Notas destacadas

Hace 20 años la vida era distinta: Chile jugaba el Mundial de Francia, detenían a Pinochet en Londres, la gente veía por primera vez cómo Gohan mataba a Cell por televisión abierta, y en el rock, una de las tendencias que cobraba más fuerza entre los seguidores chilenos era el power metal europeo.

Uno de los lanzamientos más recordados de esa oleada fue el de los italianos Labyrinth con su disco “Return to heaven denied”, en pleno 1998. Aprovechando la fuerza que habían cobrado fenómenos como el de Rhapsody, fue muy bien recibido por estos lados y así se notó después cuando vinieron por primera vez, el año 2000.

Ahora es 2018 y es momento de que Labyrinth vuelva, celebrando los 20 años de “Return to heaven denied”. La fecha elegida es el miércoles 5 de septiembre en el Club Blondie, donde lo estarán tocando completo. En la espera, llamamos al guitarrista Olaf Thörsen, guitarrista, co-fundador y líder del grupo, quien respondió nuestras inquietudes.

-Olaf, un gustazo. ¿Cómo los tiene este regreso?

-Estoy súper feliz. Me gusta Chile, yo viví en Chile, para mí es como mi segunda casa. Y tocar ahí después de 18 años, ha sido un tiempo tan largo, así que realmente estoy feliz.

-Exactamente, viviste acá un tiempo, ¿podrías contar cómo fue esa estadía?

-Viví muchos años. Desde el 2003-2004, me iba para allá unos tres o cuatro meses cada año, cada verano. Así que me siento muy conectado, Chile es mi segundo país, soy hincha de la Selección. Los otros integrantes de la banda también están felices porque las otras veces que hemos ido fueron siempre espectaculares. Como público y personas son bastante calientes, al igual que todo Sudamérica, pero tienen algo particular. Caliente pero respetuoso al mismo tiempo. Una atmósfera muy amigable que nos gusta mucho.

-Qué bueno saberlo, siempre bienvenido por acá. Esta vez llegan con los 20 años de “Return to heaven denied”, ¿qué significa para ustedes esta celebración?

-Es algo difícil de explicar, porque de verdad para nosotros es un álbum importante, pero también hicimos muchos otros que nos gustan. Y ver que este álbum tiene tanta trascendencia para los fans es algo inexplicable. Claro que es un buen álbum, me gusta, yo lo escribí, pero los que lo hicimos no podemos decir por qué funcionó como funcionó. Si tuviera una respuesta, lo haría de nuevo (risas). Lo hicimos cuando éramos veinteañeros y todavía nos lo piden para tocarlo. Cuando empezamos a hablar de un show en Chile, no teníamos la idea de hacer un concierto especial. Pero nos pidieron hacerlo y lo vamos a hacer con mucho gusto.

-Pero también tienen música nueva. El año pasado sacaron el disco “Architecture of a god”, el primero después de 7 años. ¿Cómo ha sido todo ese proceso?

-Es un álbum muy importante para nosotros, también vamos a tocar canciones de ahí. Para mí tiene la misma importancia que un álbum como “Return to heaven denied”. Claro, los tiempos son diferentes, hoy todo se quema muy rápidamente, por internet y lo digital. Pero para mí tiene la misma fuerza e importancia de lo que hacíamos hace 20 años.

-Este 2018 también sacaron un registro en vivo, “Return to live”. ¿Es similar a lo que veremos en persona, para ir aprontándose?

-Sí, el DVD son solamente las canciones de “Return to heaven denied” más una extra. Ahora en el concierto en Santiago vamos a tocar muchas más canciones. La parte de “Return…” es tal cual porque es el álbum entero, pero el resto será diferente. Ese fue un show muy particular, fue el primero que hicimos con la nueva formación. Fue algo extraño, porque fue tocar el disco con la mitad de los músicos originales junto a los que venían llegando. Pero lo hicimos con mucho gusto, fue increíble ver al público. Gente que llegó desde Brasil, desde Japón, desde Rusia. Como te decía, todavía no entendemos por qué a la gente le gusta tanto este álbum.

-Quizás es parte de la magia no saber cómo se dan estos sentimientos que provoca la música.

-Es algo que no es matemático. No hay una fórmula. A veces haces una canción que para ti es la mejor y al público no le gusta. A veces haces algo que no tiene ninguna diferencia con la anterior, y la aman. Te diré qué es lo que creo: “Return to heaven denied” salió en un período en que todavía no había tomado tanta fuerza internet. Teníamos un fans club a fines de los 90 y había muchos fans que nos escribieron para dar gracias por ese material, porque habían escuchado tal o cual canción en un momento especial, “conocí a mi polola”, cosas así. Creo que la razón de que la música permanezca es porque está conectada con sentimientos de nuestra vida real. Eso es.

-Hablando de recuerdos, ¿cómo recuerdas la primera vez de la banda en Chile hace 18 años? ¿Se sorprendieron de encontrar tantos y tan efusivos fans a este lado del mundo?

-Sí, fue algo increíble, la primera vez que como banda tocamos en Sudamérica. Fue una gira larga, como de 40 días. Y desde el primer día que llegamos a Chile fue algo especial. La gente fue muy amigable, como te decía, caliente pero respetuoso. A esas alturas uno ya está cansado y no tiene muchas ganas de hacer cosas, pero todo allá fue muy divertido. De esa manera Chile permaneció en los corazones de nosotros. Fue muy importante y de verdad todos los que están de esa época están felices de tocar ahí nuevamente.

-Estamos hablando de una época en que el power metal italiano estaba con todo. ¿Cómo ves ese movimiento en retrospectiva, y cómo ves que sigue hasta hoy?

-Suelen preguntarme por qué muchas de esas bandas de esa época no continuaron, qué pasó. La verdad es que hay muchas bandas que han salido desde Italia y hacen buena música. Lo que yo creo es que demasiadas bandas no intentaron hacer algo nuevo. No es un problema solamente del power metal italiano, sino de todos lados. Durante cinco o seis años salieron álbumes muy buenos y fuertes, pero casi siempre la misma cosa. Eso cansa cualquier movimiento. Pasó también en otra época con géneros como el thrash, el death o el black metal. Cuando un género aparece, provoca interés por la novedad. Y si no va ofreciendo algo nuevo, irá bajando la atención. Ahora parece que de nuevo está subiendo el interés, porque algo cambió: muchas bandas, como nosotros, se están convirtiendo en algo más progresivo. Progressive Power Metal. Que simplemente significa traer algo nuevo y mezclarlo con el power metal. Al público le gusta “Return to heaven denied”, pero no sería interesante grabar lo mismo cada año.

-Absolutamente. Decías al principio que eres hincha de la Selección Chilena de fútbol, ¿te gusta mucho ese deporte? Lamentablemente este año ni Chile ni Italia estuvieron en el Mundial, no tuviste por dónde.

-Sí, desafortunadamente no tuve equipo (risas). Soy fanático, jugué como arquero. De Chile me gusta Colo Colo, tengo muchas camisetas y a veces me han sacado fotos tocando con ella. Para mí es una manera de acercarme un poco a ese magnífico país que todavía quiero mucho.

-Y de Italia, ¿cuál es tu equipo?

-Atalanta. Un pequeño club con una historia muy larga, no ganamos mucho pero me gusta la idea de un equipo pequeño, porque cuando ganas algo es más fuerte y valioso que cuando lo hace un club grande que siempre gana todo como Real Madrid o Barcelona. Para mí no hay gracia en ganar como el Barcelona, porque tiene la plata, los mejores jugadores, tiene todo. No se me hace interesante así.

-Adhiero totalmente. Terminemos con esa sabia reflexión. Muchas gracias, Olaf.

-Gracias a ustedes, nos vemos el 5 de septiembre en Santiago.

Las entradas para ver a Labyrinth en el Club Blondie, con las bandas invitadas Valinor Excelsior (Colombia) y los nacionales Invasión y Drake, están por sistema Ticketek y tiendas Hites, sin recargo en tienda The Knife (Eurocentro) y tienda Rock Music (Portal Lyon).

Fuente: https://www.futuro.cl/2018/07/olaf-thorsen-labyrinth-la-musica-permanece-porque-esta-conectada-con-sentimientos-de-nuestra-vida-real/

Cada viernes, en un pedazo de acera de la ciudad de Kut bañada por el río Tigris, Jaled al Atbi y el puñado de actores aficionados de su compañía se apropian de la corrupción y otros problemas sociales que sacaron recientemente a las calles a miles de iraquíes.

El objetivo de esta pequeña compañía teatral, nacida hace menos de dos años, es sacar a la luz las peculiaridades de los dirigentes del 12º país más corrupto del mundo, pero también ofrecer una cita cultural a los habitantes del sur agrícola y tribal del país.

“El teatro es un mensaje”, explicó a la AFP Jaled al Atbi, de 42 años, director y a menudo también actor de la troupe. “Con nuestras sátiras denunciamos lo que consideramos negativo, como la corrupción, la falta de servicios públicos y las tradiciones tribales”, que conducen a conflictos a veces mortíferos.

Los sobornos, el despilfarro del Estado, la atribución de cargos de funcionario por políticos clientelistas, son algunos de los problemas que Jaled y sus amigos, como la gran mayoría de los iraquíes, dicen sufrir a diario.

Para satisfacer las necesidades de su esposa y de sus dos hijos, el propio Jaled terminó por resignarse a ingresar en la policía, al no poder conseguir uno de los anhelados puestos de funcionario tras sus estudios de magisterio.

Contar la verdad

En el sainete de este viernes, encarna a un funcionario de la administración forzado a formar equipo con colegas incompetentes, pero nombrados porque son miembros de partidos influyentes.

En el círculo de curiosos que se forma en torno al “escenario” -una mesa en la que está sentado Jaled y un poco de espacio alrededor-, las miradas son atentas y las sonrisas o muecas parecen un reflejo de los recuerdos de la relación de cada uno con la administración pletórica y burocrática.

“Nuestro público es muy receptivo porque sabe que lo que contamos es verdad”, asegura Jaled, cuya compañía consta de siete actores, entre ellos una mujer.

El grupo recibe a veces insultos y críticas, sobre todo en las redes sociales: “¡Exageran!” o “¡Cesen de insultar a los partidos y los dirigentes!”, cuenta Jaled.

Abu Alí, un maestro de 48 años que no se pierde ninguna representación, cree que con estas obras “se puede interpelar a los dirigentes y solucionar problemas sociales”.

Desde finales de 2016, el grupo puede presumir de varios éxitos.

Gracias a sus representaciones, el ayuntamiento tuvo que lidiar con el problema de los desechos en Kut, donde ahora hay una recogida de basuras regular y la ciudad está mucho más limpia, explican Abu Alí y otros habitantes.

Pero lo que la troupe trae cada viernes es un desahogo.

Porque los espacios de expresión cultural son escasos en Kut, capital de la provincia de Wasit fronteriza con Irán, como señala Karim al Bahadli, que viene a declamar cada viernes su poesía.

“Soplo de aire fresco”

Rebautizado “Calle de la cultura del Tigris”, este rincón de Kut en el que jóvenes libreros ofrecen sus obras en un puñado de mesas es el único “soplo de aire fresco” para “la gente de cultura de la provincia de Wasit”.

Aquí, continúa este peluquero cuarentón, “expresan sus sentimientos”. Un proceso necesario, estima, para los “iraquíes que no pueden más” en un país devastado por conflictos repetitivos desde hace casi 40 años.

El hartazgo adquirió en los últimos tiempos proporciones que parecen haber preocupado a las autoridades. Tras años de guerra, las reivindicaciones sociales aumentan en un país minado por el desempleo y la pobreza.

Miles de iraquíes han desfilado en numerosas ciudades del sur contra la corrupción y la mala gobernanza, temas que la pequeña compañía de Jaled ya había escenificado.

Antes de las elecciones legislativas del 12 de mayo, recuerda Jalal al Shati, actor el viernes y periodista el resto de la semana, la troupe registró “su mayor éxito”.

En una obra, Jaled, Jalal y los demás se burlaron de políticos imaginarios, uno que prometía el paraíso a sus electores, otro establecimientos de bebidas bien surtidos, cuenta este hombre de 46 años a la AFP.

Por supuesto, no citaban ningún nombre. Pero el aire entendido del público parecía indicar que todas las historias estaban basadas en hechos reales. Y que cualquier parecido con personas verdaderas, vivas o muertas, no es pura coincidencia.

Fuente: https://www.biobiochile.cl/noticias/artes-y-cultura/actualidad-cultural/2018/07/27/elvira-diaz-el-patio-muestra-la-capacidad-de-lelo-y-del-hombre-de-estar-todavia-en-pie.shtml

Foto: Ahmad Al-Rubaye | AFP

La cantante desplegará un show con lo mejor de su trayectoria, en la previa al lanzamiento de su nuevo álbum “A Dúo”.

Si bien a fines del año pasado Cecilia Echeñique estuvo en la capital regional al frente de un coro infantil interpretando villancicos, desde hace muchos años que  no se daba la instancia de venir a la ciudad para presentarse en solitario y desplegar su repertorio de corte más popular.

Y qué mejor que hacerlo en el contexto de la celebración de sus 30 años de carrera musical, prometiendo un concierto de larga duración con sus temas más queridos y reconocidos por el público.

“Estoy muy entusiasmada con este concierto, ya que hace tiempo que no voy a presentar lo mío, un recorrido por mis canciones más importantes  como ‘La cigarra’, ‘Como voy a renunciar a ti’, ‘Todo cambia’, ‘Secreta intimidad’, entre otras. Son todos temas que están dentro de mis 16 álbumes, pero además, y dándole un toque más dinámico, hablo un poco de cómo se generaron dichas melodías, sus anécdotas”, detalló la cantante.

Tres décadas de música que han pasado casi volando,  y de los cuales Echeñique rescata que “uno como artista aspira a ir dejando huellas en el repertorio nacional, y sobre todo en las personas, por lo que siento que sí algunas de mis canciones han marcado de alguna manera, lo que me hace sentir feliz y que mi senda musical no ha sido en vano. Que están en el inconsciente colectivo y que han traspasado generaciones”.

Los valores de las entradas para ser testigos de este concierto, van de los $7.000 a $15.000 incluye ingreso al Casino.

Un trabajo para celebrar

En línea con la celebración de estos 30 años, Echeñique grabó el álbum “A Dúo”, para el cual tomó 11 de sus temas más emblemáticos y los reversionó con diversos artistas nacionales como Nano Stern, Paz Court, Benjamín Walker -su hijo menor- Gepe y Denise Rosenthal, entre otros.

“Lo más lindo es que escogí a artistas de distintas generaciones con quienes no había trabajado con anterioridad. Además, la gracia que cada una de las canciones  fueron producidas por cada uno de ellos, es decir, cada tema viene desde la mirada musical de los invitados, lo que les da una personalidad nueva, y a la vez sin perder la esencia”, destacó Echeñique.

 

Fuente: https://www.diarioconcepcion.cl/cultura-y-espectaculos/2018/07/27/cecilia-echenique-celebrara-30-anos-de-musica-en-teatro-marina.html

Foto: Cedida

 

Seis de las más destacadas participantes de las primeras generaciones del programa Rojo Fama Contrafama se unieron para desarrollar un espectáculo que conjuga elementos del teatro, la danza y la música.En Corazón Rojo… al ritmo de la vida, Maura Rivera, Daniela Castillo, Leticia Zamorano, Carolina Soto, María Isabel Sobarzo y Paulina López mostrarán su arte en dos shows en el Teatro Oriente, pactados para el 25 de agosto.

“En este montaje podrán ver una producción de primer nivel, con un escenario al estilo Broadway, música en vivo, con iluminación y proyecciones audiovisuales increíbles y con un guion también súper trabajado, donde el público va a bailar, se va a emocionar y se va a identificar con nosotras”, señala Maura Rivera.

En Corazón Rojo… al ritmo de la vida, las cantantes y bailarinas repasarán hitos desconocidos de sus carreras, con los que el público descubrirá historias de “amistad, superación y perseverancia”.

Colegas y amigas

Un relato donde, al ritmo de la música y cuadros de danza y canto, se dará cuenta de una amistad que trascendió al tiempo y los escenarios, y que ahora, en una etapa diferente de sus vidas, siguen unidas por la misma pasión y sueños.

Maura Rivera, Leticia Zamorano y Daniela Castillo, creadoras del musical y socias de la productora Musifem, indican que ya se están cerrando otras fechas para Santiago, regiones y casinos.

“(Es una) oportunidad imperdible para ver un espectáculo familiar que incluye música de todos los tiempos y diferentes estilos de baile, bajo una excelente dirección y cuidando hasta los más mínimos detalles para lograr una producción de nivel internacional”, contó Rivera.

La producción de este musical, cuya preparación duró casi un año, es de Musifem y cuenta con la coproducción de Teatro Oriente y el patrocinio del Ministerio de las Culturas. La dirección y dramaturgia, en tanto, están a cargo de los actores Javiera Hernández y José Palma.

Corazón Rojo… al ritmo de la vida se presentará el sábado 25 de agostoa las 20:30 horas en Teatro Oriente, y el domingo 26 de agosto a las 17:00 horas.

Coordenadas

Av. Pedro de Valdivia 99, Providencia.
Valores desde $12.000 hasta $25.000 (valores más cargo por servicio).
Sistema Puntoticket.

Foto: Corazón Rojo… al ritmo de la vida”
Fuente: https://www.biobiochile.cl/noticias/artes-y-cultura/musica/2018/07/26/exintegrantes-de-rojo-estrenan-musical-estilo-broadway-presentaran-el-show-en-regiones.shtml

Los grandes nombres de la industria musical obtienen la mayoría de sus ingresos de sus giras, según una encuesta de la revista estadounidense Billboard.

Según una encuesta de la revista estadounidense Billboard, los grandes nombres de la industria musical obtienen la mayoría de sus ingresos de sus giras.

Nombres como el grupo irlandés U2, Bruno Mars, Metallica y Lady Gaga son unos de los que más ganaron en Estados Unidos en 2017.

Conoce a continuación el listado de los 20 músicos que lideran las ganancias:

20. Bruce Springsteen con US$ 18.5 millones. Springsteen cambió los estadios por el Teatro Walter Kerr con capacidad para 975 espectadores, pero aun así sigue conquistando a los Money Makers entre los primeros 20. Aunque técnicamente no es una gira, su (la mayoría) muestra individual con música, Springsteen en Broadway , se ha extendido tres veces y se convertirá en un especial de Netflix. (Foto: AFP)

19. Eric Church recaudó US$ 19.4 millones. Con 47 fechas, Holdin ‘My Own Tour se embolsó casi $ 17 millones. También es uno de los cuatro artistas de country que generaron más de la transmisión ($ 927,000) que las ventas ($ 787,000) en 2017 y se llevaron a casa la tercera mayoría de las regalías editoriales en el género. (Foto: USA Breaking News)

18. JAY-Z alcanzó los US$ 19.8 millones. Hova , quien lanzó su disco confesional 4:44 en 2017, alcanzó 776 millones de transmisiones el año pasado y recaudó $ 5.9 millones en derechos de música grabada. (Foto: AFP)

17. Paul McCartney recaudó US$ 20.5 millones. Tal como lo hizo en 2017, McCartney finaliza entre los primeros 20, aprovechando sus frecuentes giras y su catálogo post- Beatles . También se beneficia de tasas de regalías particularmente altas por su corte del repertorio perennemente popular de The Fab Four. (Foto: AFP)

16. Florida Georgia Line recaudó US$ 20.9 millones. Es un dúo de música country estadounidense formado por los vocalistas Tyler Hubbard y Brian Kelley . Su sencillo debut en 2012, » Cruise «, que sigue siendo su canción más popular, batió dos récords de ventas: se descargó más de siete millones de veces, convirtiéndose en la primera canción country en recibir la certificación Diamond , y se convirtió en la versión digital más vendida. (Foto:AFP)

15. Luke Bryan con US$ 21 millones. Bryan nació en Leesburg, Georgia. A la edad de catorce años, sus padres le compraron su primera guitarra, y después de aprender a tocar, se unió a varias bandas locales y comenzó a actuar en clubes locales. (Foto: Michael Ciaglo, Staff)

14. Red Hot Chili Peppers recaudó US$ 21.6 millones. Para un acto de patrimonio, los Chili Peppers generaron una considerable cantidad de 738.6 millones de transmisiones en 2017, lo que se traduce en US$ 1.4 millones en ganancias. La banda también fue el No. 12 en gira en los Estados Unidos el año pasado. (Foto: AFP)

13. Kendrick Lamar con US$ 21.7 millones. El rapero que más ganó en 2017 fue Lamar que obtuvo US$ 9.5 millones en derechos de registro y publicación, el quinto más alto en esta lista. (Foto: Getty)

12. The Weeknd recaudó US$ 23.3 millones. Abel Tesfaye salta 30 lugares de la lista del año pasado para convertirse en el segundo ganador entre los artistas de R & B / hip-hop y una superestrella de la era de la transmisión, con US$ 3.8 millones en regalías. Está en el top 10 de ventas de pistas digitales, transmisiones por demanda y giros de radio. (Foto: AFP)

11. Tom Petty & The Heartbreakers con US$ 23.4 millones. La gira del 40 aniversario de la banda, que se realizó solo semanas antes de la sobredosis fatal de opioides de Petty en octubre pasado, representó el 85% de sus ganancias totales. Un aumento en el consumo de la música de Petty después de su muerte generó US$ 3.6 millones en royalties sin contrato. (Foto: AFP)

10. Coldplay recaudó US$ 26.5 millones. Terminó 2017 con una cartera completa de flujos de ingresos. Vendió más de 2.2 millones de pistas digitales y fue una de las cuatro bandas de rock que superaron los mil millones de transmisiones, lo que ayudó a impulsar sus regalías totales de música grabada al norte de los $ 4.1 millones. (Foto: AFP)

9. Roger Waters con US$ 27.2. Los $ 1.3 millones en regalías de ventas de Waters son atribuibles, en parte, a su participación en el catálogo de Pink Floyd , que pertenece a la banda y se calcula a una tasa de regalías más alta, dado el estado del acto patrimonial del grupo. (Foto: AFP)

8. Guns N ‘Roses recaudó US$ 27.8. Axl Rose , Slash y Duff McKagan silenciaron a los escépticos que dijeron que su Tour Not in this Lifetime no resultaría. Capturó $ 25.9 millones en 2017, y un saludable 39% de las regalías totales de música grabada de GNR fueron de transmisión. (Foto: Zimbio)

7. Billy Joel con US$ 29.2 millones. A pesar de haber lanzado su última grabación de estudio en 2001, su catálogo ganó más de US$ 1.8 millones en total de las regalías. (Foto: AFP)

6. Lady Gaga con US$ 29.7. Lanzó su último álbum, Joanne , en 2016, por lo que no sorprende que sus ventas de música grabada en 2017 hayan sido relativamente reducidas. Las ventas de pistas digitales, que totalizaron 2.3 millones de descargas, fueron más fuertes. (Foto: AFP)

5. Ed Sheeran con US$ 31.3. Encabezó el Billboard Hot 100 dos veces en 2017 con «Perfect» y «Shape of You», fue el artista más jugado en la radio terrestre, con 1.9 millones de vueltas. También obtuvo el tercer lugar en regalías de grabación y publicación de música, US$ 11.5 millones. (Foto: AFP)

4. Bruno Mars reucaudó US$ 40.7 millones. Es el mejor actor de R & B / hip-hop, el segundo artista más jugado en radio terrestre (con 1,8 millones de vueltas), el No. 3 intérprete en vivo y No. 7 en regalías de transmisión (2.6 mil millones de transmisiones). (Foto: AFP)

3. Metallica con US$ 43.2 millones. Estos monstruos de metal fue el número uno en regalías de música grabada gracias a las ventas de 1.4 millones de copias de álbumes. (Foto: Creative Katarsis)

2. Garth Brooks con US$ 47 millones en sueldo neto. La gran actuación de Brooks es casi por completo el resultado de su trabajo en la carretera. Concluyó una gira de tres años y medio, de 390 citas, a finales de 2017, y Billboard estima que recaudó $ 137.3 millones ese año. (Foto: CMA)

 

 

1. No solo es U2 el mejor fabricante de dinero del 2017. Los veteranos rockeros de Dublín también lideran el ranking este año. La mayor parte de los 54.4 millones de dólares que la banda recaudó provenía de su gira Joshua Tree Tour, que jugó 28 fechas en los Estados Unidos, incluida una ranura en el título del festival de música Bonnaroo. El álbum de U2 2017, Songs of Experience, se incluyó con la venta de entradas para su Tour + Innocence Tour 2018, que lo ayudó a debutar en el No. 1 en el Billboard 200 en diciembre pasado, el octavo top-chart de la banda. (Foto: elnuevodiario)

 

Fuente: https://www.df.cl/noticias/tendencias/tendencia/los-20-musicos-que-mas-ganan-en-conciertos-segun-billboard/2018-07-25/124327.html

Un estudio de un servicio de streaming analizó los efectos de la «parálisis musical». Revisa los resultados.
¿Escuchas las mismas canciones una y otra vez en lugar de buscar nuevas canciones? Según un estudio del servicio de streaming Deezer, no estás solo, al menos si tienes más de 28 años.Deezer encuestó a 5.000 adultos en línea en Brasil, Gran Bretaña, Francia, Alemania y Estados Unidos sobre sus preferencias y hábitos a la hora de escuchar música. Y descubrió que la «parálisis musical» -es decir, el fenómeno por el que escuchan principalmente canciones familiares y no se buscan nuevos- ocurre en promedio a los 27 años y 11 meses.

El descubrimiento musical alcanza su punto máximo casi tres años antes: las personas de 25 años escuchan al menos 10 nuevas canciones por semana. 

Los brasileños son los que alcanzaron la parálisis musical más temprano, a los 23 años y dos meses de edad, mientras que los alemanes permanecieron curiosos por más tiempo, alcanzando la parálisis a los 31 años.

Una mayoría de los encuestados de todos los países dijo que deseaba poder encontrar más música nueva.

Los horarios de trabajo exigentes fueron la principal razón por la que dijeron haber dejado de descubrir nueva música, aunque también mencionaron el cuidado de los hijos y la sensación de estar abrumados por la elección musical.

Deezer realizó el sondeo para promocionar su herramienta Flow, que recomienda a los usuarios nuevas canciones para descubrir en función de sus hábitos y gustos.

Deezer, un competidor de plataformas de streaming como Spotify, Apple Music y Tidal, tiene su sede en París y tiene 14 millones de usuarios activos mensuales.

Foto: Istock
Fuente: http://www.t13.cl/noticia/tendencias/oidos-sordos-nueva-musica-seguro-tienes-mas-28-anos

El guitarrista se presenta en el Teatro Cariola este jueves 26 de julio.

Una visita ilustre tendremos por estos lados en los próximos días: Al Di Meola, uno de los más grandes guitarristas de las últimas décadas, estará presentándose el jueves 26 de julio en el Teatro Cariola. Trae su último “Opus”, lanzado este año, y sus más de 30 años de carrera. En la espera, nos comunicamos con él para saber un poco más de cómo viene esta vez.

-Hola Al, un gusto tenerte una vez más por acá, esta vez con “Opus”, que según has dicho, es un material que por primera vez escribiste estando feliz. ¿Cómo es eso?

-Bien, normalmente pasaba por dolorosos procesos de aislamiento para terminar los trabajos. Esta es la primera vez que hago música estando tranquilamente casado, con una nueva hija. Estoy en una parte maravillosa de mi vida, ellas me acompañaron en todo esto de escribir la música. No estuve aislado. Muchos discos no estuvieron rodeados del mejor entorno y casi me había acostumbrado a que fuera así por mucho tiempo. No estaba seguro si se podía escribir música estando feliz (risas), esto probó que podía hacer un disco distinto, que tampoco suena como los anteriores. Me tiene muy contento.

-Ya que estás en una nueva etapa de tu vida, ¿se puede decir también que es un nuevo inicio en lo artístico?

-En muchos sentidos. Me he vuelto más un compositor-guitarrista que un guitarrista-compositor. ¿Se entiende? Hay más profundidad en la música, tal vez debido a que han cambiado las condiciones de mi vida, para mejor. Ojalá esto continúe, porque ha resultado bastante provechoso, como nunca antes.

-Eso tiene que ver también con el sentido de evolución que has tenido en toda tu carrera. El constante cambio, ir subiendo niveles…

-Eso ha sido muy importante. No es que uno pueda sentarse y siempre salir con algo nuevo. Es fácil al primer disco, porque no hay nada antes para superar. Pero cuando ya tienes 30 discos, tratar de seguir encontrando una vuelta para algo nuevo es un gran desafío. Quizás en este caso, las condiciones en que me encontraba me llevaron a encontrar música fresca de manera más enfocada.

-En tu trayectoria has trabajado con maestros de la talla de Paco De Lucía, John McLaughlin, Chick Corea, Stanley Clarke, Jean-Luc Ponty… ¿cómo te ha servido el hecho de compartir con tales referentes y por ahí intercambiar aprendizajes?

-Ha sido fundamental, porque significa salir de tu zona de confort. La mía puede ser mi banda eléctrica, con quienes puedo hacer de todo. Pero cuando te juntas con músicos tan reconocidos en sus categorías y tan virtuosos, te pones en una posición de sana competencia que te fuerza a crecer y a aprender más. No puedes echarte a descansar, hay que estar siempre con nuevas ideas. Eso te lo da el roce con otros, tocar con gente buena.

-Acá en Latinoamérica siempre hemos escuchado que la música latina es algo especial, ¿qué ha significado para ti en tu formación?

-Un tremendo aporte. Siempre he estado muy influenciado por la música brasileña y fui uno de los primeros en incorporar influencias del tango, gracias a mi asociación con la música de Piazzola. Creo que introduje a Piazzolla a un público mayor en Estados Unidos y eso se empezó a meter también en mi propia música. En lugares de Europa se hizo muy gravitante esa combinación, por el sentimiento que transmite. Esto no es sólo una cosa intelectual, sino que también viene del corazón. En comparación con el jazz, que muchas veces es muy intelectual. La influencia de músicos sudamericanos como Egberto Gismonti o Piazzolla, jugaron un rol muy importante en expandir mi mente. Le estoy muy agradecido a Sudamérica por toda esa influencia. Hay mucho más por descubrir, me tomaría otra vida por descubrir todo. En Chile también hay grandes músicos, uno siempre va encontrando. Así que bueno, así como para John McLaughlin la música de la India fue muy inspiradora, para mí ha sido la de Sudamérica.

-Por último, ya pensando en el show, ¿qué se puede esperar?

-Vamos a presentar unas cuatro o cinco canciones de “Opus”, también otras de discos anteriores, cosas de Piazzolla, cosas de Lennon-McCartney… algo bien balanceado que estoy seguro que al público le encantará.

Si no se quieren quedar fuera de esta cita, las últimas entradas están por sistema Puntoticket, tiendas Hites, Cinemark y Audiomusica, con precios de $28.000 a $67.200.

El 20 de julio de 2017 recibimos la noticia del suicidio del músico estadounidense. Acá recordamos «Hybrid theory», la obra que se convirtió en el debut más vendido del siglo XXI.

«¿Por qué seguimos hablando de ‘Hybrid Theory’? Fue hace más años que el demonio. Es un gran disco, lo amamos. Pero es hora de que superen esa mierda». En esos términos, el fallecido vocalista de Linkin Park, Chester Bennington, se refería al álbum debut de la banda californiana. El sexteto se aprontaba al lanzamiento de «One more light» (2017), su último trabajo discográfico, y sus seguidores no estaban muy contentos con el giro hacia el pop electrónico, reinventado una y otra vez, que había dado el conjunto.

«Hybrid theory» fue un álbum generacional. Para aquellos que nacieron entre el año 1985 y 1992, ese disco fue probablemente el ícono de su primer acercamiento al rock contemporáneo. Tus padres escuchaban a The Beatles, Led Zeppelin o Black Sabbath; tus primos o hermanos mayores a Nirvana, Soundgarden y Pearl Jam; tú escuchabas a Linkin Park.

El primer golpe de la banda comandada por Mike Shinoda y el propio Bennington era rabioso, una explosión de furia y energía adolescente, esos que en el año 2000 se sentían solos, apartados y desencajados dentro de la sociedad. De allí nacieron, al menos, cuatro clásicos instantáneos (todos singles) como «Papercut», «One step closer», «Crawling» e «In the end» como la más representativa.

Además, Linkin Park fue uno de los grupos más destacados por MTV y el resto de los canales de música de aquel entonces. También de las radios alrededor del mundo. Ni siquiera eran exclusivos de las emisoras que concentraban la escena rockero. De hecho, en Chile, su segundo disco «Meteora» (2003) fue parte de la banda sonora de una teleserie juvenil.

Todo ese aparataje comercial detrás de los hombres de «Points of authority» llevó a «Hybrid theory» a convertirse en el debut más vendido del siglo XXI y en uno de los 10 discos más vendidos de la década pasada, el único considerado como rock dentro de ese listado.

Luego de confirmarse el suicidio de Bennington a los 41 años, los fans y seguidores de la banda apuntan directamente a las letras de sus ídolos, como una manera de intentar responder las interrogantes de una muerte que se siente casi familiar. Si así fuese, el primer álbum de Linkin Park estaba plagado de referencias a los fantasmas internos del vocalista.

Si bien el músico no era el compositor principal —Shinoda cumplía esa función—, frases como «Hay algo dentro de mí que jala por debajo de la superficie/ Consumiendo, confundiendo/ Esta falta de autocontrol temo que nunca acabe» en «Crawling» o «Es como que estoy paranoico mirando detrás de mi espalda/ Es como un torbellino dentro de mi cabeza/ Es como que no puedo detener lo que escucho adentro» en «Papercut», pueden asociarse a un músico que padeció problemas con las drogas y el alcohol y que, incluso, dijo en alguna oportunidad que había pensado en el suicidio como salida posible después de haber sido abusado por un hombre mayor cuando él era un niño.

De una u otra forma, las cifras y el impacto cultural dentro de una generación le hizo un espacio a «Hybrid theory» y a Linkin Park dentro de la historia del rock.

*Este artículo fue originalmente publicado el 20 de julio de 2017, el mismo día de la muerte de Chester Bennington.

Foto: AFP

Fuente: http://www.t13.cl/noticia/tendencias/espectaculos/a-ano-muerte-chester-bennington-album-puso-linkin-park-historia-del-rock

Entre el 14 y el 29 de julio se realiza la 11 versión del Teatro Familiar Famfest, organizado por el Centro Mori y que s desarrolla bajo el concepto de “Un festival de historias”. En esta ocasión, el evento, que como siempre es un atractivo panorama en vacaciones de invierno cuenta con 8 estrenos internacionales, 7 nacionales y el remontaje de 12 obras chilenas –4 de ellas de regiones– aplaudidas en su paso por la cartelera.Una selección de espectáculos de alta calidad artística, nacionales e internacionales, reúne en total 27 obras de 9 países: Bélgica, Italia, España, Ecuador, México, Colombia, Argentina, Brasil y Chile. Una muestra excepcional, donde las historias y las técnicas utilizadas ofrecerán una experiencia única e imperdible para las familias asistentes.Andrea Pérez de Castro, directora de festival, dijo que ya consolidado por lo que cada edición nos demanda entregar el mejor teatro de calidad para niños y adolescentes junto a sus familias. Consideramos que el teatro es el medio idóneo para la sana diversión  y para la formación y educación de niños, niñas y jóvenes, es por eso que también las temáticas que se ponen en escena tienen gran relevancia. Nos llena de orgullo ver cómo el festival ha ido creciendo, posicionándose como el único en su género en Latinoamérica”.

De ahí que todos los años se busque marcar hitos, por lo que en este 2018 se realiza la 1ª Expo Escena Familiar, un encuentro de artistas y programadores nacionales e internacionales, entre el 17 y 22 de julio.

Además, esta edición tiene una extensión gratuita en las comunas de Quilicura y La Pintana, además de una serie de talleres con entrada liberada.

Las 11 salas capitalinas que albergan las obras son Mori Parque Arauco, Mori Bellavista, Mori Vitacura, Mori Plaza Vespucio, GAM, Matucana 100, Teatro Municipal de Santiago, Teatro UC, Teatro Finis Terrae, Teatro ICTUS y Sala Pleimóvil.

 Desde España llega “Piedra a Piedra”, multipremiada obra de la compañía Teatre l’Home Dibuixat que ha sido galardonada, además de en su país de origen, en Polonia, Serbia, China, Croacia y Rusia, entre otros lugares. Esta propuesta busca despertar la imaginación de los niños y niñas a través de los objetos inanimados, planteando que las piedras guardan un mundo de posibilidades.

Por primera vez se presentará Bélgica, con “Ma tache” (Mi mancha), un espectáculo de teatro de sombras de la compañía O Quel Dommage. Un viaje visual y sin palabras donde la sombra se revela a través del juego y el poder de lo imaginario.

Italia, en tanto, trae a “Hanà e Momò”, un espectáculo de Principio Attivo Teatro, donde dos niñas separadas por un espacio circular de arena se encuentran y juegan creando lugares imaginarios. Un desafío donde estas dos amigas-oponentes tratarán de sorprender y superar la creatividad y habilidades de su contrincante.

México también estará presente con “Zapato busca a Sapato”, teatro de títeres de La Máquina de Teatro donde también participaron de su creación artistas de Brasil y Mozambique, que cuenta con el apoyo del programa Iberescena. A través de algo tan sencillo como un zapato, esta fábula crea un enlace con historias de migración y encuentros inesperados llenos de humor y poesía.

Desde Ecuador llega “El país de la canela”, propuesta de teatro circo y música en vivo, de la compañía Círculo de Artes Escénicas bajo la dirección del chileno Francisco Sánchez, de Tryo Teatro Banda. A través de la aventura de tres juglares se busca poner en valor el patrimonio intangible, tradiciones e historia ecuatoriana.

Otro montaje con similar objetivo es “Lara, o encanto das aguas”, proveniente de Brasil. La agrupación Lumiato Teatro de Formas Animadas trabaja el teatro de sombras, inspirado en la leyenda de la sirena brasileira, Iara, que busca sensibilizar al público infanto-juvenil sobre los saberes de tradición oral de los pueblos originarios de Brasil.

“Flotante” es la propuesta de Argentina, donde Azul Borenstein y Natalia Chami llegan con una instalación sensorial de marionetas en el aire y música original en un espectáculo especial para primera infancia. Una experiencia que invita a sumergirse en un universo onírico donde fauna marina y astros brillantes y coloridos conviven.

Por último, Colombia llega con “Clownti”, obra de marionetas del grupo Jabrú. Una propuesta que quiere rescatar el espíritu lúdico de la niñez a través de la historia de un niño que encuentra dentro de su maleta un traje de clown que le ayuda a reír, recordar y sentirse acompañado del público.

REMONTAJES NACIONALES

 La cartelera local, en tanto, incluye 7 nuevos espectáculos pensados para toda la familia. Por primera vez Centro Mori presenta una producción familiar en el festival con “Alicia, Peter y El Grúfalo nos cuentan cuentos”, donde los actores Héctor Morales, Andrea García-Huidobro y Omar Morán narrarán los cuentos de Lewis Carroll, Beatrix Potter y Julia Donaldson, apoyados por un dibujante que irá ilustrando el relato en vivo.

El destacado director Patricio Pimienta trabaja con su familia (esposa y dos hijos) en la obra “Hacia dónde van los viejos”, montaje realizado con la milenaria técnica Kamishibai (teatro de papel), donde la historia se presenta a través de dibujos, rituales ancestrales, narraciones y múltiples sonidos y música en vivo.

Jean Paul Olhaberry protagoniza “El mago del fin del mundo”, obra de magia e ilusión que busca revalorizar el formato escénico y la experiencia de las audiencias en torno a la magia, donde esta vez el mago busca llegar al conocimiento ancestral.

Francisco Medina y su compañía Manada  presentan “VaLlena 52”, obra de danza para primera infancia que tienecomo protagonista a la ballena 52, extraño cetáceo que navega solo y cuyo canto tiene una frecuencia especial. La pieza cuenta con uso de mapping y tecnología.

También se presenta “En la plaza a Patapelá”, segundo concierto en vivo de Los Patapelá. En esta ocasión el grupo realiza un viaje sonoro y musical por un día de juegos en la plaza del barrio, incentivando los juegos patrimoniales y la reutilización de objetos.

La nueva propuesta de la compañía La Guerrilla, “El Cóndor y la Huemula”, se inspira en el ensayo “Menos Cóndor y más Huemul”, de Gabriela Mistral, teatro de actores y máscaras protagonizado por una moderna Huemula y un anticuado Cóndor.

Además, debutará la obra ganadora del concurso de dramaturgia FAMFEST 2017, “Teo y la Isla del olvido”, del Colectivo Ficción.

Entre los remontajes se cuenta “Pianola para todos”, de Patricio Alvarado; “Kabinete de Madame Forest”, de la compañía Cirkoqoshka; “Pescador”, de Silencio Blanco; “La patrulla de la imaginación”, de Los Pleimóvil; Teatro en la Ruta celebra sus 10 años con “Don Bonifacio, el último organillero” y “La banda Caleuche”; “El último pez”, de Teatro Marote; y “Danzas aladas”, de la compañía Aranwa.

A estos se suman cuatro aplaudidas propuestas de regiones. “El regreso del Chivato”, de la compañía Lumífera de Valparaíso, un cuentacuentos animado e ilustrado en tiempo real;  “Manú”, del grupo La Coraje, de la misma ciudad, que cuenta la historia de la niña aymara Manuela Mamani: “Soberanía en el mar, peces no pescados”, de la agrupación Sueños de Maché, también de Valparaíso, que a través de teatro de marionetas muestra la vida bajo el mar; y “Travesía”; del colectivo La Enredadera, teatro de primera infancia desde Concepción.

Foto: Famfest

Fuente: http://lanacion.cl/2018/07/20/famfest-teatro-familiar-para-disfrutar-en-vacaciones/

 

Existen muchos músicos que dejaron una marca en la industria, pero que lamentablemente murieron jóvenes por situaciones diversas. Complicaciones de salud, adicción a las drogas o accidentes automovilísticos, hicieron que nos dejaran antes de tiempo.¿Pero, cómo se verían hoy, si hubiesen sobrevivido a estos problemas?Esa es la pregunta que se hicieron en Sachs Media Group, una agencia de comunicaciones que, con la ayuda de dos expertos musicólogos y el talento de la compañía de fotografía y restauración Phojoe, decidieron responder.

El proyecto es de 2013, sin embargo, ha resurgido en redes sociales gracias al sitio de entretenimiento Bored Panda.

Las imágenes, creadas utilizando las últimas fotografías oficiales de los músicos e intentando representar lo más fiel posible a sus personalidades reales, ha sido celebrada por los fans de estas leyendas de la música.

El proyecto incluye a figuras como Kurt Cobain, cantante de la banda Nirvana; Jimi Hendrix, quien fue uno de los guitarristas más conocidos de Estados Unidos y Jim Morrison, cantante de The Doors, entre otros.

Revisa a continuación la galería completa.

Kurt Cobain

Dennis Wilson

Karen Carpenter

Bob Marley

John Lennon

Keith Moon

Elvis Presley

Bobby Darin

Jim Morrison

Janis Joplin

Jimi Hendrix

‘Mama’ Cass Elliot

Foto: Sachs Media Group
Fuente: https://www.biobiochile.cl/noticias/sociedad/curiosidades/2018/07/19/proyecto-muestra-como-se-verian-las-leyendas-perdidas-del-rock-si-todavia-vivieran-hoy.shtml

Los nuevos talentos proceden de países como Venezuela, Brasil, Colombia, Estados Unidos, México, España, República Dominicana, Puerto Rico, Perú, Chile, además de un galardonado de Reino Unido y otro de Indonesia.

El destacado teacladista vuelve a nuestro país con un concierto programado para el lunes 12 de noviembre en el Teatro Caupolicán, para deleitar con los más grandes éxitos de su nutrida carrera. Uno de los músicos que lo acompañará en esta mágica velada es Vincent Colaiuta, icónico baterista de Frank Zappa, Leonard Cohen, Chick Corea, John Pattitucci, Joe Satriani, Sting, entre muchos otros.

Ya en la sexta década de su vida profesional, Herbie Hancock, el pianista y ex miembro del quinteto de Miles Davis, permanece donde siempre ha debido estar: a la vanguardia de la cultura mundial, la tecnología y la música.

El reputado y legendario pianista y compositor, ha sido una parte integral de todos los movimientos de música popular desde 1960, ya sea como miembro del quinteto de Miles Davis, agrupación pionera del sonido innovador en el jazz, o como el responsable del  desarrollo de nuevos enfoques en sus propias grabaciones, seguido de su trabajo en los años 70 – con álbumes récord como «Headhunters» – que combinaban el jazz eléctrico con el funk y el rock en un estilo transformador que continúa influyendo en la música contemporánea. «Rockit» y «Future Shock» marcaron la incursión de Hancock en los sonidos de la danza electrónica; durante el mismo período continuó trabajando en un entorno acústico con V.S.O.P., que incluía a los ex compañeros de banda de Miles Davis, Wayne Shorter, Ron Carter y Tony Williams.

Hoy, como desde hace décadas, luce una fusión eléctrica con guiños al pop, libera las mismas apabullantes energías y siempre de la mano de todas las máquinas que la tecnología le ofrece, y en el vivo junto a músicos de magnífica maestría, deja al público sin habla. De hecho, actualmente está grabando su nuevo disco del que dijo, contará con colaboraciones de Kendrick Lamar, Thundercat, Flying Lotus y Kamasi Washington, todos alguna vez han experimentado con el jazz, ya sea como estilo insignia o integrándolo a su propuesta original

En honor a su trabajo, Hancock fue galardonado con el Grammy Lifetime Achievement Award en febrero de 2016, que se sumó a los 14 premios que ha sumado en su prolífica carrera musical, como disco del año, mejor performance, mejor solo, composición entre muchos más.

Valores: (todas las ubicaciones a excepción de la galería general son numeradas).

Primeras Filas; $54 mil

Palco: $50 mil

Platinum: $48 mil

Golden: $44 mil

Silver: $40 mil

Platea: $34 mil

Galería: $28 mil

Galería General (sin numerar): $24 mil

 

Ciclo de cine familiar “Lluvia de monos”

Hasta este viernes 20 de julio puedes asistir al ciclo de cine familiar “Lluvia de monos”.

Las películas animadas que se exhiben de forma gratuita a las 15.30 horas en la Sala América de la Biblioteca Nacional, Metro Santa Lucía. Busca la programación en este enlace.

 

Fuente: https://www.concierto.cl/2018/07/ciclo-de-cine-familiar-lluvia-de-monos/

• En Museo Benjamín Vicuña Mackenna, Av. Vicuña Mackenna 94, Providencia. Metro Baquedano
• Jueves 19 de julio, 19:00 horas.
• Entrada liberada.

El Museo Benjamín Vicuña Mackenna invita al “Recital de Poesía y Música” a cargo del intérprete Osvaldo Molina Vera, quien es músico de oboe y corno inglés, e integró las orquestas Sinfónica de Chile, Filarmónica de Santiago, y Sinfónica del Estado Jalisco de México.

Osvaldo Molina Vera señala que “la música intercalada entre los poemas, logra cercanía y amenidad en este programa. Si es del caso, también puede interactuar algún presente, declamando, o contando alguna situación especial que conozca de los autores o autoras, tanto de poesía, como de la música que se interpretará”.

El programa de esta actividad contiene parte de obras de P.I Tschaicowsky, Violeta Parra, Camilo Saint Saens y de Vicente Bianchi. Además de los poemas “Señor” de Alejandro Flores, “Ni tú misma” de Manuel Magallanes Moure, “Muchacha de Santa Inés” de Osvaldo Molina Vera, “Tres sonetos de la Muerte” de Gabriela Mistral, y “Canción desesperada” de Pablo Neruda.

El recital está dirigido a toda la familia y es gratuito. No requiere inscripción previa.

Fuente: http://www.elmostrador.cl/cultura/2018/07/13/recital-de-poesia-y-musica-con-interprete-osvaldo-molina-vera-en-museo-benjamin-vicuna-mackenna/

El espectáculo, llamado “Gavilanes, un Ballet para Violeta”, se llevará a cabo este sábado 14 de julio en el Teatro Teletón y las entradas ya están puestas a la venta.

Luego de un trabajo de creación cercano a los 6 meses, Bafochi estrenará en el Teatro Teletón su nueva obra neofolclórica llamada “Gavilanes, un Ballet para Violeta”, inspirada en la cantautora nacional Violeta Parra.

Este trabajo fue una idea del director de la compañía, el profesor Pedro Gajardo, quien trabajó junto a Los Jaivas en el desarrollo de esta nueva obra. Fue justamente la banda nacional de música fusión latinoamericana quienes finalmente hicieron los arreglos musicales del espectáculo.

“La obra ‘Gavilanes’, es un ballet que hemos dedicado a nuestra querida Violeta, porque precisamente era uno de sus deseos cuando ella creó esta canción y su música. Ella hizo esta pieza musical pensando que fuera desarrollada artísticamente sobre escena para un ballet y nosotros como Bafochi revivimos su trabajo y lo trabajamos pensando también en el público”, señaló Gajardo.

La obra toma tres momentos de la vida de Violeta Parra. Sus inicios, con todo lo que significó golpear puertas, tener desencuentros, momentos difíciles de su proceso de vida y artístico el que no fue fácil. Luego en una segunda escena, se muestra lo más relevante en términos artísticos, que fue su paso por Francia y de manera muy particular la muestra de sus trabajos en el Museo del Louvre de París. Finalmente, el trabajo se enfoca en su regreso a Chile, donde la cantautora descubre nuevas vivencias humanas que la lleva con sacrificio a montar una carpa en La Reina, donde paulatinamente fue quedando sola, motivo que luego de varias desilusiones amorosas, llevó a Violeta Parra al suicidio.

Bafochi concluyó la semana pasada con éxito la gira por China. Un público diverso y altas autoridades de gobierno del gigante asiático se dieron cita en los principales teatros de Beijing, Macao, Shanghai, Henan, Guangzhou y Zhongshan para presenciar el espectáculo.

La función se realizará este sábado 14 de julio a las 19 horas en el Teatro Teletón y las entradas van desde los $3.000 a los $10.000 en la sede de Bafochi, ubicada en Ricardo Cumming 364 o en el propio teatro el día de la función.

Fuente:  http://lanacion.cl/2018/07/10/bafochi-estrena-obra-de-violeta-parra-con-musica-de-los-jaivas/

Ardiente paciencia (1983, Antonio Skármeta), La luna en el espejo (1990, Silvio Caiozzi), La vida de los peces (2010, Matías Bize) y Una mujer fantástica (2017, Sebastián Lelio), son algunas de las películas incluidas en la muestra.

GLASTONBURY O WOODSTOCK ENTRE LOS MÁS FAMOSOS

La industria de los festivales de música actualmente vale tres mil millones de dólares a nivel mundial y continúa creciendo

Los festivales que aglomeran a miles de personas, como Glastonbury o Woodstock, son los más famosos, no solo por la calidad musical, sino también por su tamaño.

La industria de los festivales de música actualmente vale tres mil millones de dólares a nivel mundial y continúa creciendo, según una investigación de Festicket, empresa que organiza entradas y alojamiento para festivales de música.

Muchos festivales destacan el hecho de que son, por definición, los más grandes. Entonces ¿cuál es? Acá varios de ellos:

Donauinselfest o Festival de la isla del Danubio

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Se realiza en Austria y atrae regularmente a más de dos millones de asistentes. En 2017, la asistencia durante los tres días alcanzó los 3.3 millones de dólares, lo que le valió el título de “mayor asistencia a un festival de música”, según Guinness World Records. Además, se permitieron alrededor de 350.000 personas en el sitio del festival, de forma gratuita.

Rock in Rio

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

En Brasil, a partir de 1985, aproximadamente 700.000 personas disfrutan durante siete días de música en vivo. Desde que comenzó, el Festival ha plantado 73 millones de árboles en la selva amazónica y creado más de 200 mil empleos. El grupo “Queen” actuó en el primer festival, al que asistieron más de un millón de personas.

Glastonbury

Situado en 900 hectáreas de campo en el suroeste de Inglaterra, Glastonbury tiene su propio reclamo a la fama, el título de “el festival de música verde y de artes escénicas más grande del mundo”.

La primera edición en 1970 fue un poco decepcionante en términos de números , con una asistencia de aproximadamente 1.500 personas y un boleto que costó apenas un euro. Sin embargo, en 2018, la entrada al evento de fin de semana completo fue de 230 euros.

Pol’and’Rock Festival

A este festival que se celebra en Polonia se le permitió compartir el mismo nombre que el histórico festival de Woodstock durante más de 20 años. Pero los organizadores ahora lo han cambiado a Pol’and’Rock Festival. Tres días de música y espectáculos culturales son gratuitos. Los organizadores dicen que alrededor de 200 mil personas asisten anualmente.

Fuente: https://www.elciudadano.cl/artes/musica-artes/concierto/cuales-son-los-festivales-de-musica-mas-grandes-del-mundo/07/05/#ixzz5KUirYUAb