirlo, a algo que nunca debió salir de foco: las canciones. Y de paso revitalizó los bolsillos de la industria de la música: cifras de la cadena GameStop consultadas por CNBC dieron luces sobre los videojuegos que más recaudaron en Estados Unidos. Y los títulos con periféricos (guitarras, baterías, micrófonos o tornamesas) llevan la delantera.
Guitar Hero III lidera el ranking de CNBC con US$830 millones y, más abajo, donde destaca la saga de shooters Call of Duty, aparecen Rock Band y Guitar Hero World Tour.
Estos son algunos de los títulos de culto del género, que incluyen estilos como rock, pop, soul y hip-hop, en una selección de Culto.
1- The Beatles: Rock Band (PlayStation 3, Xbox 460, Wii)
Un verdadero videojuego de colección. El título publicado por Harmonix en 2009 no solo revive la intensa historia del cuarteto de Liverpool, desde su histórico primer show en The Tavern hasta el mítico concierto en la azotea el edificio de Apple Corps en Londres. También echa mano a lo más selecto de la discografía de los autores de “Tomorrow never knows”, “Revolution” y “Something”. Además cuenta con la posibilidad de comprar réplicas del bajo Höfner de McCartney, la batería Ludwig de Ringo y las guitarras Rickenbacker y Gretsch de Lennon y Harrison completando la experiencia de los “Fab four”.
2- SingStar Motown (PlayStation 3)
La saga SingStar es una serie de videojuegos de karaoke y el capítulo Motown utiliza como catálogo al principal sello discográfico surgido en los años 50. Uno que hizo escuela en la música popular global alcanzando esa cumbre distintiva que conocemos como “sonido Motown”, mérito inexpugnable del pop y R&B de sus cultores. El título permite (intentar) interpretar únicamente en voz los temas de gente tan importante para la música como The Supremes, Stevie Wonder, The Jackson 5 y Marvin Gaye, entre muchos otros.
3- Rock Band 3 (PlayStation 3, Xbox 360)
En medio de la época dorada de este tipo de videojuegos, Rock Band 3 fue desarrollado por Harmonix, publicado por MTV Games y distribuido por la gigante Electronic Arts. Acá podemos formar nuestra propia banda musical con cantante, guitarrista, bajista y/o baterista, con un repertorio de canciones que incluye a “Bohemian rhapsody” de Queen, “Free bird” de Lynyrd Skynyrd, “Jerry was a car driver” de Primus y “Just like heaven” de The Cure, entre 83 temas, muy en la línea del Guitar Hero: Warriors of Rock, que además de Black Sabbath, Megadeth, Slipknot y Muse, incluye un modo historia narrado por Gene Simmons de Kiss.
4- BandFuse: Rock Legends (PlayStation 3, Xbox 360)
Al igual que en Rocksmith, acá los usuarios pueden conectar una guitarra eléctrica real y tocar gracias a un adaptador que lleva el sonido de tus dedos a la consola. Músicos de la talla de Slash de Guns N’ Roses o Zakk Wylde de Ozzy Osbourne operan como tutores para aprender a dominar el instrumento entre canciones como “You oughta know” de Alanis Morissette, “No rain” de Blind Melon, “Alive” de Pearl Jam o “Show I stay or should I go” de The Clash.
5- DJ Hero 2 (PlayStation 3, Xbox 360, Wii)
Lo distintivo acá es el periférico: una tornamesa con la que debemos convertirnos en un reputado DJ y productor musical mezclando canciones y estilos. La experiencia se completa con 85 temas de gente como Dr. Dre, The Chemical Brothers, Daft Punk, Kanye West, Lady Gaga y Rihanna. Como dato, se puede ocupar al conocido DJ Deadmau5 como personaje en el juego.
6- Guitar Hero: Metallica (PlayStation 3, Xbox 360)
Recorre las primeras dos décadas de carrera de Metallica, para repasar su discografía desde el heavy de Kill’em all (1983) hasta el insípido St. Anger (2003), reescribiendo la historia de los californianos según el evangelio de James Hetfield, Kirk Hammett y Lars Ulrich: esto es omitiendo la participación de los históricos Dave Mustaine, Cliff Burton y Jason Newsted en la banda. Algo que también puede leerse como un espaldarazo a su actual bajista Robert Trujillo. El catálogo de canciones incluye la mayoría de las cumbres de Metallica: “One”, “Battery”, “Enter sandman”, “Fuel”, “No leaf clover” y temas como “The unforgiven”, “Sad but true” y “Nothing else matters”.
7- SingStar Queen (PlayStation 3)
Un tremendo título con la difícil misión de emular la voz del legendario Freddie Mercury y sus secuaces. El juego ofrece la posibilidad de intentarlo en 24 canciones, desde “Somebody to love” y “Radio Ga Ga” hasta la demandante “Bohemian rhapsody”, “I want to break free” y “We are the champions” en distintos niveles de dificultad.
8- Def Jam Rapstar (PlayStation 3, Xbox 360, Wii)
Un título dedicado por completo al hip hop, donde debemos interpretar y rapear temas con un micrófono inalámbrico y, claro, demostrar si se tiene o no flow. Y apreciar el talento de los MCs y músicos de un nutrido catálogo donde destacan Beastie Boys, Notorious B.I.G., 2Pac, 50 Cent, Dizzee Rascal, Ice Cube, Outkast, Public Enemy, Run-D.M.C., Kanye West y Snoop Dogg.
9- SingStar ABBA (PlayStation 3)
Acá un juego dedicado exclusivamente a la banda sueca con 25 de sus hits para cantar. Desde “Dancing queen” a “Mamma mia” pasando por “Super trouper”, “Take a chance on me” y “Gimme! gimme! gimme! (a man after midnight)”.
10- AC/DC Live: Rock Band (PlayStation 3, Xbox 360)
Un título necesario para entender cómo operan las guitarras en el universo de los hermanos Young. Eso sí, el título dedicado a la banda australiana cuenta con apenas 18 canciones de los hombres de “Back in black”. Y todas son crudas versiones en directo, configurando una experiencia breve aunque intensa.
11- Michael Jackson: The Experience (PlayStation 3, Xbox 360, Wii)
Aunque lo central es emular los pasos de baile de Michael Jackson en coreografías como las de “Bad”, “Beat it”, “Billie Jean” y “Smooth criminal”, el título también cuenta con un modo de karaoke para atreverse a cantar las canciones del “rey del pop”.
12- Guitar Hero: Aerosmith (PlayStation 3, Xbox 360)
El juego sigue los pasos de la banda de Steven Tyler, Joe Perry, Brad Whitford, Tom Hamilton y Joey Kramer, con sus propias canciones como soporte pero además con las de la gente que los inspiró a hacer música: Cheap Trick, The Kinks, Joan Jett y The Clash. El juego solo ocupa la guitarra como periférico.
13- Rock Band: Green Day (PlayStation 3, Xbox 360)
A diferencia del título anterior, acá podemos emular los bajos, guitarras, voces y baterías del catálogo de Green Day. El título sigue la historia de la banda profundizando en sus discos Dookie (1994), American idiot (2004) y 21st Century breakdown (2009), sin dejar de lado éxitos como “Good riddance (time of your life)” del Nimrod (1997) o “Minority” del Warning (2000).
14- SingStar Mecano (PlayStation 3)
Juego de karaoke dedicado por completo al grupo madrileño que brilló durante los años ochenta y primeros de los noventa gracias a la voz de Ana Torroja y el señero sonido de los hermanos Nacho y José María Cano. Incluye 30 temas como “Bailando salsa”, “Hawaii-Bombay”, “Me cuesta tanto olvidarte”, “Hoy no me puedo levantar”, “Barco a Venus” y “Aire”.
15- Singstar (PlayStation 3)
Es el juego de karaoke por defecto. E incluye un nutrido catálogo de temas de Blur, Beck, Britney Spears, Scissor Sisters, Outkast, David Bowie, The Killers, Blind Melon y tantos otros, siempre listo para prender cualquier fiesta. Como ocurre con las sagas Guitar Hero, Dj Hero y Rock Band, Singstar incluye un amplio catálogo online donde se pueden comprar más canciones para ampliar la experiencia de juego.
Si bien tenían estilos musicales muy diferentes, ‘La voz’ y ‘El Rey del rock’ cantaron juntos una noche de primavera a comienzos de los 60.
Elvis Presley ingresó a las Fuerzas Armadas estadounidenses el 24 de marzo de 1958. Dos años después -el 5 de marzo de 1960- dejó de cumplir servicio y se retiró del ejército. Si bien no fue hasta marzo de 1964 que fue desligado oficialmente de la institución, El Rey se dedicó inmediatamente a retomar la música, y lo hizo con nadie más y nadie menos que Frank Sinatra.
El oriundo de Misisipi estuvo alejado de la música durante este periodo, y temía que el público lo hubiese olvidado restándole el derecho a retornar a los escenarios con el éxito de antaño. Además, sufrió la muerte de su madre Gladys.
El Rey estaba desolado.
Frank Sinatra, el reconocido cantante de jazz y blues, decidió organizar un forma diferente para marcar su retorno a la escena musical con un especial televisivo llamado Frank Sinatra Timex Show: bienvenido a casa Elvis.
La iniciativa llamó la atención entre las fanaticadas de ambos artistas no solo por los géneros disimiles en que triunfaban, también por la declaraciones que Frank Sinatra dio contra el estilo insigne de Presley: “El rock and roll huele falso y falso. Está cantado y escrito en su mayor parte por matones cretinos… se las arregla para ser la música marcial de todos los delincuentes con colas en la faz de la tierra… Es la forma más brutal, fea, desesperada, viciosa de expresión que he tenido la desgracia de escuchar”, escribió en la revista francesa Western World en 1957.
Pero, a sus 45 años, Sinatra veía amenazado su prestigio y popularidad por parte de este joven 20 años más joven que atraía a las masas y enloquecía al público. Por sugerencia de su hija Nancy, la voz de “Fly me to the moon” decidió unirse a su amenaza artística en vez de declararle la guerra.
El lugar fue el Hotel Fontainebleau de Miami, y el día de grabación fue el 26 de marzo de 1960. El Rey se veía distinto. Más recatado, con la mirada sombría y movimientos contenidos en un esmoquin negro a juego con el de Sinatra. Sin embargo, esto no fue impedimento para que una mirada o una sonrisa desataran el fervor de la audiencia.
Tras la interpretación de un par de canciones por parte de Elvis, Sinatra regresó al escenario para cantar a dúo con él. “Haces brujería, y yo haré otro tipo de magia”, dijo ‘La voz’, quien comenzó a cantar una reversión de “Love me tender” mezclada con “Witchcraft”.
Presley cobró 125 mil dólares de la época por su participación en el show que fue emitido el 12 de mayo de ese año. Desde entonces, los artistas desarrollaron una amistad que se mantuvo con los años.
Del 5 de septiembre al 17 de octubre, el GAM ofrecerá el taller Star Wars y sus claves como cine de autor, a cargo del periodista y crítico de cine Leopoldo Muñoz.
El taller contempla seis clases y tendrá un valor de 70 mil pesos por todas las sesiones. Todos los detalles, en el sitio del GAM. Inscripciones al correo bibliogam@gam.cl.
Tras una exitosa inauguración en la Región de Coquimbo, la cuarta edición del Tour Nacional Teatro Mori Entel finaliza su gira nacional en Antofagasta con dos destacados montajes que se presentarán sin costo para el público, entre el 8 y el 11 de agosto en el Teatro Municipal de Antofagasta.
La primera de estas obras será la comedia “La puerta de al lado”, que desde su estreno en abril ha sido vista por más de diez mil personas. La obra es dirigida por Patricio Pimienta -mismo director de “Nuestras mujeres” (2017), “Bajo terapia” (2016) y “Le prenom” (2015), los estrenos más vistos de la escena nacional en sus respectivos años- y es protagonizada por Javiera Contador e Iván Álvarez de Araya.
Esta comedia romántica, que ha sido un éxito en importantes escenarios de Francia, España y Argentina, cuenta la historia de dos vecinos solteros en plena crisis de los 40. Ambos viven solos, separados por un estrecho pasillo. Dos polos opuestos que tratarán de mantener la cordialidad, pero bastará un poco de música fuerte para convertirse en vecinos detestables.
Para toda la familia, se presentará “Las aventuras de Robin Hood Clown”, de la compañía Reciclacirco. Inspirada en la leyenda de Robin Hood, la obra cuenta las aventuras de un valiente joven que, al estilo clownesco, muestra su férreo sentido de la justica en los bosques del sur de Chile.
“La puerta de al lado” se presentará el miércoles 8 y el jueves 9 de agosto a las 20.30 horas en el Teatro Municipal de Antofagasta. Mientras que “Las aventuras de Robin Hood Clown” lo hará el sábado 11 de agosto a las 12.00 y 17.00 horas, en el mismo lugar.
“El Tour del Teatro Mori Entel nos ha dado grandes satisfacciones desde hace ya cuatro años. Queremos ser parte de las grandes transformaciones, y lo queremos hacer de manera responsable. Por eso hemos mantenido este compromiso con el teatro con el propósito de llevarlo de forma gratuita a distintos lugares de Chile”, comentó Alexis Licci, gerente de marketing de Entel.
En tanto, el director ejecutivo de Centro Mori, Cristóbal Vial, dijo que “gracias a Entel, por cuarto años consecutivos Centro Mori llega a distintos rincones del país con lo mejor del teatro nacional. En tres años de gira hemos convocado a más de treinta mil personas, consolidando nuestra presencia en regiones y el objetivo de descentralizar la cultura mediante teatro de calidad y accesible para todo público”.
Por su parte, la protagonista de “La puerta de al lado”, Javiera Contador, señaló que “quiero invitar a todos los amigos de Antofagasta a que nos acompañen en el Teatro Municipal de Antofagasta. Ahí estaremos presentando junto a Iván Álvarez de Araya esta comedia romántica sobre dos vecinos solterones, cuarentones, que parecieran odiarse, pero sienten una gran atracción”.
El Tour Nacional Teatro Mori Entel 2018 comenzó en abril en La Serena, en mayo pasó por Valparaíso, en junio por Rancagua y finalizará su recorrido en agosto en la Región de Antofagasta.
El Nescafé de las Artes volverá a proyectar los títulos del National Theatre de Londres. En este ciclo: Yerma, Frankenstein, Julie y King Lear.El Teatro Nescafé de las Artes volverá a proyectar, por quinto año consecutivo, el ciclo National Theatre Live, las obras más importantes del momento proyectadas desde el National Theatre de Londres, considerado el mejor teatro del mundo, con más de 50 años de programación, por una pantalla gigante full HD, y con subtítulos en español, en el que es considerado un nuevo hito para la escena teatral chilena.
Luego del éxito de convocatoria durante el primer semestre de 2018 con “Follies”, “Young Marx” y “Hamlet”, entre otros títulos, para esta edición tiene contemplado: “Yerma”, programada para el miércoles 29 de agosto, es una adaptación de la obra de Federico García Lorca en la que Billie Piper (Penny Dreadful, Great Britain) vuelve a su papel galardonado con el premio Evening Standard a mejor actriz.
Completan el programa, “Frankenstein”, dirigida por el ganador del Oscar, Danny Boyle (Trainspotting) y con Benedict Cumberbatch como protagonista, el 30 de octubre; “Julie”, con Vanessa Kirby (The Crown, Un tranvía llamado Deseo), como actriz principal y “King Lear”, el martes 15 de enero, con el premiado Ian McKellen (Gandalf en El Señor de los Anillos y El hobbit y Magneto en X-Men) en el rol protagónico.
Según expone a Diario Financiero Andrea Gutiérrez, directora de programación del Nescafé de las Artes, “tenemos un público cautivo, que ha ido creciendo”.
“Uno de los aspectos que nos tiene más contento es que el público nos ha acompañado, ha valorado lo que significan estas producciones que no llegan a giras hasta Latinoamérica y nos mantiene conectados con los lenguajes teatrales. No es sólo un público erudito, es abierto, porque la selección de grandes piezas, acompañada con grandes actores, hace que de distintos lados se acerquen. El balance es muy positivo”, afirma.
